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jueves, 13 de agosto de 2026

agosto 13, 2026

Armenian Navy Band & Arto Tunçboyaciyan - How Much is Yours? - 2006


Cuarto disco de esta insólita big band de "folk de vanguardia" integrada por doce músicos armenios y liderada por el vocalista y multiinstrumentista Arto Tunçboyaciyan, autor de los catorce temas que contiene How Much is Yours?, con el que ganaron el premio de Audiencia de los "BBC Radio 3 Awards for World Music" en 2006. Una música que escapa a cualquier clasificación al uso y que refleja de forma elocuente su talento y su libertad de espíritu, a través de una variopinta mezcla de jazz moderno y sonidos tradicionales.
 The Armenian Navy Band fue fundada por el percusionista y vocalista de descendencia Armenia, Arto Tunçboyaciyan. La música es un elemento fundamental de su vida, a través de la cual comunica sus grandes valores: "amor, respeto y verdad".

El grupo esta compuesto por 12 artistas de Armenia, y las composiciones son todas originales de Arto Tunçboyaciyan que, según sus palabras, "tienen el sonido de mi vida". Su música esta impregnada por sonoridades tomadas de la tradición y de la actual cultura de Armenia y de Anatolia fundida con elementos que vienen de diversas experiencias musicales como el jazz, entre otras. Las composiciones originales de Arto expresan el sonido de las generaciones pasadas junto con la vida de hoy: esto es lo que él llama "avantgarde folk". Podemos decir que la Armenian Navy Band representa la síntesis del viaje musical de Arto.

Los instrumentos que toca la banda van desde los tradicionales (duduk, zurna, kemanché, kanun) a los contemporáneos (trombon, saxo alto, saxo tenor, saxo soprano, trompeta, bajo, batería, teclado y piano). El grupo, junto con la personal voz, percusión y bular de Arto, crea un viaje musical del pasado al presente, llevando el sonido hacia el futuro.

Tracks list:
01. Let Factories Open (Que se abran fábricas)
02. Let' Not Become A Copy From A Copy (No seamos copias de copias)
03. Let's Try A New Road (Probemos un nuevo rumbo)
04. I Dont Forget My Faith (No olvido mi fé)
05. Here's To You Ararat (Dedicado a ti, Ararat)
06. My Door Is Open For Everybody (Mi puerta está abierta a todos)
07. Broken Waltz (Vals roto)
08. Red Bird (Pájaro rojo)
09. Kef Kef (Celebration)
10. Kitchen Song (Canción de la cocina)
11. Every Person Is One Life (Cada persona es una vida)
12. Oleyaman
13. Look At Your Forehead (Mira tu frente)
14. For The Souls Of Those Who Passe (A las almas de los fallecidos)
 

miércoles, 1 de julio de 2026

julio 01, 2026

Tinariwen - Tassili - 2011

El mítico grupo Tinariwen vuelve a la escena musical de sus orígenes, el desierto, con Tassili, un álbum que recoge el sonido africano en primera persona, bajo las influencias del blues y el folk norteamericano, mostrando las raíces musicales del África Occidental. La humildad, el respeto, la tranquilidad del desierto, la calma espiritual se entrelazan en uno de los mejores trabajos de 2011, ganador del Grammy 2012 "Best World Music Album".

Tinariwen surgió en 1982, con las rebeliones tuaregs de finales de los 70 que luchaban por mayores derechos y reconocimiento frente al ejercito maliense. El grupo forjó su hipnótico estilo en el exilio argelino y libio entre la música tradicional, el pop norteafricano (chaabi, raï) y distintas variantes del rock occidental, inventando matices nuevos para la guitarra eléctrica.
Firmada la paz entre su pueblo y el gobierno de Mali, Tinariwen se convirtieron en embajadores musicales de la cultura tuareg, debutando en la grabación en los primeros años 90 con su The Radio Tisdas Sessions, saltando a la escena internacional, que comienza a apreciar en lo que vale el assouf, ese estilo tan peculiar que aúna blues, rock, reggae y la música folk de los hombres azules del desierto. Su música trataba temas como despertar político, problemas de exilio, represión de su pueblo, y soberanía.

La publicación posterior de álbumes como Amassakoul (2004), Aman Iman (2007) e Imidiwan (2009) acrecentaron su fama y hoy los miembros de Tinariwen son aclamados por sus riffs de guitarra y reciben elogios de gente como U2, Brian Eno o Tom Waits.

Ahora, con su último álbum, Tassili (2011), Tinariwen vuelve a sus orígenes con canciones que transmiten fuertes dosis emocionales en una dimensión más cercana al folk que al blues-rock que los ha hecho célebres. Grabado en el desierto de Tassili N'Ajjer (Argelia) durante tres semanas de invierno, el álbum representa un legado cultural inigualable. Para ello, han invitado al guitarrista Nels Cline (de Wilco), y al multinstrumentista Kyp Malone y a Tunde Adebimpe, del grupo indie-rock TV On The Radio, que inyectan soul a "Tenere Taquim Tossam" y sutiles armonías vocales que se deslizan en varias canciones. Por su parte, Nels Cline da un tono "frippertrónico" a "Imidiwan Win Sahara". Cuentan, también, con la colaboración de The Dirty Dozen Brass Band, que contribuyen con sus metales a hermanar la desértica desolación de "Ya Messinagh" con el espíritu jazz de la mítica Nueva Orleans.

Alguno de los mejores momentos del disco surgen cuando Tinariwen vuelve a sus típicos cantos tuaregs ribeteados por acordes que parecen inspirados por el blues, como es el caso de "Tilliaden Osamnat". Y para nada son desdeñables los momentos finales, cuando su líder Ibrahim Ag Alhabib se convierte en espartano "folksinger" en "Iswegh Attay", ayudado por Kyp Malone, mientras que Abdallah Ag Alhousseyni hace lo propio en en "Takest Tamidaret", temas a los que solo les falta que se escuche el crepitar del fuego bajo el cielo estrellado.

Tracks list:
01. Imidiwan Ma Tenam
02. Assuf D Alwa
03. Tenere Taqhim Tossam
04. Ya Messinagh
05. Walla Illa
06. Tameyawt
07. Imidiwan Win Sahara
08. Tamiditin Tan Ufrawan
09. Tilliden Osamnat
10. Djeredjere
11. Iswegh Attay
12. Takest Tamidaret

bonus tracks:
01. Djegh Ishilan
02. El Huria Telitwar
03. Kud Edazamin
04. Nak Ezzaragh Tinariwen

 


sábado, 20 de junio de 2026

junio 20, 2026

Arto Tunçboyaciyan - Love Is Not in Your Mind - 2005

El magnífico multiinstrumentista y vocalista de origen armenio Arto Tunçboyaciyan, creador de la avant-garde folk music (el sonido de generaciones pasadas fusionado con la vida actual), interpreta en colaboración con el deslumbrante pianista de su Armenian Navy Band, Vagahn Hayrapetyan, composiciones propias en las que refleja su amor por la familia y estrena un instrumento nuevo de invención propia, el bular.
Arto Tunçboyaciyan, turco de descendencia armenia de raíces de Anatolia, comenzó su carrera musical muy joven, interpretando y grabando música tradicional con su hermano Onno Ohannes, una de las grandes influencias en su música y en su vida. Con 24 años se traslada a Estados Unidos para explorar nuevas posibilidades creativas y dimensiones a su visión de vida lanzando, en 1985, dos álbumes en solitario: Virginland y Main Root. Colabora con artistas de la talla de Chet Baker y Elefthería Arvanitáki y, por entonces, comienza una destacada cooperación con el músico de laud armenio Ara Dinkjian, con el que graba Tears of Dignity y Onno para el sello griego Libra Music, álbumes en los que la música, según el propio Arto, "tienen el sonido de mi vida". Onno es un homenaje a su hermano, fallecido inesperadamente, cuyas composiciones son un recuerdo de su hermano de antes y de después de desaparecer.

Con Ara Dinkjian también fundó el grupo Night Ark y grabaron los álbumes Picture, Moments, Wonderland y Petals On Your Path (lanzado en Febrero de 2000 por Universal Music). En 1998 participó en el proyecto italiano Triboh, concebido y codirigido con la vocalista Maria Pia De Vito y la pianista Rita Marcotulli, grabando el CD para el sello italiano Polosud.

Con el propósito de hacer sus "sonidos del mundo" audibles de la forma que deseaba, Arto inicia un viaje por Armenia, encontrándose en Yerevan con artistas de Armenia con diferentes experiencias musicales. Funda, en 1998, su nuevo grupo The Armenian Navy Band, una pequeña orquesta con raíces en la música tradicional de Armenia y Anatolia con inspiración y sonidos de hoy.

Love Is Not In Your Mind (2005, editado en España por Resistencia) es un trabajo anterior a su estupenda banda sonora para la película Le Voyage en Arménie, en el que Arto también hace un homenaje, en este caso a su madre, haciendo del disco una completa declaración de amor hacia ella. Junto al pianista Vagahn Hayrapetyan, desarrolla un trabajo donde se denota su afianzado conocimiento de la música tradicional armenia matizado con delicados sonidos electrónicos e influencias del blues y del jazz. Un disco lleno de percusiones con marcado sabor étnico y la voz de Arto que imprimen un precioso halo de misticismo, colocando en su libreto (al igual que hace en todos sus discos) tres palabras: amor, respeto y verdad. Y confianza. Mensajes que trata de lanzar en toda su música, reivindicando su origen armenio, porque como el mismo dice "son cosas que no están demasiado presentes en nuestras vidas".

Tracks list:
01. Don´t fight against nature
02. April 24
03. How can I say goodbye to you?
04. Jangire Jungurna
05. Dancing with the devil
06. Street walk
07. New flower
08. Other side of the river
09. One moment of silence
10. Black water
11. Love is not on your mind
12. Welcome Boo Boo

 

jueves, 4 de junio de 2026

junio 04, 2026

101 Strings Orchestra Shine On Harvest Moon - Songs of America - 2018

 


01. Shine on harvest moon

02. Round her neck she wore a yellow ribbon

03. Red river valley

04. Cornbelt Medley

05. Medley: Old dan tucker

06. On the sunny side of the street

07. On the sunny side of the street

08. A shanty in old shanty town

09. Faye's Folly

10. Bury me not on the lone prairie

11. A cowpoke's dream

12. Oh, Susanna

13. Medley: Red rover valley

14. My old kentucky home

15. Home on the range

16. Gay nineties medley

17. Down by the old mill stream

18. Hats off for your flag

19. Jeanie with the light brown hair

20. Old folks at home

21. Steamboat round the bend

22. Tribute to foster

23. Old black Joe

24. Carry me back to old virginny

25. Oh, dem golden slippers

26. Frankie and Johnny

27. Battle hymn of the republic

28. Let's take an old fashioned walk

29. What do the simple folk do? 

30. Oh happy day

31. Painted Desert

32. Indian Summer

33. Roses from the south

34. The yankee doodle boy

35. Let me call you sweetheart

36. Grive my regards to broadway

37. Always in my heart

38. O dear what can the matter be

39. Streets of Laredo

40. Aura Lee

41. Abide with me

42. Greensleeves

43. Clair de lune

44. You're a grand old flag

45. Annie Laurie

46. When the saints go marching in

47. Smokey Mesa

48. Beautiful Dreamer

49. Girl on the boulevard

50. Medley: The streets of New York


miércoles, 28 de enero de 2026

enero 28, 2026

Kate Price - Deep Heart's Core - EUA - 1995

 


Kate Price is a hammered dulcimer player and vocalist born in Salt Lake City, Utah. She has made recordings on several labels, including Priceless Productions, Access Music, Higher Octave / Om Town, Narada Productions, and LunaVerse Music. She creates contemporary international Folk fusion of Classical, Jazz and ethnic music using instruments from many cultures in the world.  Fuente

Deep heart's core

This recording allowed Kate a fuller expression of her fire. With compositions that navigated between the Balkans, the British lsles, and Latin flavors, this recording is a passionate, playful and intimate portrait of Kate’s internal world. Co-Produced by Teja Bell, Deep Hearts Core exploded into the music scene and garnished international acclaim and distribution in 28 countries. It was from Deep Hearts Core that CBS chose a track to score a 1998 Olympic coverage documentary in Nagana, Japan. 


Performers

Kate Price – hummell, vocals, hammer dulcimer, piano, djembe

Teja Bell – bass, sitar, electric autoharp, classical guitar, synthesizer, fretless bass, 12 string guitar, keyboards

Ian Dogole – udu, dumbek, conga, kashishi

Charl Ann Gastineau – violin, viola

David West – steel string guitar

Doug Harman – cello

Ethan James – hurdy gurdy

Paul McCandless – wooden & penny whistles, oboe, English horn, selje flute

Dierdre McCarthy – tabla saidi, finger symbals, percussion, bodhran

Mark Jeffrey – percussion

Kim Atkinson – additional percussion

Patrick Swyney –cittern


Tracks

01. Labyrinth

02. Rio del corazón

03. Sonatina Montenegro

04. Place of spirit

05. Rest sweet nymphs

06. The journey on

07. Temple of the wind

08. Siu'il a ru'in

09. Eliz iza - Jump at the sun

10. So ghostly then the girl came in


martes, 16 de diciembre de 2025

diciembre 16, 2025

Garmarna - Guds Speleman - 1996

Guds Speleman es el segundo álbum de Garmarna, lanzado en el año 1996. Todas las canciones excepto "Njaalkeme" (cantada en el dialecto Sami) se cantan en sueco, el álbum les valió un Grammy en Suecia como mejor álbum folk de 1996.

El debut del grupo Garmarna fue casi completamente instrumental, mientras que en éste incluye sólo una pista instrumental, y es también la canción más corta en el álbum. Emma Härdelin tiene una voz que no parece tener gran alcance, pero hay una calidez en ella que a veces falta en la música de Escandinavia.

La banda ha ampliado su instrumentación un poco con la adición del arpa judía, la darbuka y el djembe.

La mayoría de las canciones son tradicionales del folclore sueco, también han incluido un par de piezas más modernas "Njaalkeme" se deriva de un poema escrito por la actriz sueca Cecilia Persson y cantado en saami, un dialecto casi extinta de la zona del Mar de Barents en el norte de Escandinavia. Y la canción que da título proviene de una obra del poeta sueco Nils Ferlin.

- Gotte Ringqvist / luteguitar, viola, backing vocals
- Emma Härdelin / vocals
- Rickard Westman / guitars, e-bow & jew's-harp
- Stefan Brisland-Ferner / hurdy-gurdy, violin, viola, jew's-harp, samples, backing vocals
- Jens Höglin / drums, darbuka & djembe

Guest artists:
- Sank / programming & bass
- Bjorn Eriksson / bass
- Pal Torbjorn Doj / voice

1. Vänner Och Fränder / Friends and Kin (5:11)
2. Sir Mannelig (6:22)
3. Halling from Macedonia (2:45)
4. Min Man / My Husband (4:20)
5. Varulven / Werewolf (4:33)
6. Hilla Lilla (6:19)
7. Drew Drusnaar / Idag som Igår (2:46)
8. Njaalkeme / Hunger (5:05)
9. Sir Holger (4:38)
10. Guds Spelemän / The Fiddlers of God (3:27)
 


viernes, 26 de septiembre de 2025

septiembre 26, 2025

Madeleine Peyroux - The Blue Room - 2013

Cincuenta años después de la edición de Modern Sounds In Country And Western Music (uno de los álbumes clave en la historia de la música norteamericana), Madeleine Peyroux lo vuelve a hacer actualidad al seleccionar parte del repertorio de este disco para ser incluido en su nuevo trabajo titulado The Blue Room, adaptándolo a su estilo y poniendo de manifiesto que a la hora de mezclar estilos como el folk y country, con jazz y soul, ella lo sabe hacer como pocas.
 Modern Sounds In Country And Western Music fue grabado en los Capitol Studios de Nueva York el año 1962 por Ray Charles, reconvirtiendo al soul y R&B algunas de las canciones más representativas del country y folk blanco norteamericano. Un encuentro sonoro que se producía además en los años más conflictivos de la lucha por los derechos civiles de la población afroamericana. Trasfondo político aparte, el disco está considerado en la actualidad como uno de los álbumes destacados de la música de todos los tiempos.

Por otro lado, "The Blue Room" es un bar de copas situado en Burbank (California), famoso por sus cocktails y un jukebox que hace las delicias de quienes son habituales del lugar y que gustan de un ambiente absolutamente informal. El edificio, que parece más un hangar que otra cosa, constituye el otro motivo en el que Madeleine Payroux basa la argumentación de su nuevo disco. Producido de forma exquisita por Larry Klein, The Blue Room posee toda la calidad, intensidad y atmósfera con la que ella interpreta de manera natural, fresca y sin condicionantes técnicos. Cada disco de Madeleine, y este no es una excepción, está grabado como si se hiciese de una sola toma, sin perder en absoluto empaque y solidez.
Cinco canciones pertenecen a aquel extraordinario disco de Ray Charles: "Take These Chains From My Hearts" (del segundo volumen), continuando por "Bye Bye Love" (aquella canción inmortalizada por The Everly Brothers, también interpretada por Ray Charles) y terminando el repertorio de "the genius" con "I Can't Stop Loving You", "Born To Lose" y "You Don't Know Me". Posteriormente, The Blue Room completa su repertorio con una versión sublime de "Bird On A Wire" (Leonard Cohen) y otras canciones de autores que han escrito páginas de oro dentro de la música americana. "Guilty" (Randy Newman), "Changing All Those Changes" (Buddy Holly), "Gentle On My Mind" (John Hartford) y "Desperadoes Under The Eaves" (Warren Zevon). Canciones clave todas ellas en su formación como cantante, en palabras de la propia artista.

El resultado es un disco que, pese a su origen relativamente ecléctico, consigue una consistente homogeneidad gracias al tratamiento que la cantante estadounidense hace de las diferentes canciones, llevándolas a su terreno y haciéndolas suyas. De esta forma, el jazz se da la mano con el blues, el country, el soul, el pop-rock y la música de raíz norteamericana, con suntuosos arreglos de cuerda. Una preciosidad.

Tracks list:
01. Take These Chains From My Heart
02. Bye Bye Love
03. Changing All Those Changes
04. Born To Lose
05. Guilty
06. Bird On The Wire
07. I Can't Stop Loving You
08. Gentle On My Mind
09. You Don't Know Me
10. Desperadoes Under The Eaves
11. I Love You So Much It Hurts (bonus track)
 


Página web oficial: Madeleine Peyroux

miércoles, 10 de septiembre de 2025

septiembre 10, 2025

Kepa Junkera & Sorginak - Maletak - Euskadi - 2016

 

Las maletas viajeras de Kepa Junkera regresan cargadas de folk en Maletak (Fol Música), su segundo disco compartido junto al joven grupo femenino Sorginak, un trabajo que sale hoy a la venta y en cuyo título alude a las fundas de sus trikitixas. “Es un disco más abierto y arriesgado”, explicó ayer Junkera, que grabó el álbum en casa impulsado por “las experiencias compartidas” junto a Xabier Solano, Eliseo Parra y Andoni Egaña, entre un centenar de colaboradores. “Es uno de mis lugares preferidos del Casco Viejo de Bilbao”, confesaba Junkera a DEIA. Se refería al Museo Arqueológico, Etnográfico e Histórico de Bilbao, donde ayer presentó Maletak, de negro, enfrentado al blanco prístino de la vestimenta del grupo Sorginak y junto a una instalación que reflejaba las fundas de sus trikis en una suerte de equilibrio inestable. Como no podía ser de otra forma, la trikitixa está en el origen del nuevo disco, pero “no las maletas de la ropa o de un viaje estándar sino las de los instrumentos”, indicó el músico. El de Rekalde reconoció que colecciona las fundas de sus trikis desde que empezó a tocar. “La triki es siempre protagonista y muchas veces me he olvidado de aquello que la rodea y complementa, la protege y guarda”, explicó. “A los músicos nos gusta tener varios instrumentos y algunos de ellos son antiguos. Van pasando de mano en mano y nos cuentan muchas historias”, apostilló. Tras contar con el concepto y el título, a raíz de una exposición que ofreció en Azkuna Zentroa, Junkera inició la composición de los 17 temas del disco, que se grabaron en su propia casa. “Aprendí a grabar todos los instrumentos de forma artesanal y el proceso resultó muy natural. Resulta sorprendente lo mágica que es la música porque cada parte o idea me llevaba a otra y otra más después”, indicó Kepa, que ha vuelto a contar con “el joven talento” del grupo femenino Sorginak en este disco. Tras la colaboración en el disco anterior, Trikitixaren historia txiki bat, “un disco más cerrado y centrado en el folk euskaldun, en las voces, las panderetas y las trikis”, en esta segunda colaboración se ha abierto el abanico estilístico y sonoro. El álbum se dirige hacia el horizonte a través de dos vías: una más experimental y con armonías más complicadas, con varias trikis dobladas y cierto aroma a riesgo; y otra más dinámica, fresca y festiva, ligada a la participación de Sorginak y al mundo del folk tradicional. abanico de colores y personas “Ha sido una gozada contar con tal abanico de colores y personas” en el disco, explicó Junkera, en alusión a Sorginak, “un proyecto pedagógico y formativo en el que ambos nos enseñamos y crecemos artísticamente”, y al resto de colaboradores de Maletak. En el CD aparecen músicos de Galicia, Aragón, Catalunya, Euskadi, Castilla y León…. Esta suerte de “viaje poético y musical” ofrece las colaboraciones musicales de Daniel Do Pando, Ibon Koteron, Oreka TX, José Luis Montón, Josete Ordóñez, Antonio Serrano, Diego Galaz, Germán Díaz y Pedro Lamas, mientras que las letras están firmadas por bertsolaris y escritores como Andoni Egaña, Jon Maia, Mikel Sarriegi y Xabier Sarasola Y aparecen también las voces de Ion Elustondo, Beloki, Imanol Urkizu, Xabi Solano, Eliseo Parra, Amadeu Rosell, Guillem Ballaz, Beatriz Bernard, Rocío Sapiña, Lourdes Escusol, Xabier Díaz… La mayoría de ellas en el último corte del disco. “Alude a las maletas llenas de experiencias compartidas con más de cien amigos que cantan en euskera, castellano, gallego y catalán. 

Es un encuentro a partir de la pandereta, un instrumento muy desarrollado en la península”, aclaró. Maletak, que está ya a la venta en un cuidado formato de disco-libro, presenta a sus autores con una estética animal, con cabezas de león, lobo, bisonte, tigre… “Me libera un poco esta imagen surrealista. Es un juego de imágenes muy visual y creativo que carece de una explicación clara. Es algo muy plástico”, concluyó ayer el músico de Rekalde.


1. Ama 

2. Drakian 

3. Arrano Fandangoa 

4. Marea Zumaian 

5. Mikeldi 

6. Errauts Bihotza 

7. Errekarriak 

8. Amilotxa 

9. Trikua 

10. Txipiritona 

11. Sukarrieta

12. Animalizkoak 

13. Gernika 

14. Sandinderi 

15. Pottokak 

16. Mallokuko Sua 

 17. Maletak




sábado, 12 de abril de 2025

abril 12, 2025

Sílvia Pérez Cruz - 11 de novembre - 2012

El primer disco en solitario de Sílvia Pérez Cruz, 11 de novembre, no es un disco de flamenco, ni de folk ni de jazz, aunque se alimenta de estas y otras músicas para construir algo único, repleto de emoción y cariño por cada una de sus canciones. Bellísimo.
 Tras destacar al frente del grupo femenino Las Migas, con las que trabajó durante más de seis años y publicó el aclamado debut Reinas del matute (2010), abandonó el grupo hace tres años para dedicarse a la composición, producción y grabación de este primer disco en solitario. Por entonces ya se había aventurado en un amplio número de proyectos musicales, desarrollando de manera paralela trabajos diversos y sorprendentes, proyectos siempre con buena receptividad del público y aclamada por la crítica especializada de manera unánime. Tal vez el proyecto musical más poderoso lo ha firmado junto a Javier Colina Trío, En la imaginación (2011), donde hacían una revisión de clásicos de la música cubana arropada por Marc Miralta a la batería y Albert Sanz al piano.

Pese a que Pérez Cruz llevaba tiempo escribiendo sus propias canciones, tuvo que llegar un hecho dramático a su vida para hacerle ver que tenía que emprender su camino de inmediato. Su padre Càstor Pérez, un conocido recuperador de la habanera, falleció con tan solo 54 años por un infarto de corazón, un día antes del 11 de noviembre de 2010, día de su cumpleaños. A él, que la introdujo desde pequeña en la música, descubrió su portentosa voz y la animó a labrarse una carrera, dedica Sílvia este álbum, señalando su fecha de nacimiento como el momento en que decidió que no debía esperar ni un segundo para culminar este proyecto.


Compuesto y arreglado enteramente por la misma Sílvia –incluidos los arreglos de viento y cuerda y los vocales– y coproducido por ella junto con Raül Fernandez Refree, en él toca la guitarra, el piano, el clarinete y el saxo. En este álbum no solo deslumbra más que nunca con su voz sino que se muestra como una imaginativa compositora y arreglista, capaz de difuminar los límites que tradicionalmente enmarcan géneros tan dispares como el jazz, la cançó catalana, el flamenco, el fado o la música brasileña, mezclando incluso las diferentes lenguas que los caracterizan (català, castellano, galego y portugués).

En catalán adapta poemas de Feliu Formosa, Maria Cabrera y Maria-Mercè Marçal. En castellano borda "Iglesias" –con cita al "Moon River" de Henry Mancini–, "Días de paso" y "Memoria de pez". En portugués canta "Não sei" y "O meu amor é Glòria", samba dedicada a su abuela, su madre y su hermana –las tres se llaman Glòria, y las dos últimas cantan en "Folegandros"–. En gallego entona junto a sus tíos "Meu meniño", que se reparte el ecuador del disco con otra nana, "Nonnon", ésta instrumental.
Un disco hermoso, fascinante y necesario.


Tracks list:
01. Lietzenburgerstrasse 1976
02. Pare Meu
03. Iglesias
04. Não Sei
05. Días De Paso
06. Covava L'ou de la Mort Blanca
07. Meu Meniño
08. Nonnon
09. Memoria De Pez
10. Dilúvio Universal
11. O Meu Amor é Glòria
12. Folegandros
13. 11 de Novembre


 

 


Página web oficial: Sílvia Pérez Cruz

martes, 13 de febrero de 2024

febrero 13, 2024

Exuma - 1970

 
The debut record from righteous Afro-Bahamian songwriter Macfarlane Gregory Anthony Mackey, aka Exuma. 

His earliest work is an unreal melange of heavy folk dirges, pounding junkanoo ruckus, and the groaning incantations of mythically just, voudoun enlivened cataclysms of spiritual and material oppressions in our brave new world. 

Proper chant down Babylon vibes. Exuma's records have long been a staple of the countless hauntologically-minded and/or whateverly freak-folked RSS electroducts we've been privy too for years, now. I know I've dropped him here, before. Hot on the heels of GC's recent Exuma II drop, here's a lossless/320 upgrade, ripped by yours truly with the help of my friend DJ Cuica, who kindly lent it my way to share the love of this astounding record. Huge thanks! Full scans included. Enjoy.

Side 1 

1. Exuma, The Obeah Man

2. Dambala

3. Mama Loi, Papa Loi



 Side 2 


1. Junkanoo

2. Seance In The Sixth Fret

3. You Don't Know What's Going On

4. The Vision



miércoles, 27 de diciembre de 2023

diciembre 27, 2023

Kronos Quartet - A Thousand Thoughts - 2014

Cuatro décadas después de iniciar su andadura, Kronos Quartet ha logrado romper las barreras entre la música popular y la clásica, explorando las tradiciones folk de todo el mundo. Su nuevo recopilatorio por su 40 aniversario, A Thousand Thoughts (2014), celebra esta victoria bien ganada al reunir una generosa ración de estas excursiones musicales trotamundos en un solo disco.
A Thousand Thoughts forma parte de esta celebración junto con la edición de un paquete retrospectivo (The Kronos Quartet Explorer Series) que incluye cinco de sus discos esenciales: Pieces of Africa (1992); Night Prayers (1994, música de Europa del Este y Asia Central); Caravan (2000, con el grupo romaní Taraf de Haïdouks), Nuevo (2002, música de compositores mexicanos) y Floodplain (2009, música de Oriente Medio).

Para la grabación de este disco, el director artístico de Kronos Quartet David Harrington ha invitado a tres cellistas que han grabado con el grupo a lo largo de su carrera: Joan Jeanrenaud (1978 - 1999), Jennifer Culp (1999–2005) y Jeffrey Zeigler (2005–2013).
Con canciones de catorce paises diferentes, vale la pena darse una vuelta por el álbum sólo por la espectacular lista de estrellas invitadas que el cuarteto, formado por David Harrington y John Sherba (violín), Hank Dutt (viola) y Sunny Yang (cello), ha llevado al estudio en los últimos años. Una de las grandes estrellas de la música bollywood, la exquisita Asha Bhosle, presta su asombrosa voz a una melodía compuesta por su marido, el legendario cantante y compositor Rahul Dev Burman (más conocido como Pancham), junto con el virtuoso de la pipa china Wu Man.

Las sorprendentes voces del Coro Femenino de la Radio y Televisión estatal Bulgara, también conocido como Le Mystère des Voix Bulgares, canta una pieza escrita por Kronos y el gran Terry Riley, compositor estadounidense asociado al minimalismo. El maestro argentino Astor Piazzolla toca el bandoneón en una grabación de un tango que compone expresamente para el cuarteto.

Pero tan impresionante como estos cameos estelares es el juego camaleónico del cuarteto, que logra fusionarse en músicas procedentes de paises como China, Afganistán, Vietnam y Siria, manteniendo el núcleo característico de su sonido: combinar un espíritu audaz de exploración con el compromiso de ampliar las sonoridades del cuarteto de cuerda.


01 Tusen Tankar
02 Dark Was the Night, Cold Was the Ground
03 La Sidounak Sayyada
04 Lưu Thủy Trường
05 Aha Gèdawo
06 An Buachaillín Bán
07 The Round Sun and Crescent Moon in the Sky
08 Eviç Taksim
09 Rangin Kaman (excerpt)
10 Smyrneiko Minore
11 Cry of a Lady
12 Sim Sholom
13 Mera Kuchh Saaman
14 Asleep from Five Tango Sensation
15 Danny Boy

   

sábado, 22 de octubre de 2022

octubre 22, 2022

Lila Downs - Balas y Chocolate - 2015

Lila Downs es, en la actualidad, uno de los estandartes de la cultura de México y Latinoamérica. Su búsqueda tiene que ver con el pasado prehispánico y, también, con la modernidad, mezclando su voz con el colorido del campo, el sabor a Oaxaca, la lucha social, los derechos de la mujer y la educación con ritmos como la cumbia, el folk, el jazz, el hip-hop y la música mexicana.
 Balas y Chocolate (2015) es su octavo disco individual, en el que lanza "una mirada profunda hacia el acontecer de la sociedad latinoamericana". Y es, como explica la propia Lila Downs, "una alusión a los tiempos agridulces que vivimos: por una parte, la violencia y por otra, los excesos y el placer representados por el cacao, manjar de los Dioses, fruto que permanece y simboliza nuestra fuerza como nación".

Musicalmente sigue uniendo géneros, jazz, cumbia, ranchera, klezmer, blues o folk mexicano. Una producción de trece temas que afianzan la tradición y la voz del pueblo mexicano -en temas como "Una cruz de madera", "La farsante" (a dueto con Juan Gabriel) o "Las casas de madera"- junto con otros temas que contribuyen a que despierte la conciencia social y humana como "Humito de copal" (dedicada a las y los periodistas desaparecidos en México) y "La patria madrina", con referencia a los 43 estudiantes desaparecidos en Ayotzinapa (cantada con Juanes) y la crítica social y mediática en "Mano negra". A destacar "La promesa" (con esa voz versátil y desgarradora de Lila), y el irónico "Son de difuntos", dedicado a su marido y productor Paul Cohen (que acababa de superar una grave enfermedad).

"La música de este álbum celebra a los muertos como es la tradición: se baila, se canta, se toma, se brinda con los difuntos. Se canta un bolero, unas norteñas, unas cumbias, hip hop y ska y como resultado tenemos un disco bailable, melancólico y alegre, así como es la costumbre de llorar y celebrar al mismo tiempo, porque los mexicanos tenemos la tradición de escribir versos sobre la muerte riéndonos y disfrutando…", añade. Un disco que mezcla temas festivos y oscuros, con mucho peso emocional y también denuncia, pero esperanzador y sanador.


Tracks list:
01. Humito de copal
02. Mano negra
03. Balas y Chocolate
04. Una cruz de madera
05. La farsante (a dueto con Juan Gabriel)
06. La burra
07. Cuando me tocas tú
08. La patria madrina (a dueto con Juanes)
09. Las casas de madera
10. La promesa
11. Son de difuntos
12. Dulce Veneno
13. Viene la muerte echando rasero

 


Página web oficial: Lila Downs

jueves, 15 de septiembre de 2022

septiembre 15, 2022

Niyaz - Nine Heavens - 2008

Nine Heavens (2008) es el segundo proyecto de Niyaz, que no sólo cruza las fronteras culturales y estilísticas sino la de siglos, creando sobre la base de poesía persa medieval y canciones populares persas de más de trescientos años una "World Music for the 21st Century".
 
 En este segundo álbum Niyaz desdobla el material compuesto, regalándonos un primer disco en estudio con 9 temas nuevos y un segundo disco con 8 de ellos en versión acústica. Poemas sufíes del folk tradicional turco, poemas de Amir Khosrau Dehlavi (poeta persa del siglo XIII fundador del qawwali, de gran tradición en India y Pakistán), poemas del gran místico del Islam Rumi y poemas persas del siglo XVIII se casan con unas bellísimas programaciones electrónicas, en un paso más en la búsqueda de Niyaz de lograr una coexistencia perfecta entre las raices árabes más tradicionales y la música occidental más moderna.

Tracks list:

Disc One - Nine Heavens
01. Beni Beni
02. Tamana
03. Feraghi - Song of Exile
04. Ishq - Love and the Veil
05. Allah Mazare
06. Iman
07. Molk-E-Divan
08. Hejran
09. Sadrang

Disc Two - Nine Heavens - The Acoustic Sessions
01. Allah Mazare (acoustic)
02. Beni Beni (acoustic)
03. Sadrang (acoustic)
04. Tamana (acoustic)
05. Feraghi - Song Of Exile (acoustic)
06. Hejran (acoustic)
07. Ishq - Love and the Veil (acoustic)
08. Molk-E-Divan (acoustic)

Sitio web oficial: Niyaz

domingo, 24 de abril de 2022

abril 24, 2022

Goran Bregović & Kayah - Kayah i Bregović - 1999

Kayah i Bregović es una de las más impresionantes colecciones de música que Goran Bregović ha realizado en su carrera. Con la exquisita cantante polaca Kayah, de personalidad arrebatadora y voz áspera y preciosa, realizan una exótica mezcla oriental con tintes de viejo folk polaco y sonidos bizantinos y yiddish, latiendo como un retrato de lo más original de la música polaca alternativa. Así, pues, no es de extrañar que esta versión sea uno de los álbumnes más vendidos de la historia de Polonia.

"To Nie Ptak" es un precioso desplieque de instrumentos de la tierra para lucimiento de la voz de Kayah, con precisos toques de balalaica e intervenciones de coros. "100 Lat Mlodej Parze" es una típica canción de feria zíngara; en "Bylam Różą" Kayah se acompaña de guitarras y de un magnífico coro, resultando una excepcional mezcla de tradición musulmana con católica.

"Prawy Do Lewego" es toda una fanfarria de instrumentos y música desplegada para que la fiesta no termine nunca, de compás incandescente y repetido magistralmente. "Tabakiera" tiene ritmo de tango, y "Ćaje Śukarije" (que se versiona en la banda sonora de "Underground") es un estupendo despliegue vocal de Kayah, acompañado de una voz infantil, en la que las notas largas no se le complican ni lo más mínimo. El disco se cierra con "Nie Ma Nie Ma Ciebie" (el maravilloso "Ederlezi" de "Tiempo de gitanos"), ritmos bosnios y romaníes, profusión de instrumentos de viento y percusiones al servicio de un genial tema de amor zíngaro. Un estupendo final de una fiesta que nunca se debería acabar. Un disco maravilloso que no debe perderse.

Tracks list:
01. Śpij Kochanie, Śpij (Sleep my dearest, sleep)
02. To Nie Ptak (Not a bird)
03. 100 Lat Mlodej Parze (Long live the bride and groom!)
04. Bylam Różą (A rose was I)
05. Trudno Kochac (Hard to love)
06. Prawy Do Lewego (From your right to your left)
07. Tabakiera (This tabakeria)
08. Ćaje Śukarije
09. Jeśli Bóg Istnieje (If there´s a god)
10. Nie Ma Nie Ma Ciebie (And you´re not, you´re not here)


P
ágina web oficial: Goran Bregović, Kayah

viernes, 3 de septiembre de 2021

septiembre 03, 2021

Frode Haltli - Avant Folk



The opening track of ‘Avant Folk’ is like a dream of what contemporary experimental folk-meets-jazz-meets-chamber-music might be. Composed by Frode Haltli, ‘Hug’ begins with a galumphing off-centre rhythm that could be an accompaniment to elephants waltzing before the wheezing bellows-breath of Haltli’s accordion creates delightfully airy whispers of noise that drift across the other instruments like wisps of cloud across the sky.

Then we get the entry of the theme, a compulsive Nordic ear-worm folk melody led by Hardanger fiddle and violin that’s half woozy sea-shanty and half universal pan-African groove, backed up by shuffle-beat drumming like Ed Blackwell with Ornette Coleman. As if that wasn’t enough for one tune already, the music continues to evolve, with a beautifully poised improvised solo on trumpet by Hildegunn Øiseth that sounds so perfect it should really win some kind of award on its own. The groove slows down, the elephant waltz returns to form a satisfyingly symmetrical conclusion and the music gradually resolves into silence, bringing to an end what has been seven and a half minutes of continuous invention. It’s quite a performance, and quite a band, the dectet of expert players covering enough instruments between them to simulate the tonal breadth of a full orchestra while retaining the humble, home-made aesthetic of a traditional folk ensemble, matching compositional sophistication and individual virtuosity with collective empathy and hard-won grace.

Elsewhere, as the album develops, the folk references expand to include echoes of west African desert blues, east European gypsy swing, Armenian double-reed laments and lugubrious Nordic village knees-ups on a range of material partly adapted from traditional hymn-tunes and songs from Norway and the Faroe islands to form a kind of north Atlantic gumbo. But ‘Avant Folk’ never feels like a slapdash fusion of different elements mashed together without regard for the integrity of the whole. Importantly, the band always sounds like a proper band, as fleet-footed as any improvisational jazz ensemble, and able to hurdle with ease the normal generic divides separating one type of music from another. By the time the listener reaches the end of the album’s final track, ’Neid’ – another Frode Haltli composition, like the opening ‘Hug’ – ‘Avant Folk’ has effectively created its own genre, a pleasingly congruent collection of stylistic traits that sounds like nothing so much as itself. All the music, whether composed by Frode Haltli or adapted from antique sources, is arranged jointly by Haltli and the band members.

So where did ‘Avant Folk’ come from and why does it sound so good? For a start, Frode Haltli (born 1975, Norway) is, like many of the ensemble’s star players, a classically-trained virtuoso who from an early age (he began the accordion at seven) has been well used to working between different forms of music, from traditional folk to the avant-garde, and to collaborating with players from all sorts of backgrounds. Haltli also composes, both on his own and with Maja S.K.Ratkje (his co-producer on ‘Avant Folk’, who is responsible for the album’s editing and mixing), and has developed very strong links with fellow musicians and composers both within Norway and internationally, once again working across the normal boundaries demarcating one musical form from another, recording the complete accordion works of Arne Nordheim, for example, but also appearing with the various groups of jazz saxophonist Trygve Seim. His debut recording for ECM, ‘Looking On Darkness’ was released in 2002, followed by ‘Passing Images’ from 2007, (with trumpeter Arve Henriksen, violist Garth Knox and Maja S.K. Ratkje on vocals), and ‘Air’ (2016), a recording of music for accordion and strings by Hans Abrahamsen and Bent Sorensen with the Arditti Quartet and the Trondheim Soloists. His debut release for Hubro, ‘Vagabonde Blu’ (2014), is a live solo recording featuring works by Salvatore Sciarrino, Aldo Clementi and Arne Nordheim. As if any further exemplars of Frode Haltli’s customary melding of the classical repertoire with folk, jazz and beyond were needed, we can also note his current duo with the Norwegian violinist Gjermund Larsen; The Snowflake Trio (with Irish flautist Nulala Kennedy and Norwegian fiddler Vegar Vardal); and a trio with another fiddler, Ragnhild Furebotten, and the Swedish nyckelharpist Emilia Amper.

The breadth of Frode Haltli’s interests is not unusual in Norwegian music and this is paralleled by a number of his collaborators on ‘Avant Folk’, many of whom – like the inspirational fiddler Erlend Apneseth (a regular Hubro artist in a number of settings) or the keyboardist Stale Storlokken (of Supersilent and Motorpsycho, among others) enjoy similarly wide-ranging careers that weave in and out of numerous musical styles and settings. But the last word on ‘Avant Folk’ has to be the music. The album ends on the suitably epic note of Haltli’s ‘Neid


1 Hug 07:22
2 Trio 04:22
3 Kingo 10:44
4 Gråtar'n 05:30
5 Neid 13:29

martes, 31 de agosto de 2021

agosto 31, 2021

DEM Ensemble - Erguvan - 2013

DEM Ensemble es la formación extendida de DEM Trio, un proyecto que, desde sus inicios, ha reivindicado los sonidos del bağlama y el tambur, instrumentos de referencia de la música folk de la península de Anatolia. En DEM Ensemble participan Murat Salim Tokaç (tambur y ney), Emre Erdal (kemençe ó kamanché clásico), Cenk Güray (divan saz y cura), Atilla Akıntürk (kanun) y Erdem Simsek (bağlama).

El segundo disco de la formación instrumental turca avanza en su viaje musical, el álbum está dedicado a la historia musical de Estambul como un interesante crisol cultural de los días del Imperio Bizantino, la herencia otomana y los diversos períodos de la república turca. En total han registrado una veintena de piezas de belleza sublime (grabadas entre 2008 y 2013 en Turín, Estambul y Ankara), melodías que se pierden en el tiempo, que abarcan el Egeo y toda la península de Anatolia (Esmirna, Rodas, Lesbos, Burdur…) y que se unifican como una representación de todas estas culturas regionales en la estructura cosmopolita de la capital.

DEM Ensemble ha elegido como título para este maravilloso disco a la flor rosa que simboliza a Estambul, Erguvan, que brota cada primavera por un breve período de tiempo, el símbolo de una ciudad en la que se han cruzado, mezclado y enfrentado diversas culturas. De esos encuentros y desencuentros surge la urbe actual, donde la tradición y las nuevas formas musicales son abrazadas como una sola. Música pensada, soñada y escenificada de forma magistral.


01. Hantuman Zeybeği
02. Ağır Al Yazma Zeybeği
03. Jandarma Zeybeği
04. Hüseyni Taksim
05. Eskişehir Zeybeği
06. Baylan Cemile
07. Nihavend Taksim
08. Kutsavakiko
09. Mazomenos
10. Koca Ümmet Zeybeği
11. Rodos
12. Kostak Ali Zeybeği
13. Kasnak Zeybeği
14. Eviç Taksim
15. Sabahın Seherinde Ötüyor Kuşlar
16. Karanlıkdere Zeybeği
17. Abdurrahman Halayı
18. Hüseyni Taksim
19. Tevekte Üzüm Kara
20. Hasapikos Politiko

lunes, 9 de agosto de 2021

agosto 09, 2021

Quempallou - Once Años Mallando

El grupo folk Quempallou celebra once años de fiesta en los escenarios con una recopilación con lo mejor de su discografía. Cinco cortes de cada uno de sus discos, que hacen que quien escuche estos Once años mallando (Zouma Records 2010), se pueda hacer una buena idea del espíritu y la evolución del grupo.

Fue allá por el año 99 del pasado siglo, cuando un grupo de mozos gallegos se juntaron para dar forma a un proyecto folk que se llamó Quempallou. Palabra sonora con una historia que contar y que incluso se transmutó en Galinglish de mano de sus seguidores al grito de: “let’s go, Quempallou!!”.

Una formación que tuvo que ir cambiando por circunstancias naturales, pero que siempre buscó un camino claro: el folk gallego sin complejos; alegre, con calidad y originalidad.

1. A Rabuda (3:53) 
2. Quempallou (4:00) 
3. Moreniña (3:55) 
4. Muiñeira do Incio (2:53) 
5. Quen teña viño (4:16) 
6. Xan (3:08) 
7. En que Terra me botaches (4:36) 
8. Os sucos... casiquecola (5:14) 
9. Xota da relúa (3:55) 
10. Rosiña... na Quinta (4:20) 
11. Que chova!! (4:03) 
12. Levados do mar (4:53) 
13. Muller miña (3:44) 
14. Coa lingua de fóra (3:18) 
15. Ninguén!! (Quempa-hop) (5:01)