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sábado, 11 de julio de 2026

julio 11, 2026

Kiran Ahluwalia - Aam Zameen - Common Ground - 2011

Quinto lanzamiento musical de Kiran Ahluwalia, Aam Zameem: Common Ground (2011) es un viaje a través de los sonidos. Escogiendo elementos de los ghazales punyabíes y de la música tradicional india y tuaregs (gracias a los legendarios Tinariwen y Terakaft, que participan en el disco), Ahluwalia se ha encontrado con un estilo totalmente propio, mostrando una capacidad única de mezclar géneros, tonos y sonidos en su música.
Kiran, nacida en India y residente en Canadá, es cantante y compositora, famosa por sus interpretaciones de canciones populares punyabíes y su poesía en forma de gazal. No obstante, su música tiene mucho de fusión de melodías populares, música e instrumentos indios, con jazz e instrumentos occidentales (sobre todo, de la mano de su marido, el guitarrista de jazz Rez Abbasi) e incluso otra música tan diferente de la tradición india como el fado, o como la de Tinariwen, el gran grupo musical tuareg de Malí. En palabras de Ahluwalia: “Los ritmos (de la música de Tinariwen) son mucho más simples que los indios, y no obstante, son tan hipnóticas... En mi opinión, es una música minimalista. Tiene muchas menos notas que las que tiene la música india en una canción pero tiene las notas exactas necesarias”. Precisamente con ellos colabora en su último disco Aam Zameen: Common Ground.

Aam Zameen tiene mucho de ambiente y meditación, fluyendo junto con la voz de Kiran y la música de fondo de Tinariwen y Terafakt, creando en la persona oyente un efecto casi de trance, aprovechado plenamente en el cuerpo de la música. En el disco se atreve también a utilizar letras escritas por poetas de ascendencia indostánica de la zona de Toronto y, sobre todo, sus propios poemas, dando un toque más electrónico que el que se puede apreciar en su anterior Wanderlust (2008). En general, su música pretende mezclar tradiciones musicales en torno a la música tradicional india y el eclecticismo es precisamente la esencia de su trabajo. Eso hace que cada pista de este nuevo album sea completamente diferente de la anterior y, sin embargo, tengan en común la cuidada voz de Kiran y la tradición india como marco.

Intenta, así mismo, recuperar el gazal y el concepto de la mushaira (reunión de poetas en la que cada uno recita su gazal, una composición en que cada “dístico” es independiente del resto del poema, con un valor más lírico que narrativo, y en cuyo último verso se introduce el pseudónimo o takhallus del autor).
En definitiva, un disco fantástico que sin duda hará las delicias de todas aquellas personas que buscan ampliar sus horizontes musicales.

01. Mustt Mustt (feat. Tinariwen)
02. Rabba Ru (Intro)
03. Rabba Ru (feat. Terakaft)
04. Raqba
05. Yaar Naal
06. Saffar
07. Mustt Mustt Redux
08. Matadjem – Waris Shah
09. Zindagi
10. Lakeerai
11. Mustt Mustt (Extended) 



martes, 3 de marzo de 2026

marzo 03, 2026

Febian Reza Pane - Piano de Bossa - 2009

 


En este álbum de 2009 el pianista Febian Reza Pane se salió de los sonidos y melodías sofisticadas, y el trabajo de sesiones en varios géneros, jazz, clásica, etc, aquí Febian Reza nos ofrece algo más simple con un  delicado toque de piano, 15 canciones que son conocidos estándar de la música popular Brasileña, escucha la calidad del piano con la calidez acústica, mientras disfrutas de un café como en las tardes de verano, sentado disfrutando de la brisa y del sonido fresco, sin presión para fundir el calor del verano.

01. Triste

02. Ela e Carioca

03. Samba de Verao

04. Insensatez

05. Samba de Uma Nota So

06. Corcovado

07. Wave

08. Agua de Beber

09. The Shadow of Your Smile

10. Meditacao

11. Chega de Saudade

12. Fly Me to The Moon

13. Garota de Ipanema

14. Estate

15. Desafinado



lunes, 2 de marzo de 2026

marzo 02, 2026

Bandadriatica - Babilonia - 2015 - Italia

El conjunto de Salento (Apulia / Sur de Italia) centra su atención en las fascinantes culturas musicales de las dos costas del mar Adriático. En este nuevo álbum, mezclando sorprendentemente varios sonidos en uno, el grupo empuja su vista hacia Turquía, Líbano, Armenia. Bandadriatica navega cada vez más hacia el este, en busca de los rasgos comunes entre las diversas tradiciones, para reescribir la música tradicional a través de canciones y canciones originales. El mar Adriático, el gran mar escondido, una Babilonia de idiomas y culturas, es develado por estos músicos que conocen muchas de sus rutas posibles. A partir de esta Babilonia de sonidos provenientes de las dos costas a través de fonemas ancestrales y nuevas sílabas musicales, Bandadriatica trata de crear un nuevo diálogo entre las tradiciones, manteniendo el ritmo. "Este es un proyecto interesante que integra maravillosamente la nueva composición con las raíces y demuestra cuán fácilmente la música puede cruzar las barreras nacionales y lingüísticas". - Michael Hingston (raíces populares)

 01 - Me perdu 4:55
02 - Turkayak 4:40
03 - La capu 4:48
04 - Babilonia 4:38
05 - Bint el shalabiya 3:45
06 - Pizzica Balkan 4:33
07 - Il bivio 4:28
08 - Mania DGL 4:08
09 - Terra 3:40
10 - Giga 4:06
11 - Salignano 5:25
12 - Tre balli in maschera 4:50


miércoles, 7 de enero de 2026

enero 07, 2026

Kapela Ze Wsi Warszawa - Nord - Polonia - 2012

 


El álbum "Nord" es el sexto álbum oficial de Village Band Varsovia.

Como músicos dicen, "Nord" es conocer a personas de mundos aparentemente distantes. Un intento de imaginar nuestra música a través del prisma de los sonidos del Norte. Identificar los elementos comunes de la cultura de los pueblos eslavos y la tradición rúnica escandinava.

"Nord" es a la vez un homenaje a los héroes y la Banda de los místicos, los descendientes de los valientes de los vikingos y los sami de los poetas cuyo arte ha sido siempre un equipo de cerca. Música extrañamente familiar, en su experiencia añadió: dura, pero digna. Fría, áspera - un profundo y fuerte. Con un toque de nostalgia y emoción la perforación de la verdad.

En el huésped la grabación asistieron a la sueca culto a la banda "Hedningarna", considerado un precursor de la música del mundo.

La Junta también escuchó arena Scofield - Iroquois y el Chamán del extremo norte de Canadá, uno de los más grandes cantantes de la escena mundial / folk / raíces.

"Nord" es el resultado de toda la banda del pueblo de Varsovia, el resultado de una sesión de tormenta de ideas conjunta y volver a las salvajes notas de trance, tribal.

Karrot Kommando le invita a escuchar esta muy emotiva, grandes obras de teatro y platos llenos de emoción.

Publicado con el apoyo del Centro Cultural de la Nación


1. Ej ty, gburski synie

2. Grajo gracyki 

3. Moja dolo 

4. Kujawiak Czart 

5. Hola byśki hola

6. Musiałaś ty dziewce

7. Kołysanka konopna 

8. Ingunn 

9. Polka Emigrantka 

10. Bendzie wojna

11. Polka żydóweczka

12. Gospodynie 

13. Step Owy


sábado, 12 de julio de 2025

julio 12, 2025

Hevia - Obsession

En Septiembre de 2.007 Hevia editó su último disco “Obsessión”. Un trabajo en el que además de los sonidos de la gaita acústica y la flauta, ganan protagonismo sonidos novedosos creados por el propio artista y expresados a través de su gaita midi. Aunque a lo largo de su trayectoria, Hevia se ha inspirado en sonidos tradicionales que combinaba con modernidad, en este álbum las melodías de composición propia cobran más relevancia.
En sus discos siempre ha habido colaboradores coherentes con su discurso. En Obsessión, el Coro Minero de Turón aporta una increíble y emocionante fuerza en Albandi. El gran músico Ramón Prada orquestó a la Orquesta Sinfónica de Ciudad Real que interpretó magistralmente la cuerda del disco. En Keltronic está presente el particular sonido de la excepcional Judith, una violinista celta de Cuenca. En The Morning Star, Carlos Aragón, uno de los luthiers de Hevia, Parrado y Aragón, aporta la magia de la uillean pipe. Faltriqueira suma intensidad con sus bellas voces en Carrandi. Joaquín Torres interpreta excelentemente la guitarra en Taranus.

El último tema “Lluz de Domingu”, es el tema central de la pelicula de José Luis Garci “Luz de Domingo”. En esta película, además, Hevia hace un cameo. Aparece tocando la gaita en una procesión al comienzo del largometraje.

01. Albo
02. Albandi
03. Obsessión
04. Los mártires de Rales
05. Vueltes
06. Carrandi
07. Soy pastor
08. Keltronic
09. Morning star
10. Keltic brass
11. Taranus
12. Lluz de domingu

Fuente: http://blog.hevia.es/?p=18

sábado, 22 de febrero de 2025

febrero 22, 2025

Ladysmith Black Mambazo - Favourites - 2000

Durante más de cuarenta años, las voces de Ladysmith Black Mambazo han casado los ritmos y armonías de las nativas tradiciones musicales de su querida Sudáfrica con los sonidos y sentimientos que emanan de la música gospel. El resultado es una alquimia musical y espiritual aclamada por una audiencia mundial que representa todos los rincones del panorama religioso, cultural y étnico. Sus trabajos musicales de las últimas cuatro décadas no sólo han cosechado elogios y reconocimientos de la industria discográfica sino que también ha supuesto una consolidación de su identidad como una fuerza cultural a tener en cuenta.

Grupo coral masculino liderado por Joseph Shabalala, su música representa el resurgimiento de la nueva Sudáfrica tras los duros años de racismo y apartheid. Surgido en torno a 1960, Ladysmith Black Mambazo forma parte de una larga tradición zulú llamada isicathamiya (que viene a significar algo así como "caminar o pisar con los dedos de los pies a la ligera"). Las raíces de isicathamiya se remontan a comienzos del siglo XX cuando grandes grupos de hombres dejaban sus tierras y familias para encontrar trabajo en la ciudad, viviendo en albergues con otros hombres cerca de las minas. Como no podían formar equipos para practicar deportes, utilizaban el canto como medio para permanecer cerca de sus raíces.

Ladysmith Black Mambazo comenzó a ser reconocido a nivel internacional gracias a su participación, en 1986, en el legendario disco Graceland de Paul Simon. Carente de instrumentos, su música es enormemente apreciada entre la afición de la world music. Varios premios Grammy han jalonado su trayectoria, el último en 2009, y ejemplo de su popularidad es que sus miembros fueron invitados a actuar en la ceremonia de entrega del premio Nobel de la Paz a Nelson Mandela, a quien acompañaron también en su toma de posesión como presidente de Sudáfrica.

Favourites es una colección de temas editados entre 1987 y 2000, seleccionados especialmente por su líder Joseph Shabalala, con la intención de transmitir a sus oyentes "armonía, amor y paz" con el canto a capella. Como señala Shabalala, "viajamos por el mundo difundiendo nuestro mensaje de paz, amor y armonía. ¿Qué puede ser mejor o más importante que eso?".

Tracks list:
01. Inkanyezi Nezazi (The Star and the Wiseman)
02. Sibezwa Bekhuluma (We Hear Them Talking)
03. Watatazela (You Seem to Be in a Hurry)
04. Amabutho (Warriors)
05. Ngaza Ngambona (I've Seen Him)
06. Khayelihle Khaya Lami (My Beautiful Home)
07. Lifikile Ivangeli (The Gospel Has Arrived)
08. Uthando Olungaka (What a Great Love)
09. Ebetlehema Yiyo Lenkosi (In Bethlehem, He Is the King)
10. Indukuzethu (Our Fighting Sticks)
11. Bakhuphuka Izwe Lonke (They Went Up To The Country)
12. Sadumela Intozabanye (We Surprised Other People)
13. Sithando Ngize Kuwe (Love, I've Come to You)
14. Thandiwe Wami (My Lover)
15. Baxabene Babangani (Friends Who Have Quarrelled)
16. Yinhle Lentombi (This Lady Is Beautiful)
17. Emgodini (Down the Mines)
18. Halleluya
19. Amazing Grace / Nearer My God to Thee
Página web oficial: Ladysmith Black Mambazo

jueves, 26 de diciembre de 2024

diciembre 26, 2024

Kocani Orkestar Meets Paolo Fresu & Antonello Salis - Live - 2004 - Rumanía - Italia

Este imperdible álbum fue grabado en febrero-marzo de 2004, durante el tour se detiene en Roma, Ravenna y Foligno. En su interior se puede encontrar toda la belleza de los sonidos y las mismas parcelas intrigantes tejidas música de Oriente y Occidente, que se menciona en los "juerguistas" conciertos. El escritor ha sido testigo de su concierto en el Auditorio Parco della Musica en Roma, y por supuesto se recomienda un vídeo en directo. El festival de música que este grupo se expandió a las etapas Fresu y Salis es nada menos que convincente experiencia y vale la pena. En el ínterin, sin embargo, un triunfo de su próxima gira, este disco puede superar tanto la curiosidad de un género musical, una especie de popurrí de bandas de música de los Balcanes y etno-jazz, y el deseo de experimentar una verdadera panacea de la energía y diversión escuchar música.

En este contexto, cada canción resultó, florece una nueva vida. Esto sucede variaciones de danza , una variación de baile sardo escrito por Fresu, que viven a la prueba asume la forma de una danza eterna, cautivando como el potente y bailable igualmente Macedonia Adiós , sino también música escrita por el trompetista sardo la película "El más cruel de los días", dedicado a la periodista Ilaria Alpi, Noches en Mogadiscio y ... viajar a , y otras razones, la más típica del repertorio de Kocani, Gajda, Papigo, Jacquelina, Siki Siki Baba, de Red Bull. Un emocionante viaje entre la improvisación y la tradición melodía y el swing. Fluir con sentimiento y pasión. Al parecer desordenado, con elegancia refinada. Coser con poesía vibrante. Alma nómada y sin pasaporte.

Una vibrante música se apodera del oyente desde Noches en Mogadiscio . Tenga en cuenta la dirección de la orquesta de swing y su cohesión y, sobre todo, en contra de dos elementos externos, tales como el latón, multiefectos Fresu y piano, acordeón Salis. Intro, la electrónica y las notas de piano simular casi un ataque de guerra, las bombas que caen de los aviones. Luego de la euforia de la fuga etno-jazz. Para escuchar la marca solicitada para captar más energía y matices.

Gajda es una canción evocadora y alienante, desde la introducción de la carga de trompeta de pathos. Percusión (tapan) y eólica crear el ambiente adecuado para el solista remolino, latón retorcido e intrigante. Fresu, en cualquier contexto, los sonidos, mantiene su sonido, su propio sello peculiar que lo pone al mismo tiempo de forma paralela y en armonía con los otros músicos, no sólo - como sería obvio pensar - con la primera trompeta y la segunda de ' conjunto balcánico, Turan Gaberov y Kadriev Sukri. Una canción y fuegos artificiales de colores, que nunca dejan de "llamada y respuesta" en la que los pedales solistas lenguas se entrelazan y otros miembros de la sección de metales. Una herencia afroamericana y de la música universal, tout court, sólo piensa en él como un encuentro entre tradiciones diferentes, aunque complementarios. El contexto, de hecho, es siempre armoniosa e inclusive. Euforia pura al final.

The Travel ... se introduce por la voz de la Azizov Ajnur Balcanes, una voz "árabe" muecín. La música que sigue es meditativo, pero bien de ritmo. A veces bailando. Gran sentido de giro de Salis en el piano, pero también de la sección de metales de la orquesta. Melodía envolvente y sugerente. Hija de un millar de influencias que han afectado a las tierras del Mediterráneo. Loco, un pianista virtuoso y desbordar el discurso de Cerdeña. Devastadores, como de costumbre. Un espectáculo en vivo y de la historia. Muchas figuras armónicas y melódicas de espalda en un movimiento circular. Regreso a la voz del cantante. Interpretación emocionante, fascinante y conmovedora. El discurso de los altos mandos es suave y brillante.

Papigo es una especie de balada étnica. Evanescente y aireado. La percusión (la tapan) conducen a un cambio dardos y bailando atmósfera. Canciones interesantes, picante y colorida, colores fuertes e intensos. La mezcla perfecta entre las interesantes y trompetas, tubas, el saxofón y el clarinete. El acordeón Salis Prilla entre las dos líneas, latón y cañas, con bordados digno de un grabador notas finas. Maravillosa. Nótese cómo la tuba Suad Asanov acto como el bajo real, aquí más que en otros lugares, con una cifra precisa y dinámica pseudo-forzado. Es una fiesta de escuchar este disco. Necesita relajarse, pensar en otra cosa, sino también para meditar y reflexionar. Triunfo final.

Variaciones sobre un baile es el arreglo para orquesta de baile balcánicos particularmente convincente y muy atractivo Cerdeña. Sugerente. Latón y Reed hablar alegremente y la danza, de hecho, como hombres y mujeres atrapados en el torbellino de la danza. La Salis acordeón, un elemento extraordinario de "ruido" hace que sea aún más húmeda de urgencia expresiva e impacto. El tamborileo de Saban Jasarov crea un ritmo casi marcial en el que pirueta. La improvisación del mismo acordeonista sarda, realizado por lo menos en las primeras líneas, es cautivante, eufórico, carnal. Como un baile sensual. El baile, de hecho, es una de las pocas oportunidades de "contacto físico" entre hombres y mujeres dentro de una realidad del país, como la de una comunidad de la isla cerrada o el origen étnico como los romaníes. Un ejemplo perfecto de la mezcla cultural.

Jacquelina se asemeja a una canción de amor, una serenata. Tiene una melodía dulce, introspectivo, lírica y evocadora. A latón brillante, como Ícaro, inmolado en el cielo de la música. Virtuoso, ya que sólo un amante puede hacer presa de los vapores del amor. Un estado de ánimo eufórico, bailando, solicitante. Como para evocar una respuesta positiva o sólo aparecen complaciente amado. A actúa latón más nítidas se cree que son verdad en el mismo tono de voz. Sin embargo, es un tema muy hablado, las secciones de la escena es dinámica, abierta y cómplices. Derrames de latón y las cañas de cambio, a su vez, dibujar garabatos de amor en el aire. Cogidos del brazo, entonces, appropinquano en el mismo camino. La canción termina así. Con una nota común a largo. Siki Siki Baba vive introducción Salis Acordeón espaciosas y especializada. Un solitario en la línea de virtuosismo musical. Un maestro en el arte mortal de expresión. Un volcán de ideas siempre emocionante y abrumador. ¿Cómo no ser encantado delante de habilidad tan grande? Al final de su larga digresión que añadir percusión (tapan) y el viento. Los elementos Dzeladin Demirov y Azizov Ajnur bien entretejida con gran cordialidad y complicidad. La canción está llena de Mediterráneo. El Fresu latón es evocador y lírico. Final delicioso.

Adiós Macedonia se abre con una de bronce, sinuosa, entrelazada su discurso, soplando, resoplando. Otro solista introducción asignados a uno de dos invitados. Esta Fresu tiempo. Virtuoso eficaz. Sugestivo y evocador. A veces, poético y lírico. A veces, sueño y sueño. Con la entrada de los instrumentos de percusión y de viento, el ambiente se vuelve fascinante y turbulento como un Balcanes baile. Después de todo, eso es todo. Debe ser transportados sin resistencia, para disfrutarlo al máximo. Salis plan de intervención son perspicaces y repentino. A latón llamada solo intrincado y "sufrido", cubierto de rocío con patetismo y pasión de expresión. Yearning como la de abajo, más metal, más lamentable solo. Con notas largas celebrará largo, a fin de expiar el sufrimiento. El latón tercera cantando el anhelo de su alma con el mismo énfasis. Al final teje un diálogo a tres bandas alternas y complementarias particularmente impresionante. Volver al tema de baile y euforia. El estado de ánimo de extrañamiento y arrastrar en un torbellino de emociones apasionadas.

Red Bull se abre con un contrapunto de latón y juncos en que descansa la voz de Ajnur Azizov. Una pieza de lo más profundo etno-jazz sentir. Un diálogo permanente entre las partes, de entretenimiento y diversión. El estado de ánimo es el baile, puntual y eufórica. La contribución de la Salis plan es redundante e incisivo. Fuerte, enérgico, virtuosos. Encima de él, cada vez más temerario, Fresu encuentra su tamaño correcto, dando un solo bien torneado, medida, calibrado hasta el más mínimo detalle, con gran atención a la dinámica y las soluciones armónicas. Un dúo extraordinario e integral. Volver al tema animado de muchas voces. La interpretación coral de color una vez más la voz de Azizov. Es sólo la última canción, el álbum entero "te da alas". El final es el mismo que el intro, con la entrada en contrapunto secuencial para el latón y cañas.

TEMAS
1. NOTTI A MOGADISCIO
2. GAJDA
3. …DEL VIAGGIO
4. PAPIGO
5. VARIAZIONI SUL BALLO
6. JACQUELINA
7. SIKI SIKI BABA
8. GOOD BY MACEDONIA
9. RED BULL

sábado, 15 de junio de 2024

junio 15, 2024

Totó la Momposina - La bodega - 2010

El grupo Totó la Momposina y Sus Tambores es un permanente proceso de aprendizaje y observación, interpretando el espíritu de la música y de los sonidos transmitidos por el pueblo en Colombia. La bodega es el noveno trabajo discográfico de esta cantante colombiana (Sonia Bazanta) de mayor impacto internacional. Un álbum que, al igual que la sabrosa cocina colombiana, se ha gestado con paciencia, cariño, buenos ingredientes y reposo durante los tres años que ha durado su producción, y que ha visto la luz bajo su propio sello musical, Astar.
Las llamadas bodegas en Colombia eran grandes tiendas donde los mercaderes descargaban sus productos directamente de los barcos, y donde nacieron las primeras bandas del caribe colombiano. Allí confluían las gaitas y los millos indígenas con los tambores, maracas, marímbulas y guacharacas de los esclavos africanos, así como con la guitarra española (que en Colombia se transformó en tiple y bandola), el acordeón alemán y los clarinetes, trompetas, bombardinos y demás instrumentos de viento procedentes de Europa. La Bodega por tanto, es un trabajo en el que Totó ha rescatado los sonidos heredados de tan rico legado popular. Ha viajado en el tiempo para zambullirse de lleno en aquellos lugares que vieron nacer la música popular colombiana.

Cumbia, zambapalo, merengue, abozao, chocó, porro palitiao y afro suenan a lo largo de los nueve temas que conforman el disco, mostrando las múltiples manifestaciones del amplio universo musical y cultural de Colombia. La Bodega es un disco que no pierde un ápice de identidad y tradición, pero al igual que sucede con casi toda la obra de la cantante colombiana, indaga en torno a las posibilidades y amplitudes que tiene la música tradicional.

Como novedad, se incluye en el disco la canción "Dueña de los Jardines", escrita por la propia Totó, siendo Abel Antonio Villa, Toño Fernández y Mañe Mendoza, Adriano Salas, Mario Gareña, Antonio María Peñaloza, Pablo Florez C. y Paulino Salgado los firmantes del resto de las composiciones. Una vez más, Totó La Momposina vuelve a ofrecernos un disco redondo, sabroso (como la buena cocina) y grande como su merecida reputación.

Tracks list:
01. Manita Uribe (cumbia)
02. Margarita (zambapalo)
03. Sueño Español (merengue)
04. Yo Me Llamo Cumbia (cumbia)
05. Tembandumba (afro)
06. Fidelina (abozao)
07. Cosas Pa´Pensar (cumbia)
08. Dueña de los Jardines (sexteto palenquero)
09. Fiesta Vieja (porro palitiao)
 

Sitio web oficial: Totó la Momposina, Astar Music

miércoles, 13 de diciembre de 2023

diciembre 13, 2023

Dhafer Youssef - Electric Sufi

La fusión de música electrónica con ritmos tradicionales y sonidos folklóricos es un hecho en todos los rincones del mundo; desde Asia hasta Latinoamérica, los Balcanes, Medio Oriente o Europa del Este. Sin embargo, la mayoría de las veces todo se reduce a una fórmula única: hacer correr melodías e instrumentos “étnicos” sobre beats pre programados de cuestionable valor artístico. Lejos de caer en este reduccionismo, aparece Dhafer Youssef, quien ha llevado a la música árabe y norafricana por el sendero electrónico manteniendo la espiritualidad y profundidad que caracteriza a la música islámica.

Nacido en Túnez en 1967, desde 1990 se radicó en Europa, donde comenzó a involucrarse en los movimientos de avant garde y world music; a los cuales les sumó el sonido de su oud (un laúd de Medio Oriente) y su formación tradicional en música sufí y el canto islámico aprendido desde chico.

Para no caer en la trampa de los clichés de la electrónica, se vale en este disco de un plantel de lujo, con destacadas figuras del jazz europeo y monstruos de la electrónica y el rock norteamericano que le dan al proyecto una dimensión global e incontables niveles de profundidad.

Grabado en Nueva York, se destaca aquí el enorme aporte Doug Wimbish y Will Calhoun, base rítmica de Living Colour y de proyectos de vanguardia electroacústica como Headfake. Tanto Wimbish al bajo como Calhoun desde la batería aportan toda la sabiduría adquirida en una dilatada trayectoria que desde hace varias décadas se ha caracterizado por un uso inteligente de la tecnología en la música. Lejos de empantanarse en recursos discotequeros, la dupla Calhoun-Wimbish le pone sonido y cuerpo posmoderno al misticismo sufí de Youssef, a través del uso expresivo de pedaleras, efectos y ambientaciones que potencian la atmósfera espiritual por la que nos lleva el disco.

Completan la alineación una selección de lo más destacado del jazz europeo: los alemanes Markus Stockhausen (trompetista de sólida formación clásica) y Dieter Ilg (contrabajo); el guitarrista austriaco Wolfgang Muthspiel, el sudafricano de origen indio Deepak Ram (bansuri, flauta clásica hindú) y el ya legendario percusionista francés Mino Cinelu (conocido por sus trabajos junto a Miles Davis Weather Report).

El álbum abre mostrándolos en un ajustadísimo ensamble jazzero en “Mandakini”, donde Youssef desde su laúd y Cinelu en la percusión marcan el comienzo de lo que crece y se desarrolla como una gran improvisación a la que se suman en el liderazgo de Ram en flauta y Muthspiel en guitarra.

Con “Yabay”, el tunecino explota al máximo su expresividad como solista, la melancolía de su cantar y su oud, y las conmovedoras alturas a las que llega con sus notas altas.

 A continuación, la armada electrónica hace su ingreso en “Electric Sufi”, con el drum’n bass de Calhoun y Wimbish sosteniendo a Ram y Youssef. Es notable aquí la apertura y sensibilidad de ambos norteamericanos para incorporar ritmos y melodías de África y Oriente en su combo electrónico. Algo que se repite en “Man of wool”, donde el toque de Wimbish para lograr climas a través de efectos y pedales con su bajo acompaña una atmósfera surreal creada por la batería electrónica de Calhoun, sobre la cual se monta el cantante para lograr una de las piezas con más mística y misterio de todo el CD.

En pasajes solistas como “Oil on Water” y “La nuit sacre” Youssef ofrece con su oud el descanso a la tensión que se genera en aquellas complejas combinaciones de electrónica y música étnica. Del mismo modo, la balada “La prière de l' absent” se sustenta en la trompeta de Stockhausen y el resto del combo de jazz europeo que lo secunda, para ofrecer un poco de necesaria paz y armonía.

En el mismo camino discurre “Nouba”, donde las capacidades vocales e instrumentales de Youssef surgen en todo su esplendor para lograr uno de los puntos más ajustados de mestizaje sonoro de toda la placa junto a la excepcional “Suraj”.

Como si faltara algo más, el tunecino sorprende con una genial interpretación de flamenco magrebí en “Farha”, secundado por una impecable performance solista en percusión de Cinelu, y su continuación en “Nafha”.

“Al-Hallaj” (homenaje mártir místico del Islam del siglo X) constituye la  referencia más fuerte a la religiosidad que inspira la música de Youssef; y “Langue muette” cierra con solemnidad un trabajo ecuménico que emociona por la pluralidad y calidad con la que conviven tradiciones culturales islámicas, africanas, europeas y americanas.

Dhafer Youssef vocal, oud, sounds
Wolfgang Muthspiel guitars
Markus Stockhausen trumpets, flh
Deepak Ram bansuri
Dieter Ilg ac. + el. bass
Doug Wimbish electric bass
Mino Cinelu drums, perc.
Will Calhoun drums, loops
Rodericke Packe ambient sounds

1. Mandakini 05:07
2. Yabay 03:14
3. Electric Sufi 04:56
4. Oil On Water 02:43
5. La Priere De L Absent 06:43
6. Man Of Wool 07:03
7. La Nuit Sacree 06:23
8. Nouba 06:47
9. Farha 05:34
10. Nafha 05:24
11. Al Hallaj 03:18
12. Suraj 06:13
13. Langue Muette 03:33 


sábado, 8 de octubre de 2022

octubre 08, 2022

Emil Montgomery - Esencia - 1997

Compositor uruguayo nacido el 6 de enero de 1970 en Montevideo. Montgomery es un compositor que refleja intensas emociones a través de su música, para la que utiliza alta tecnología con la que obtiene sonidos del futuro y ritmos puros, que a su vez despiertan una llamada primitiva, casi ritual, con la necesidad ancestral del hombre de celebrar fiestas y ceremoniales, extrayendo lo mágico en lo más intimo del espíritu del hombre.
La música de Montgomery es un viaje al inconsciente colectivo, a las raíces más puras, que alerta los sentidos adormecidos por la vorágine de la sociedad moderna. Es la búsqueda de Dios, un dios sin religión, un dios universal, de esencias humanas, una esencia que nos hace a todos hermanos y nos une a la Tierra y al Universo. Emil Montgomery convoca a través de sus grandiosas composiciones a otros artistas que despliegan su propio arte con su tecnología, sus voces, su experiencia y su fuerza.

A los 6 años de edad Emil empezó a componer sus primeras piezas para piano y se introdujo en el estudio de la teoría de la música. Cuando tenía diecisiete empezó a trabajar con sintetizadores y otros instrumentos electrónicos poco comunes, e incorporó desde entonces la electrónica y la tecnología a sus composiciones. A los dieciocho años ingresó en la Escuela Universitaria de Música de Montevideo.
Musicos:
Emil Montgomery: teclados y sintetizadores
David Montenegro, Daniel Irilarry: aerofonos andinos
Esteban Klísich: guitarra
Marcelo Zanolli, Sergio Tulbovitz: percusión
Miguel Romano: batería
Ariel Ameijenda: sitar
Alan Wiuker: tabla
Arreglos del coro: Ulises Ferretti, Emil Montgomery
Dirección del coro: Ulises Ferretti
Todos los instrumentos de viento fueron fabricados especialmente para Esencia por David Montenegro

01 – 1110
02 – Sin Memoria
03 – Ecos
04 – Lajun Chaan
05 – Inti Jalsu
06 – Cuculcan
07 – El Viento Y La Montaña
08 – Paqariy
09 – Quinto Sol
10 – Sham 

Fuente: http://mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=montgomery-emil

domingo, 12 de junio de 2022

junio 12, 2022

CéU - CéU - 2005


El álbum CéU fue nominado, en 2007, en los premios Grammy como "Best Contemporary World Music Album". Y es que Maria do Céu Whitaker Poças, cantante y compositora brasileña, no sólo posee una voz magnífica sino que sabe combinar ritmos modernos con tradicionales sambas para crear un sonido fresco y personalísimo.

CéU, que significa cielo, se inspira en los sonidos de la jungla urbana de São Paulo, en el rap de las calles y en la música con la que creció en casa (formada en teoría musical, es especialista en violão -guitarra típica brasileña-). Influenciada por Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Lauryn Hill y Erykah Badu, su música es un recorrido por la variedad de ritmos de Brasil que tienen sus raíces en la cultura africana originaria, ya sea la samba, el soul, el rhythm and blues, el hip hop, el afrobeat o el electrojazz music.

Tracks list:
01. vinheta quebrante
02. lenda
03. malemolência
04. roda
05. rainha
06. 10 contados
07. vinheta Dorival
08. mais um lamento
09. concrete jungle
10. véu da noite
11. valsa Pra Biu Roque
12. ave cruz
13. o ronco da cuíca
14. bobagem
15. samba na sola



Página web oficial: CéU

martes, 31 de agosto de 2021

agosto 31, 2021

DEM Ensemble - Erguvan - 2013

DEM Ensemble es la formación extendida de DEM Trio, un proyecto que, desde sus inicios, ha reivindicado los sonidos del bağlama y el tambur, instrumentos de referencia de la música folk de la península de Anatolia. En DEM Ensemble participan Murat Salim Tokaç (tambur y ney), Emre Erdal (kemençe ó kamanché clásico), Cenk Güray (divan saz y cura), Atilla Akıntürk (kanun) y Erdem Simsek (bağlama).

El segundo disco de la formación instrumental turca avanza en su viaje musical, el álbum está dedicado a la historia musical de Estambul como un interesante crisol cultural de los días del Imperio Bizantino, la herencia otomana y los diversos períodos de la república turca. En total han registrado una veintena de piezas de belleza sublime (grabadas entre 2008 y 2013 en Turín, Estambul y Ankara), melodías que se pierden en el tiempo, que abarcan el Egeo y toda la península de Anatolia (Esmirna, Rodas, Lesbos, Burdur…) y que se unifican como una representación de todas estas culturas regionales en la estructura cosmopolita de la capital.

DEM Ensemble ha elegido como título para este maravilloso disco a la flor rosa que simboliza a Estambul, Erguvan, que brota cada primavera por un breve período de tiempo, el símbolo de una ciudad en la que se han cruzado, mezclado y enfrentado diversas culturas. De esos encuentros y desencuentros surge la urbe actual, donde la tradición y las nuevas formas musicales son abrazadas como una sola. Música pensada, soñada y escenificada de forma magistral.


01. Hantuman Zeybeği
02. Ağır Al Yazma Zeybeği
03. Jandarma Zeybeği
04. Hüseyni Taksim
05. Eskişehir Zeybeği
06. Baylan Cemile
07. Nihavend Taksim
08. Kutsavakiko
09. Mazomenos
10. Koca Ümmet Zeybeği
11. Rodos
12. Kostak Ali Zeybeği
13. Kasnak Zeybeği
14. Eviç Taksim
15. Sabahın Seherinde Ötüyor Kuşlar
16. Karanlıkdere Zeybeği
17. Abdurrahman Halayı
18. Hüseyni Taksim
19. Tevekte Üzüm Kara
20. Hasapikos Politiko

miércoles, 23 de junio de 2021

junio 23, 2021

Omar Sosa - Mulatos - 2004

Omar Sosa, excepcional músico y pianista cubano, recrea con maestría la fusión de ritmos de sus raíces africanas con elementos de la música popular cubana, el jazz, y recurriendo a elementos de la electrónica o sonidos de hip hop en sus grabaciones y actuaciones en directo.
En Mulatos (2004) sigue contando con la colaboración de músicos de distintas culturas como Dhafer Youssef (oud), Steve Argüelles (percusión, electrónica), Dieter Ilg (contrabajo), Philippe Foch (tabla), Renaud Pion (clarinete), y Paquito D’Rivera al clarinete, uno de los grandes ídolos de Omar. En 2006 salió al mercado Mulatos Remix, una refrescante relectura de Mulatos donde incorpora nuevas sonoridades. En 2006 es nominado una vez más a los Grammy por Mulatos como mejor disco de Latin Jazz y a los "BBC Radio 3 Awards for World Music".

Tracks list:
01. Ternura
02. Nuevo Manto
03. La Tra
04. Reposo
05. La Llamada
06. Dos Caminos
07. Iyawo
08. L3zero
09. El Consenso

 


sábado, 12 de junio de 2021

junio 12, 2021

Family Atlantica - Family Atlantica - 2013

Family Atlantica (2013) es la historia de un encuentro, cuando una mezcla impensable de energias, influencias y sonidos procedentes de tres continentes bañados por el Atlántico, decide conectarse para terminar grabando un disco tan genuino como arriesgado y sorprendente. Un álbum que evoca los legados del son cubano, el calipso y la más profunda tradición folclórica venezolana (la percusión afro y el canto campesino) junto con higlife ghanés, blues etiope, spiritual jazz y psicodelia.
La génesis de Family Atlantica sucedió cuatro años atrás, cuando el londinense Jack Yglesias, multiinstrumentista y productor que ya hizo historia con el proyecto de jazz The Heliocentrics, conoce a la poeta y cantante venezolana Luzmira Zerpa. Se convierten en pareja y cuando comienzan su colaboración musical aparece el percusionista africano Kwane "Natural Power" Crentsil (mitad nigeriano mitad ghaniano), un apasionado de la percusión sin fronteras. Al indiscutible talento de este trío, se suma el aporte de la leyenda del jazz etíope Mulatu Astatke (piano), tres generaciones de la familia Zerpa, el griot senegalés Nuru Kane (guembri) y el combo afro-cubano Yoruba Andabo. Cuatro temporadas de ensayos más tarde, finalmente ve la luz el que para la Crítica, Manu Chao incluido, será uno de los discos del año: su debut, titulado sencillamente Family Atlantica.
El encanto del álbum, grabado entre Londres y Venezuela (Barquisimeto, Sanare y Tacarigua), reside en su multiplicidad de sonidos, ritmos y frecuencias musicales: hay rumba cubana, tonada venezolana, highlife ghaniano, son, blues etíope y calipso. Pero no menos importante es su autenticidad, tradición en sintonía con la actualidad, gratas dosis de nostalgia y renovación sonora, de esas a las que nos acostumbran las grandes obras que han sabido reinventar las viejas escuelas.

01. Fly Through The Lightning To Speak With The Sun
02. Incantation To The Ancestors
03. Arena
04. Cumbacutiri
05. Libation At The Gate Of No Return
06. Jaia
07. Manicero
08. Pranto Do Banzo
09. Escape To The Palenque
10. El Apamate
11. El Negrero (The Slave Ship)
12. Gaita Psychedelica
13. Myths And Proverbs
14. Clavelito Colorado
15. Eboka Ritual
16. Tamunangue Blues
17. The Griot's Blessing
18. Pescador Saharawi
19. La Familia
20. Speak To The Spirit Of The Sea

jueves, 13 de agosto de 2020

agosto 13, 2020

Didier Malherbe - Fluvius - Francia

En 1994 Didier lanza su cuarto disco en solitario Fluvius, con cada álbum en solitario, Didier sorprende al oyente con instrumentos recién descubiertos y dominando los sonidos, por lo que cada grabacion es única por sí misma, llena de un entusiasmo fresco y espíritu de aventura.

Este album completa la serie de los cuatro elementos: Bloom-tierra, Fetish-fuego, Zeff-aire, Fluvius-agua.

Didier Malherbe : Flute alto, piccolo, bamboo, saxophone sopranino, soprano, alto, tenor, clarinette alto, tenor
Henri Agnel : Oud, sarod, flamenco guitar, rebec, treated piano, rings, t'bel
Loy Ehrlich : Hajouj, bolong, kora, pianos, V.F.X., ASR10, percussions
Shyamal Maïtra : Tablas, darbouka, ghatam, various percussions

1    La Source           
2    Petit Torent Deviendras Grand           
3    Pyxie Java           
4    La Bougeotte           
5    Broken Waves II           
6    Trashville           
7    Serpent D'Etoiles           
8    Au Moulin D'Ande           
9    Guadalquivir           
10    La mouette           
11    Blues de L'Horizon           
12    Retour aux Sources 

miércoles, 17 de junio de 2020

junio 17, 2020

Jalan Jalan - Bali Dua

Jalan Jalan significa "caminar" en Indonesia. Jalan significa camino, y duplicarlo, se convierte en un verbo. Al caminar por la isla de Bali, te darás cuenta de cómo esta isla está ricamente cubierta de sonidos. Al caminar por los caminos rurales y la carretera que conduce a la playa, se escuchará el sonido de la isla. Asi como la fragancia de las flores en el aire.

El proyecto japonés llamado Jalan Jalan vuelve con el sonido ambiental de gamelan balinés.
Al igual que en su anterior album en  Bali Dua siguen utilizando samples de gamelan balinés, junto con metalófonos y gongs, melodías a cámara lenta contra remolinos de sintetizadores que se mueven como nubes, melodías en espiral con estribillos que apuntan hacia el infinito.

Yasufumi Yamashita, el compositor principal de Jalan Jalan, ha añadido una exuberancia especial en todos los temas, utiliza campanillas de madera para acentuar el terreno en algunas piezas, mientras que en otras son los cantantes tradicionales balineses.

01 Kaja
02 Sekar [Spirit of Plants]
03 Step
04 Wari
05 Hug with the Wind
06 Bulan
07 Barong Forest
08 Horizon 

viernes, 1 de mayo de 2020

mayo 01, 2020

Michalis Nikoloudis - Aeolia 2 - 2008

Trece años después de Aeolia, con éxitos como 1922 From Asia to Europe (1999), Déjà Vu (2001), Terra Musica (2002), y Women (2006), Michalis Nikoloudis lanza Aeolia 2. De nuevo, los sonidos y aromas del Mediterráneo con la participación del gran percusionista Hossam Ramzy, las impresionantes voces de la tunecina Lamia Bedioui y las griegas Sophia Tserou y Tanya Nikoloudi.

Tracks list:
01. The Libyan Sea
02. Selena
03. Captain Niko´s Dance
04. Mesakti´s Blues
05. Moon Maid
06. August Breeze
07. The Tree Parade
08. Myrina
09. Midland
10. Kanikia


miércoles, 29 de abril de 2020

abril 29, 2020

Michalis Nikoloudis - Aeolia - 1995

El griego Michalis Nikoloudis es un virtuoso del laúd barroco y de la mandolina, conocido por participar en grabaciones y conciertos con las y los mejores compositores y cantantes de Grecia y del extranjero, cuya música se inspira en los sonidos y aromas del Mediterráneo.

Aeolia (la isla de Aeolus, el dios del viento) fue su primer álbum, editado en 1995, una colección de trece temas basados en la música tradicional griega, tanto con influencias de la música de Creta como de la música de otros territorios de Grecia como Ipeiros y Macedonia.

El disco cuenta con la voz del cantante e intérprete de la lyra cretense Vasilis Skoulas, la cantante griega Sophia Tserou y el gran Omar Faruk Tekbilek. Como el mismo Nikoloudis señala, "Aiolia nace en Grecia, es el cruce de caminos donde los vientos soplan todo el tiempo y la luz y los sonidos griegos son creados".

Tracks list:
01. Armenistis
02. Twilight dawn
03. The land
04. Volissos
05. Melina
06. Laskada
07. Tsalmiko
08. The sungod
09. Aretousa
10. Before my eyes
11. Improvisation
12. Amatory
13. Flying

lunes, 27 de abril de 2020

abril 27, 2020

Jai Uttal - Footprints - 1990

Uttal creció en la ciudad de Nueva York y vivió en un hogar lleno de música: "Comenzó a estudiar piano clásico a la edad de siete años, y más tarde aprendió a tocar el banjo, la armónica y la guitarra. A la edad de 17, Uttal escuchó música de la India por primera vez, lo que, dijo fué que le tocó el corazón como sonidos familiares." A los 19 años, Uttal se mudó a California y estudió bajo el famoso musico de Sarod, Ali Akbar Khan. Más tarde comenzó "peregrinajes regulares a la India, viviendo entre los baul, los errantes músicos callejeros de Bengala, y cantando con los gerifaltes kirtan en el templo de su gurú, el santo muy venerado , Neem Karoli Baba". Uttal pasó tiempo con muchos seres, aprendiendo tanto las tradiciones hindúes como las budistas. Llegó a estar profundamente absorto en la práctica de kirtan, la antigua yoga del cantar, o cantando a Dios. Esta forma de oración se convirtió en el núcleo de la vida musical y espiritual de Uttal.

La música de Uttal es muy popular en la comunidad de yoga, que la describe como "hipnótica." Un crítico dijo: "Él hace un gran trabajo al explicar el propósito de cantar y kirtan."  "La práctica de llamar a la divinidad crea un puente entre el individuo y lo eterno, abriendo el corazón y dar la bienvenida al espíritu. "Uttal dice:" Estos antiguos cantos contienen un poder transformador y la energía curativa. Al cantar estas oraciones nos unimos a una corriente de conciencia y de devoción que ha estado fluyendo durante siglos. "Uttal dice," La música que crea puentes es Música que une los corazones y las culturas. La música que trae la paz".Uttal ha llevado kirtans de todo el mundo durante más de 30 años. En una biografía se dice, "Jai Uttal ha cultivado una voz y estilos musicales que lleva al oyente al corazón de la devoción, la oración y la curación, y para un recuerdo de éxtasis de lo divino.

The debut album by Jai Uttal, featuring the soulful trumpet playing of Don Cherry, this album combines acoustic and sampled sounds from India, Turkey, Africa and the Middle East.

Jai Uttal, a sacred music composer, recording artist, multi-instrumentalist, and ecstatic vocalist, combines influences from India with influences from rock, folk, hip-hop and jazz creating a stimulating and exotic multi-cultural fusion that is truly world spirit music.

1 Footprints
2 Caravan
3 Andobar Island
4 Raghupati
5 Madzoub
6 Pahari
7 Snowview
8 Taking The Dust
9 Raghupati II
10 Bus Has Come 
 

Fuente: wikipedia