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martes, 19 de mayo de 2026

mayo 19, 2026

The Rough Guide to Bhangra - 2010

Caracterizado por el enérgico ritmo de baile anglo-punjabi, Bhangra es el "hijo natural" de la generación británica de origen hindú. Percusión, sintetizadores y ácidas letras en punjabi, el género ha evolucionado hasta fusionar sus orígenes folklóricos con una amplia e ilimitada influencia musical moderna.

Esta nueva selección ha sido realizada por DJ Ritu, compiladora de las Rough Guides CD, veterana de WOMEX y WOMAD y especialista en música asiática. Cuenta la propia DJ Ritu que, cuando entrevistó a muchos de las y los pioneros del Bhangra para la BBC de Londres, quedo claro que para ellos Bhangra es un estilo de vida. Lo que inspiró a muchos y muchas artistas fue el deseo de re-crear música de su cultura Punjab, retener un sentido cultural y de herencia en el ambiente discriminatorio que reinaba en la Inglaterra de los años 60 y 70 del siglo XX.

Las canciones folklóricas que ya existían y que fueron pasando de generación en generación recibieron un toque occidental añadiéndoles sintetizador, guitarra eléctrica, violín y batería, combinados con instrumentos hindúes como tumbi, dhol, sarangi y tablas. Celebraciones matrimoniales y templos fueron los espacios que dieron plataforma para el inicio del Bhangra británico. Posteriormente, se desarrollo una dinámica industria en Londres y Birmingham, donde habitan las más grandes comunidades Punjabi, creando una cadena especializada de discográficas, distribuidoras y venta de Bhangra.

El Bhangra británico (Brit-Bhangra) ha sido exportado a nivel mundial, y su mezcla con reggae, house y R&B han llegado a monopolizar el mercado en el sur de Asia. Bhangra toma su nombre de la cosecha de cáñamo (bhang en Punyab), que crece en abundancia en Punjab, en el nororiente de India. A diferencia de su pariente cercano Bollywood (en el que son típicas las exuberantes cuerdas, ragas clásicas hindúes y canciones pop cantadas en lengua hindi), el Bhangra está dominado por la percusión, crudas letras en punjabi e instrumentos minimalistas como el tumbi de una cuerda. Este estilo musical se ha extendido a Europa y Norte América gracias a la migración punjabi. Inicialmente, la música se utilizaba como entretenimiento, pero después de los años 70 tomó otra dimensión como medio de expresión de las segundas generaciones de gente asiática que luchaban contra el racismo.

En esta segunda edición de The Rough Guide to Bhangra (la primera es de 2000) se incluyen algunos de las y los artistas pioneros que aun se encuentran activos, y se introduce la siguiente generación de artistas que trabajan con este estilo, reclamando sus raíces folklóricas y revitalizando la música con nuevas y estimulantes ideas. Para disfrutar.

Tracks list:
01. Gerra De De (DJ Dips feat. Miss Pooja & Kaka Bhaniawala)
02. Meri Changi Taran (Naseebo Lal)
03. Boliyan (Panjabi MC)
04. Bangles (Niraj Chag)
05. Bol! Bol!Bol! (Tigerstyle)
06. Yaar Da Viah (Dalvinder Singh)
07. Dil Kugoo - Bhangra Mix (Shazia Mansoor)
08. Nachle (U Music)
09. Mera Yaar Vajawe Dhol (K.S. Bhamrah)
10. Bor Bor (Partners in Rhyme)
11. Tut Guhia (Achanak)
12. Fight This Feeling (Khiza feat. Suman & Joginder)
13. Har Gabroo (H-Dhami)
14. Jagoo (Panjabi By Nature)
 

mayo 19, 2026

Ravi Shankar - The Very Best Of - 2010

Reconocido a nivel mundial como sitarista y prolífico compositor, Ravi Shankar ha hecho más que ningún otro músico por acercar la música india al público occidental. The Very Best of Ravi Shankar reune, con motivo de su 90 cumpleaños, algunos de los trabajos mas relevantes de su extensa y rica carrera musical, incluyendo extractos de sus emblemáticas colaboraciones con Yehudi Menuhin y su histórico concierto, en 2000, en el Carnegie Hall con su hija Anoushka Shankar.

Ravi Shankar comenzó su extensa carrera a los trece años, aprendiendo a tocar instrumentos típicos de la India, centrándose particularmente en el sitar y convirtiéndose en el virtuoso que hoy conocemos. Comenzó a trabajar como compositor e intérprete en los años 40, siendo durante los 50´s elegido por el director de cine indio Satyajit Ray para escribir la música de su "Trilogía de Apu", que incluye tres de las más grandes obras jamás compuestas por Shankar para el cine. Durante la década de 1950 y 60 su nombre quedó estrechamente asociado con George Harrison, de los Beatles, y en especial con Yehudi Menuhin, con el que realizó varias grabaciones para EMI de las cuales figura una selección en la presente edición.

Como intérprete, compositor, profesor y escritor, Ravi Shankar es reconocido en todo el mundo por su trabajo pionero en dar a conocer la música india. Ganador de tres Premios Grammy, su virtuosismo ha tenido una notable influencia musical en Occidente y, especialmente, en la que hoy es conocida como "world music", motivo por el que se le conoce con el título honorífico de Pandit Ravi Shankar. Como señalaba el propio Yehudi Menuhin en su momento, "Ravi Shankar me ha traído un regalo precioso que ha aportado una nueva dimensión a mi experiencia con la música. Para mí, su genio y su humanidad sólo puede ser comparada a la de Mozart."

CD1
West Meets East:
01. Prabhati
02. Swara-Kakali
03. Raga Piloo
04. Dhun
05. Twilight Mood
Full Circle: Carnegie Hall 2000:
06. Raga Kaushi Kanhara – Alap-Jor-Jhala
07. Raga Kaushi Kanhara – Gat in Dhamar

CD2
India´s Master Musician:
01. Kafi-Holi (Spring Festifal of Colours)
02. Mishra Piloo
Portrait Of Genius:
03. Taka Rasa Ranga
04. Tabla-Dhwani
05. Song from the Hills
06. Tala – Tabla Tarang
07. Gat Kirwani
Sound of the Sitar:
08. Raga Malkauns - Alap
09. Raga Malkauns - Jor
10. Tala Sawari
11. Pahari Dhun
 


lunes, 18 de mayo de 2026

mayo 18, 2026

QUADRO NUEVO - MOCCAFLOR - 2004

 


01. Bei mir bist du sheeen

02. Café Europa

03. Dadaschi

04. El Choclo

05. El sospiro del moro

06. Giovanni Tranquilo

07. Jakob Elija

08. Lawrence of arabia arabesque & main theme

09. Miserlou

10. Mocca Swing

11. O Sarracino

12. Penta

13. Quiereme

14. Sultana

15. Tengo Gosselin

16. Fiera Triste


mayo 18, 2026

Paul Winter Consort - Miho, Journey to the Mountain

Miho: Viaje a la Montaña es un álbum de Paul Winter Consort, lanzado en 2010 a través del sello discográfico Living Music, El álbum fue un encargo del Museo Miho en Kyoto, Japón, para una celebración musical. El museo es una pieza única de la arquitectura, construido en la cima de una montaña, y con un túnel parcialmente en él, dándole la experiencia de que el museo es parte de la Tierra. El álbum fue grabado en los pasillos del museo, que son naturalmente reverberante. En 2011, el álbum ganó un premio Grammy por Mejor Álbum New Age.

(Liner notes by Paul Winter)
The Miho and me:
During the many times I have visited and performed in Japan since the Consort’s first tour in 1987, I dreamed of making an album inspired by the culture and natural beauty of Japan. On each visit I made a trip to a different natural site among the many islands of the archipelago: from Hokkaido in the north, where I saw the tanchos (red-crowned cranes) in Kushiro; to the blue-coral reefs of Ishigaki in the south; the giant Yaku Sugi trees on the island of Yakushima; and the forests of the southernmost island, Iriomote, home to the rare and fabled Iriomote wildcat.


    Paul Winter - soprano saxophone (tracks 1, 7, 8, 10, 14, 16, 18-20, 22)
    Eugene Friesen - cello (tracks 8, 11, 18, 19, 22)
    Don Grusin - keyboard (tracks 2, 4, 6, 16, 17, 21, 22)
    Jordan Rudess - keyboard (tracks 3, 11, 19)
    Druba Ghosh - sarangi (tracks 2, 15, 20)
    Arto Tuncboyaciyan - vocals (tracks 3, 11, 13, 16, 20), sazabo (tracks 3, 11), percussion (track 20)
    Paul McCandless - oboe (track 22), English horn (tracks 4, 13, 17), heckelphone (track 9), bass clarinet, (track 20)
    Yukiko Matsuyama - koto (tracks 5, 13)
    Glen Velez - percussion (track 14), riq (track 6), tar (track 6), shakers (track 6), bendir (track 9)
    Steve Gorn - bansuri (tracks 7, 8, 13, 20, 22)
    Yangjin Lamu - voice (track 8)
    Tim Brumfield - piano (tracks 18), organ (track 8)
    Cafe DeSilva - percussion (track 8)
    Eriko Koide - carillon (tracks 12, 21)
    Shumei Taiko Ensemble (track 20)
    Chorus of Worcester Polytechnic Institute, conducted by Wayne Abercrombie (track 19)
    Shumei Chorus, conducted by Hiroko Matsui (track 20)


   

    "Saxophone (Song of Miho)"
    "Sarangi (Dawn Raga)"
    "Arto (Before It's Too Late)"
    "English Horn (Theme from "On the Central Steppes of Asia", Borodin)"
    "Koto"
    "Frame Drums (Cedar Grove Dance)"
    "Bansuri & Saxophone"
    "Yangjin (Words of Wish Fulfillment)"
    "Bendir And Heckelphone"
    "Saxophone Reprise"
    "Arto (Singing to the Mountain)"
    "The Welcome (Song of Miho)"
    "Koto Spring"
    "Elephant Dance"
    "Whale Raga"
    "Love Is Not in Your Mind"
    "Twilight"
    "Andante (Bach)"
    "Remembering"
    "Saturday Night in Peach Blossom Valley"
    "Song of Miho"
    "Morning Sun"

domingo, 17 de mayo de 2026

mayo 17, 2026

Nor - Dar - Letters Home - Armenia

La corta carrera de esta formación, se completa con un tercer disco titulado Letters home en el que la formación clásica, el trasgresor espíritu del jazz, y el gran talento en la composición, alcanzan una madurez tristemente truncada por la enfermedad de la extraordinaria Kora Mikaelian, fallecida en julio de 2001 con tan sólo 37 años.

Piano: Kora Michaelian
Clarinet: Tigran Sarkissian
Drums: Orestis Moustidis
Double Bass: Hrant Sargsyan


 1 My Armenia I Love
2 You Are Her Arevik
3 Tango Deciso
4 Sunday Morning
5 So Much, As This Love
6 Letters Home
7 Poem 'Yerevan'
8 Love And Death (Part I)
9 Nubar (Part Ii)
1 Nostalgia (Part Iii)
11 My Motherland (Part Iv)
12 Who'S Burnt The Clouds
13 Conservaotire


sábado, 16 de mayo de 2026

mayo 16, 2026

Las Hermanas Caronni - BAGUALA DE LA SIESTA - Argentina - 2011

Una es Laura, la otra es Gianna. Una toca el chelo y canta, la otra toca el clarinete y también canta. Juntas forman el dúo Las Hermanas Caronni. Son mellizas y nacieron en Suiza, donde sus padres se habían instalado poco antes de que las fuerzas armadas tomaran el poder en Argentina. Sin embargo, a un año y medio de edad fueron llevadas por sus padres, psicólogo él, médica ella, y ambos melómanos, a Argentina, donde la familia se instaló, en Rosario más precisamente, la ciudad de los progenitores. El árbol genealógico de las Caronni es un concentrado de Europa: un abuelo suizo italiano, y parte de la familia de origen ruso e irlandés.
“Los argentinos que vienen de Rosario o de Buenos Aires estamos cerca de un puerto y vivimos en una permanente nostalgia. De generación en generación estamos yendo y viniendo y un poco de eso es nuestra música”, explica Gianna Caronni. Tras ser diplomadas en Argentina y haber integrado conjuntos de música de cámara, orquestas y grupos de música tradicional, las hermanas Caronni se afincaron en la ciudad de Lyon, ambas becadas, en 1998 y, desde entonces, viven en Francia, en la ciudad de Burdeos.
"Un dúo como el nuestro -explica Laura- es como si uno debe hacer una pintura y sólo tiene blanco y negro, y eso te obliga a explorar todas las posibilidades que hay: yo uso el chelo como percusión, como contrabajo, como violín; Gianna canta, toca el clarinete y algunas percusiones. Tenemos que hacer una especie de construcción minimalista que nos lleva a buscar límites cada vez más lejanos".
Sobre sus grabaciones discográficas precisa Gianna: "en el primer disco prevalece mucho la música argentina y de inspiración latinoamericana. En el próximo reuniremos composiciones más cinematográficas, música para danza contemporánea, teatro y cortometrajes. Queremos que los discos tengan una unidad en sí".
“Nos miran como una rareza y lo somos. Siempre hemos cambiado, somos muy curiosas, no sé si eso es bueno o malo, y, en este caso, la curiosidad es inventar nuestra propia música, la cual es el resultado de lo que somos. Es honesto. No venimos del folclore pero lo conocemos, tenemos formación clásica y hemos hecho música del Renacimiento, hemos tocado con músicos de jazz, de rock o de músicas tradicionales”, concluye Gianna Caronni. 

Pistas:

01.  Chelimbao
02.  Los Ejes De Mi Carreta
03.  El Jarrito
04.  Milonga Campera
05.  La Noche Llega
06.  Yuyo Verde
07.  Antigona
08.  Pollera Azul De Lino
09.  Nabraska
10.  Esta Cajita
11.  Galopando
12.  Chiche Pempe
13.  Baguala Da La Siesta


viernes, 15 de mayo de 2026

mayo 15, 2026

Jojo Effect - Not With Me - 2007

El grupo Jojo Effect surgió del proyecto que Anne Schnell, cantante y compositora alemana, y los productores Kitty the Bill, Maxim Illion (Club des Belugas) y Juergen Kausemann (de Chinchin Records) fundaron en 2005. Los temas de Jojo Effect han sido vendidos más de 2 millones de veces, licenciados más de 300 veces hasta ahora en compilaciones como Café del Mar, Klassik Lounge, Brazilectro, Bar Lounge Classics… (por nombrar algunas) y para series de TV y anuncios en todo el mundo.
 
 La música de Jojo Effect se puede clasificar como nujazz, una mezcla de electrojazz, jazzdance, bossa, latin, jazzfunk y souljazz, recordando en muchos momentos a Pink Martini. La banda que acompaña a Anne Schnell la conforman magníficos artistas procedentes del mundo del jazz: Dirk Pätzold (batería), Florian Beer (percusión), Franz Schnell (saxo, flauta y teclados), Thomas Basy (piano), Christian Kraus (bajo) y Manfred Koller (guitarras).

Desde que, en 2007, lanzaran su primer álbum Not With Me, sus posteriores trabajos han sido recibidos con una gran acogida: Ordinary Madness (2009), Marble Tunes (2011) y Smarter (2014). La clave de su éxito radica en la extraordinaria habilidad para manejar un amplio abanico de ritmos junto a sus letras llenas de vida, irónicas, divertidas, sensuales y conmovedoras que describen situaciones de nuestras rutinas diarias, el amor y la vida, a veces con un toque descarado.
Como señalan en su web, Jojo Effect "son un paquete de spa musical que todo buen médico y farmacéutico debería recomendar para iluminar el estado de ánimo".

Tracks list:
01 Stay Away from My Man
02 Not With Me
03 The Beat Goes On
04 Sing a Little Bit
05 Moods
06 Higher
07 Same Old Song
08 So What
09 Bado Baijo
10 La Fin Est Nulle
11 Mystery
12 Il Ne Reste Rien
13 Music Lifts Me Up
14 Mister Mista
 


mayo 15, 2026

Ibrahim Maalouf - 40 Melodies - 2020


 

La edad de 40 años, al menos en Estados Unidos, se mira con miedo como el comienzo de la mediana edad. Para muchos, es un estado de limbo; los dolores de rodilla dicen que no son jóvenes; sin embargo, ese pelo negro dice que tampoco son viejos. Mucha gente compra una motocicleta o comienza una aventura mal concebida con una novia de la universidad. Ibrahim Maalouf celebró su cuadragésimo con 40 Melodías, una obra en la que el trompetista revisa canciones de su pasado y presenta otras nuevas, en un cambio radical de su trabajo anterior.

40 Melodies recuerda a la fiesta de cumpleaños de un amigo en la que, después de una larga noche de juerga, alguien coge una guitarra, alguien coge una trompeta y los invitados se unen a voluntad para echar una mano al dúo central. Es hermoso, pero hay una leve melancolía de saber que las cosas pueden ... nunca vuelvas a ser así. Aquí, en lugar de un primo borracho, los invitados incluyen a los bajistas Marcus Miller y Richard Bona, el trompetista Arturo Sandoval y el Kronos Quartet. Aunque todos estos invitados evitan que el formato dúo se vuelva repetitivo y obsoleto, la apariencia de Kronos es la más bienvenida. La expansión del cuarteto de la sombría pista de piano de su banda sonora de "Yves Saint Laurent" marca un momento de grandiosidad en una grabación por lo demás básica, como las paredes de ladrillo de una casa que se derrumba para revelar una catedral de cristal.

Las canciones más deslumbrantes son las que permiten a Maalouf y al guitarrista belga Francois Delporte estar solos juntos, su fácil improvisación desmentida por más de diez años de amistad y colaboración. La presentación minimalista corta la grasa de composiciones previamente exageradas, como "Beirut", cuya aparición original en Diagnostic reveló una canción con potencial que desafortunadamente se vio empañada por un final grandilocuente, completo con una guitarra de rock distorsionada que socavó la tranquila sensación de duelo que desarrolló. durante sus diez minutos de duración. En 40 Melodies, la canción está más centrada en la mitad de la duración original. Aunque todavía hay un gran aumento de energía hacia el final de la pieza, el cambio se siente más natural; la sensación de esperanza después de la tragedia que intentó el original tiene éxito aquí debido al escenario despojado.


El título 40 Melodies es un nombre poco apropiado, ya que hay 43 canciones en este álbum doble. Las tres últimas son las únicas canciones nuevas que Maalouf trae a la mesa. "All around the Wall" y "Layla’s Wedding" son relativamente optimistas. El claqué de Sarah Reich le da a "Wedding" la sensación de alegría que tuvo (con suerte) el evento que lleva el nombre. En 40 Melodies, Maalouf y Delporte ofrecen no solo una clase magistral de interpretación en dúo, sino también sobre cómo envejecer con gracia, recontextualizando su pasado para crear algo nuevo a partir de partes antiguas y sin perderse en la nostalgia al mismo tiempo.


CD1

01 True Sorry 4:09

02 Free Spirit (feat. Jon Batiste) 4:22

03 Beirut 4:37

04 Happy Face 4:07

05 Hashish 2:37

06 Défilé 1962 3:54

07 Harlem (feat. Marcus Miller) 4:32

08 Red & Black Light 3:12

09 Kalthoum (Movement I) 3:38

10 Esse Emme 3:16

11 S3NS 4:41

12 Celle que vous croyez 3:40

13 InPressi 3:48

14 Diaspora (feat. Trilok Gurtu) 2:54

15 Les Quais (feat. Kronos Quartet) 3:06

16 Will Soon Be a Woman 3:09

17 Essentielles 2:08

18 Radio Magallanes 5:35

19 Maeva in Wonderland (feat. Richard Bona) 4:35

20 Surprises 4:14


CD2

01 L’Anniversaire 2:24

02 Levantine Symphony No. 1 (feat. Lily) 4:47

03 Una Rosa Blanca (feat. Alfredo Rodriguez) 2:44

04 Improbable 3:57

05 Le Grand Voyage (feat. Hüsnü Senlendirici) 3:08

06 Radiance 2:55

07 L’Heure du T 3:08

08 All I Can’t Say (feat. Sting) 3:11

09 Gebrayel (feat. Arturo Sandoval) 1:59

10 Marseille (feat. Vassilis Saleas) 3:49

11 Your Soul 2:41

12 Shadows (feat. M) / Ibrahim Maalouf, M 3:14

13 Goodnight Kiss (feat. Munir Hossn) 3:50

14 Sensuality (feat. Jowee BasH! Omicil) 4:04

15 Questions & Answers 3:29

16 Red Rose 3:21

17 Election Night (feat. Frederic YONNET) 2:52

18 Ya Ha La 2:18

19 Waiting 3:08

20 Salma Ya Salama 3:35

21 All Around the Wall 3:03

22 Layla’s Wedding (feat. Sarah Reich) 2:28

23 If I 6:16







mayo 15, 2026

Haig Yazdjian - Garin - Siria - Grecia - 1998

 


En sus discos y en sus conciertos, Yazdjian ha elaborado un repertorio que combina la música tradicional y la actual del Este, llegando incluso a sazonarla con el sonido contemporáneo del extremo geográfico opuesto. El resultado de esta mezcla ha provocado que sus actuaciones en vivo sean un acontecimiento para quienes buscan las raíces de la música tradicional pero en formatos actuales.

 

Haig Yazdjian se a ganado el respeto y la admiración de importantes artistas griegos y extranjeros con los cuales ha trabajado: Nikos Xydakis, Eleftheria Arvanitaki, Savina Yannatou, George Dalaras, Djivan Gasparian, Omar Farouk Tekbilek, entre otros. Asimismo, en sus presentaciones y en sus grabaciones, Haig se acompaña de algunos de los mejores músicos de la emergente escena griega actual, muchos de los cuales son originarios de países del Este.

 

Ya desde su primer trabajo discográfico, Yazdjian comenzó a considerar la tradición como una importante fuerza creativa. Dos años mas tarde, en 1998, la publicación de su segundo disco, "Garin" (Libra Music), fue aclamado por el público recibiendo excelentes críticas por parte de la prensa especializada.

 

Pistas:

01 – Dialogue

02 - Arabian fusion

03 – Bingeol

04 – Parallel

05 - Passing cloud

06 - Old days

07 - Ay, Lodi

08 – Nazeli

09 - Yar ko parag

10 - Stony lands

11 - The monks


jueves, 14 de mayo de 2026

mayo 14, 2026

Gendos - Ham-Dyt - Shaman Tree - 2005

 


1. Aldai Tandym - Gen Dos

2. Nar-Sham - Gen Dos

3. Kadartchynyng Yry / Music By – D. Shaktarnyy / Words By – S. Piurbiuhuu

4. Angchy-La Men - Gen Dos

5. Ynak Avaj - Gen Dos

6. Homus - Gen Dos

7. Tim-Pan - Gen Dos

8. Manchureem - Gen Dos

9. Obaj-La-Tajgam - Gen Dos

10. Opjej Yry - Gen Dos 



mayo 14, 2026

Faeland - When I Close My Eyes - 2021

 


Este segundo trabajo de Rebecca Nelson y Jacob Morrison, evoca hacia esa diáspora musical celta, con una base amplia de texturas en tonos pop, country, folk, y jazz. Este dúo bristoliano es heredero de artistas como Nick Drake y Anne Briggs, pero el suyo no es un idilio exclusivamente inglés y los hilos sónicos del Nuevo Mundo que también recorren el álbum también evocan a personas como Joni Mitchell y actos más modernos desde Bon Iver hasta lo armonioso.

Este “When I Close My Eyes” es un álbum de sutilezas, sencillo y mundano. Así como la música solo debería caer en dos categorías, la buena y mala. Los nombres de las bandas también tienen una existencia binaria similar. Hay algunos nombres increíbles que te dicen todo lo que necesitas saber antes de que hayas escuchado su primera nota como en canciones de Metallica, los Stones, Tim Buckley o John Fahey por ejemplo, del mismo modo que los ha habido algunos atroces. Faeland encaja perfectamente en el primer bloque.


1. Easier

2. Was

3. Little Lights

4. End of the Day

5. Long Lost

6.Ocean Song

7. Used To

8. What Will I Be?

9. Willow

10. Made to Love You

11.Tin Pan Pocket

12. To the Ones I Know and Love