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domingo, 18 de octubre de 2026

octubre 18, 2026

Peruchin Jr. & The Cuban All Stars



Peruchin Jr, su padre era cubano de jazz piano leyenda "Peruchin" sigue su camino de los padres simpatico y gran música. Pedro Jusiz-verdadero nombre, es una rareza en que él no juega el más habitual Tres de Puerto Rico ni Cautro, pero guitarra eléctrica! Él es un maestro. Jugar aquí con costars maravillosa y una sección de cuerda que melds hermosa música afro cubana con guitarra eléctrica de jazz arte. Este hombre es una bolsa de papas fritas, una lata de coque, y una barra de Snickers! Dig groovy este material, si te gusta la música latina-o aspiran a ser un maestro de la guitarra. 

Peruchín Jr. & The Cuban All Stars - Descarga dos (2002)

Temas:
01-Palermo Club
02-Son De La Loma
03-Capullito De Alelí
04-Delirio
05-Bilongo
06-Fantasía Triste
07-El Gordito
08-Como Fue
09-Decídete
10-Descargando

Musicos:
Pedro A. Jústiz "Peruchin Jr." -Guitarra
Orlando López "Cachaito" -Contrabajo
Hilario Durán -Piano
José Luis Quintana "Changuito" -Bongo
Arístides Soto "Tata Güines" -Congas
Amado Valdés "Amadito" -Timbal
Richard Egües -Flauta
Guillermo Pompa -Tres
Enrique Lázaga -Güiro & maracas


miércoles, 23 de septiembre de 2026

septiembre 23, 2026

Kevin Kendle - Flowers - 2002



Para esta grabación, el compositor y tecladista Kevin Kendle evoca ocho canciones instrumentales dedicadas a diferentes flores. Su forma de tocar el piano es siempre discreta y serena, y le gusta colorear sus canciones con el oboe, la flauta y arpa. Algunas de estas composiciones relajantes abiertamente abrazan nuevos tópicos new age. Otras son más memorable, en particular el tema "Jasmine" es brillante y la graciosa "Sunflowers", ambas canciones llenan suavizando ondulaciónes con el arpa y los teclados ambientales, esta última de una forma inesperada terminando con un crescendo que eleva. Del mismo modo, "Winter Jasmine" cierra el álbum en un modo que induce al trance que recuerda a la música de Hearts of Space. Aunque Flowers mantiene un flujo constante a través de una hora, Kendle podría haber tenido más oportunidades, pero de vez en cuando trasciende convenciónalmente para producir instrumentales agradablemente pacíficos.

For this release, composer and keyboardist Kevin Kendle conjures eight instrumental songs dedicated to different Flowers. His piano playing is always understated and serene, and he likes to color his songs with oboe, flute, and harp. Some of these relaxing compositions openly embrace New Age platitudes. Others are more memorable, notably the shimmering "Jasmine" and the graceful "Sunflowers," both tunes filled with gentling rippling harp and ambient keyboards, the latter unexpectedly ending with an uplifting crescendo. Likewise, "Winter Jasmine" closes the album in a trance-inducing mode that recalls vintage Hearts of Space music. While Flowers maintains a consistent flow throughout its hourlong running time, Kendle could have taken more chances, but he occasionally transcends convention to produce pleasingly peaceful instrumentals. --Bryan Reesman

1. Daffodils
2. Bluebells
3. Jasmine
4. Freesia
5. Fuchsia
6. Sunflowers
7. Roses
8. Winter Jasmine

lunes, 14 de septiembre de 2026

septiembre 14, 2026

Another Fine Day - A Good Place To Be - 2015



Con su proyecto A Good Place To Be, Tom Green explora el extremo más profundo de los campos del dub, jazz, música africana, piano  y clásica. Veintiún años después del lanzamiento de su éxitoso LP de culto  "Life Before Land" (tercero en la tabla de "Greatest Albums Ambient 'The Independent), y quince años después de Salvage grabado en Six Degrees, ha creado un nuevo álbum al que trae su primer amor, el piano, a la palestra.

Envolviendo estilos de jazz suave en una mezcla brillante de mbira, percusión, grabaciones de campo, y casi cualquier otra cosa que toma su fantasía, "A Good Place To Be" crea un álbum absorbente. Inteligentemente atmosférico en todo, esta grabación no es solo electrónica instrumental, sino también el jazz, con más de un toque de minimalismo y elementos clásicos.

Tema a tema, las piezas se mezclan orgánicamente en un flujo de ensueño con una mezcla dinámica y sutil masterización. Se trata de un álbum que lleva escuchas repetidas, y como el título sugiere, se trata de un buen lugar para estar.

Nature Boy     4:58
And Dreams Of Seals     6:19
Child's Play     4:48
Spanish Blues     5:23
Naiad     6:10
Enfolded     4:15
I Can Hear Your Heart     6:21
That Path     3:46
Dusty Feet     4:11
From Tiny Acorns     5:09
Andy Woz Here     5:40
A Good Place To Be     2:54 

martes, 8 de septiembre de 2026

septiembre 08, 2026

James Last - Classics Up To Date - Vol. 2 - 1969

 


01_Piano_Concerto_No_21_In_C_Major,_K467_Andante_Theme_From_Elvira

02. Symphony No. 7 In A Major, Op. 92 -  3. Presto

03_Romance_For_Violin_And_Orchestra_No_2_In_F_Major,_Op_50

04. Impromptu No. 2 In A Flat Major, Op. 142

05. Orchestral Suite No. 3 In D Major, BWV 1068 -  2. Air

06. Impromptu No. 3 In G Flat Major, Op. 90

08. Slavonic Dance No. 10

09. Violin Concerto In E Minor, Op. 64 -  2. Andante

10. Prelude No. 1 In C Major

11. Symphony No. 5 In C Minor, Op. 67 -  Andante

12. Ballet Music From Prince Igor

domingo, 30 de agosto de 2026

agosto 30, 2026

Masaji Watanabe - Miyabi II





Miyabi II le lleva a través de un gran museo de pinturas.
Tu mente servirá como marco para sus cuadros, cuando usted
escuche estas suaves melodías.
El toque de su piano es preciso y delicado.
Los colores de los sonidos son cuidadosamente seleccionados a partir de una rica paleta llena de pintura, y se pintó una y otra vez en el lienzo de sus resultados. Bienvenidos a esta gran exposición de agraciados, transparentes e impecables sonidos.

Track listing
1. Spring Breeze Waltz
2. Colored In Spring
3. Morning Haze
4. Lingering Summer
5. Letter From Home
6. Memories
7. Brilliant Sea
8. Whispering Stars
9. Sunbathing
10. Footsteps Of Winter
11. Homeward Bound
12. In The Icy Rain
13. Distant Winds, Distant Bells
14. Epilogue

viernes, 14 de agosto de 2026

agosto 14, 2026

Luis Salinas - Love Is Blue - A Collection of Easy Listening World and Latin Music with Luis Salinas and Paul Mauriat - 2014

 


001. La que nunca tuvo novio

002. El Choclo

003. El Porteñito

004. Naranjo en flor

005. Quiero ser tu sombra

006. Alfonsina y el mar

007. Ilusión de mil vida

008. La Vuelta

009. Funky Tango

010. Lve is blue

011. Preludio de la traviata

012. Le piano sur la vague

013. Eurostar

014. All for love

015. Penelope

jueves, 6 de agosto de 2026

agosto 06, 2026

Jean-Philippe Goude - De Anima - 1992



En el principio era el piano. Tan pronto como llegó a dominar los conceptos básicos descubrió el hechizo de melancolía mientras trabajaba en una pequeña pieza musical: un etude sonando en el estilo de un himno sombrío. No es el olor a carne muerta de sombrío, según Picabia, Más bien es la gravedad de la tierra de un abismo excavado por la vida misma. Todo es el resultado de este deslumbramiento.

A los 11 años de edad, Jean-Philippe Goude cerró los ojos. Cuando sus párpados finalmente se volvieron a abrir, sólo podía ver el color turquesa. Todo había cambiado. El color fue fijado por el Sgt Peppers de los Beatles,  Con Weidorje, inició una aventura de rock que le llevó a trabajar con Dick Annegarn, Odeurs, Renaud, para quien escribió los arreglos musicales.  Pasó tres años vagando y luego despertó.

En 1985 se decidió a escribir su propia música, la música que se había dormido en un rincón de su infancia. Vendió sus sintetizadores y mantiene sólo un piano. Atrás quedó la forma de lentejuelas. Así comenzó un largo período de mirarse en el espejo de la sinceridad. De Anima apareció en 1992, un paso decisivo en el camino neoclásico. Luego siguió el álbum Ainsi de nous (1994), La Naturaleza Divina de las Cosas (1996) y Rock de Cámara (2001). Al igual que muchas de sus obras reconocidas, popularizadas a menudo por radio y televisión. Jean-Philippe Goude es el autor de estos títulos musicales inolvidables que acompañaron programas como Un siècle d'Ecrivains (France 3), Caractères (France 2) y de nuevo un voix nue (France Culture).

La singularidad de L'Ensemble Jean-Philippe Goude es una unión mágica donde un quinteto de cuerdas, piano, onda Martenon, mandolina, instrumentos de viento y algunas voces celestiales, componen un universo cinematográfico como una película que proyecta sueños, dudas, los estados de ánimo de la noche, y la perspectiva de un camino que es nuestro para dibujar. Aquí está una obra majestuosa, profunda en la que es imposible perderse. Se habla tanto a los fans de la música barroca como a aquellas almas movidas por el minimalismo de Moondog y Phil Glass, y para los que son tocados por las fantasías de Erik Satie; como a aquellos que son los más fervientes admiradores de la música diatónica de Arvo Pärt. Para cualquier persona encendido por Gabriel Fauré o definitivamente seducido por las elegías de Robert Wyatt,

1. Pavane
2. Petite Ouverture
3. Allemande
4. Triptyque
5. ElG
6. Pendule (L'instant Le Plus Serein Est Marque Par Une Ombre)
7. Gaillarde
8. Duo (Pour Violon Et Piano)
9. Intermede (Pour Piano, Bois Et Cordes)
10. Libera Me
11. Figures
12. De Anima
13. Salve Regina
14. Ornamento
15. Final (Adagietto Pour Violon Et Cordes) 

lunes, 22 de septiembre de 2025

septiembre 22, 2025

Chiwoniso - Rebel Woman - 2008

Chiwoniso Maraire, la cantante rebelde de Zimbawe, nos dejó el 24 de julio de 2013. Tenía 37 años. Maestra de la mbira, piano tradicional africano, no rehuyó en ningún momento el compromiso político frente a la tiranía de Robert Mugabe.
 Chiwoniso no dudaba en cantar letras incendiarias con carga política y social criticando el régimen autárquico de Robert Mugabe. En su disco Rebel Woman, publicado en 2008 por el sello estadounidense Cumbancha, canta en shona y en inglés, y titula de esta manera su trabajo inspirada en un poema que recuerda el importante papel que jugaron las mujeres en la independencia de su país.

Decía que ella era como un espejo porque cantaba esencialmente sobre lo que veía que pasaba en el mundo. Su voz se parecía mucho a la de Angelique Kidjo, compartiendo con ella esa querencia por los metales, la polirritmia y esas figuras rítmicas de guitarra eléctrica tan propias del cono sur africano. Y en éste (y en muchos otros sentidos) el álbum es de una belleza intachable.
Chiwoniso Maraire, conocida en Zimbabwe como Chiwoniso o Chi, había nacido en 1976 en Estados Unidos, en la ciudad de Olympia, Washington, hija del maestro de la mbira y profesor de etnomusicología Dumisani Maraire, dos de cuyas obras fueron grabadas por Kronos Quartet en su disco Pieces of Africa. Creció oyendo música, ya que sus padres daban clases en casa. Su madre era cantante. Y recordaba en la banda sonora de su infancia y adolescencia a James Brown, Michael Jackson, Aretha Franklin, Roberta Flack, los Beatles y los Rolling Stones, pero también a Bach y Mozart. "Soy un cruce de culturas y de polinizaciones, igual que una flor", solía decir.

Se acompañaba con la mbira, el piano de pulgar también llamado sanza o kalimba, antiguo instrumento africano, tradicionalmente tocado por hombres, que consiste en una caja de madera sobre la cual están fijadas unas láminas metálicas que se pulsan con los pulgares. La tocaba en público desde los cuatro años. A los nueve ya había grabado un disco en compañía de sus progenitores y con once actuaba junto a su padre y sus hermanos.

En 1990, la familia de Chiwoniso regresa a Zimbabwe, comenzando a sonar su nombre como cantante del grupo de hip hop A Peace of Ebony. Ancient Voices, su primer disco en solitario, grabado en 1997, le valió el premio de Radio France Internationale al mejor artista novel. Entre 2001 y 2007 colaboró en un gran número de trabajos e interpretaciones junto con artistas y organizaciones a nivel internacional.

En 2005 el pianista y productor Keith Farquharson (que ya le produjo su primer disco) le propone grabar un nuevo álbum, al que Chiwoniso le dedica tres años: Rebel Woman. Grabado en Zimbabwe, Sudáfrica, Inglaterra y Vermont, el álbum cuenta con la participación de muchos de los músicos más respetados y admirados del sur de África. Louis Mhlanga (que ha grabado con Hugh Masekela) proporciona al álbum esos sabrosos toques de guitarra sudafricanos tan característicos. Sam Mataure (veterano de la banda de Oliver Mtukudzi) aporta sólidos ritmos rock, y Steve Dyer guía la sección de vientos.

El resultado es una colección de brillantes canciones que se pasean con soltura entre el soul y el afropop tomando como punto de partida el fascinante sonido de la mbira.

El álbum se abre con los riffs de guitarra eléctrica de "Vanorapa", una canción sobre el poder curativo de los ancianos (Chiwoniso cree firmemente en el poder de la espiritualidad tradicional shona y la capacidad de los ancianos para curar a la gente, incluso después de que han muerto y entrado en el reino de los espíritus), inspirada en un tema que su padre solía tocar con Mananzi III. En "Matsotsi" (La Tierra de los ladrones) canta las luchas económicas de la clase obrera. "Gomo" es un alegre tributo a las regiones de montaña de donde es originaria su familia.

En "Only One World", expresa su devoción por sus hijas y lo importante que es para las familias que tomen decisiones que tengan en cuenta a las generaciones futuras (Chiwoniso ha sido durante mucho tiempo una gran defensora de los derechos de la infancia, estando involucrada en la organización Mustle Africa que ayuda a la alfabetización de niñas y niños sin recursos). "Irobukairo" evoca la "chimurenga" del gran Thomas Mapfumo, uno de los grandes iconos de la música de Zimbabwe, apelando al cuidado de las relaciones de parejas y del hogar.

Y la pista que da título al álbum, "Rebel Woman", es un homenaje a las mujeres fuertes que sufren porque no siguen las restricciones que la sociedad trata de implantarles, "ésta es una canción sobre el cambio de esas normas". La canción sirve como un epílogo a un álbum magistral en el que Chiwoniso se pronuncia sobre el papel que las y los artistas tienen a nivel social: la responsabilidad de denunciar las injusticias sin temor a las amenazas del poder ni a la represión policial. "No importa. Tenemos esa responsabilidad".

Tracks list
01. Vanorapa
02. Matsotsi
03. Gomo
04. Nguva Ye Kufara
05. Kurima
06. Listen to the Breeze
07. Wakashinga
08. Irobukairo
09. Pamuromo
10. Nerudo
11. Only One World
12. Rebel Woman
 


Página web: Cumbancha

jueves, 11 de septiembre de 2025

septiembre 11, 2025

Ludovico Einaudi & Ballaké Sissoko - Diario Malí - 2003

Trasfondo de música de Malí, ecos de blues, ritmos caribeños y armonías renacentistas europeas, Diario Malí es el resultado de la unión entre Ludovico Einaudi y Ballaké Sissoko, el diálogo entre dos virtuosos de diferentes mundos que se encuentran en el desierto y se regalan los sonidos de sus instrumentos (piano y kora).

Pocos compositores abarcan tanta definición de estilos musicales como Ludovico Einaudi. Su música frecuentemente se describe como minimalista, clásica contemporánea, impresionista, new-age, ambiente, espiritual, vanguardismo, world music, introspectiva... Einaudi empezó su carrera musical componiendo música de cámara, para bandas y coreografías para teatro y danza, que inmediatamente alcanzó un gran éxito, siendo interpretada en los más famosos escenarios internacionales como el Teatro de La Scala, Maggio Musicale Fiorentino, Tanglewood Music Festival, Centro UCLA para las artes, el IRCAM de Paris, el Festival de Cine de Budapest, etc. Poco después comenzó a componer música para películas, campo en la que ha desarrollado una intensa y exitosa actividad con 12 bandas sonoras y cuatro premios a la Mejor Banda Sonora concedidos en Italia y en el extranjero.

Por su parte, Ballaké Sissoko, uno de los mejores intérpretes de kora de todos los tiempos, que ya grabó con su maestro Toumani Diabaté New Ancient Strings (un álbum llamado a convertirse en clásico de la kora), nos muestra su acierto para experimentar con este instrumento (transmisor de la cultura de los pueblos del África occidental) en trabajos posteriores tan excepcionales como con el fabuloso 3ma (con Rajery y Driss el Maloumi) y Chamber Music (con el chelista francés Vincent Ségal).

En Diario Malí, grabado en el Teatro Petrella (Longiano), encontramos kora y piano, piano y kora, interrelacionados, formando una melodía donde todo es cálido y sensual, donde las sensaciones nos conducen a los grandes desiertos y la sabana africana. Calma nostálgica y desértica con una enorme sonrisa iluminada que trasluce más allá del tiempo. Un disco intimista y excepcional.

Tracks list:
01. Laissez moi en paix
02. Entre nous
03. Soutoukou
04. Chanson d´amour
05. Chameaux
06. Ma mere
07. A l´ombre
08. Niger blues
09. Mali sajio
10. Dessert dans le desert

 


jueves, 10 de abril de 2025

abril 10, 2025

Kepa Junkera & Ibon Koteron - Leonen Orroak - 1996

 
Leonen Orroak (1996) es otra apuesta más de Kepa por la diversidad de estilos. En esta ocasión al músico de Rekalde le acompaña el albokari Ibon Koteron y una larga lista de colaboradores reunidos para homenajear al gran albokari León Bilbao. Un trabajo que profundiza en sus raíces y que destaca por su elaborada producción.


Luis Delgado: Txintxin, Wasambak & Oaxacako Pedarra, Bemdhir, Chungroo, Tar de Egipto, Tamboura, Vathek, K´rkebs, D,rbouka, Pandero Verdiales y Yapurtu.

Carlos Becerro:Cistro.

Xosé Manuel Budiño: Uillean Pipe, Low Whistle.

Natxo de Felipe: Voz.

Antón Latxa: Voz.

Rafa Martin: Zarrabete

Javier Paxariño: Flauta Requinta, Flauta baj, Clarinete bajo, Saxo Soprano

Tomas San Miguel: Piano.

Maixa Lizarribar: Voz.

Garbiñe Sagaztibeltza: Voz.

Bixente Martinez: Bouzoki.


sábado, 19 de octubre de 2024

octubre 19, 2024

Tata Dindin & Hans Ludemann - African Dialogues

El arpa Kora es un símbolo de la gran tradicion musical de África occidental, tal y como el piano encarna la tradición europea. Estas dos tradiciones se unen en la colaboración de Tata Dindin, maestro de la Kora de Gambia, y Hans Lüdemann, virtuoso del piano de Alemania. Aparte del piano, Lüdemann también utiliza su antecesor, el clavicordio y, por tanto se relaciona de nuevo con Johann Sebastian Bach, padre de todos los instrumentos de teclado. Tata Dindin no sólo es un virtuoso de la kora, sino también un vocalista muy talentoso.
 El estreno del dúo tuvo lugar en la primavera de 1997 en Dakar, Senegal. Durante una gira de conciertos de Lüdemanns, organizado por el Instituto Alemán Goethe, ambos músicos se conocieron en los conciertos que tuvieron una recepción entusiasta. Las bases de una colaboración continua e intensiva con Europa se establecierón. Esta colaboracion en vivo es la grabación completa de un concierto en agosto de 1999 en el "Stadtgarten" en Colonia, Alemania, como parte del Festival Popkomm. Tata Dindin es un "Griot". Esto significa que a través de su padre y sus antepasados ??se encuentra en una línea con los grandes maestros de la música tradicional africana, el canto y la tradición histórica. Su instrumento, la kora, un arpa africana, con 21 cuerdas. Los griots de África son considerados como los curanderos. La música como una fuerza sanadora, la música con alma - se trata de un nivel, en el que Lüdemann y Dindin han conectado inmediatamente.
 Lüdemann tiene una relación especial con África y su música que ha desarrollado durante muchos años a través de relaciones personales y viajes extensos. Musicalmente este interés se expresó por primera vez en su CD en solitario "The Natural Piano", donde incorpora temas y motivos africanos. Lüdemann ha transducido la música africana con el piano y la combina con su arte de la improvisación, que ya ha demostrado en muchas otras situaciones musicales, tales como su trabajo con Paul Bley o Garbarek sobre la base de la polifonía europea y africana polyrhthm Lüdemann ha desarrollado su propio estilo de música tocando el piano ", un lenguaje reconocible de su propio".
  Tata Dindin es desde su CD en solitario "Salam", uno de los musicos más prolíficos de la Kora. Él no sólo encarna la tradicion, sino que también transporta la Kora a nuestro tiempo. También electrifica su instrumento e incluso ha sido considerado como el "Jimi Hendrix de la kora". En su programa de dúo, Lüdemann y Dindin se relacionan con el tradicional repertorio de la Kora. Pero, es más que eso, han desarrollado composiciones que van mucho más allá de eso y que incluyen elementos de la música europea y la improvisación. Su música es fluida y inpretenciosa. Tiene un sabor suave y de meditación que está lejos de todo "New Age" - Muzak. Sorprendente tan bien es, la mezcla de la Kora con el sonido del piano. Una explicación podría ser que ambos son instrumentos de cuerda. Pero también sus funciónes musicales son similares. Ambos son el instrumento de los diseñadores, directores de los musicales y compositores. Ambos instrumentos pueden ser solistas, y acompañante, al mismo tiempo. Aún más perfecta es la mezcla de Kora y el clavicordio. Los timbres de ambos instrumentos son tan similares, que a veces casi no se puede separar el uno del otro. Pero en su combinación crean una amplia gama de frescos colores musicales. Ambos músicos son casi de la misma edad y han tenido una carrera internacional con conciertos, en radio y televisión producidas en todo el mundo. Con su colaboración están abriendo una nueva perspectiva para sus instrumentos, para nosotros, para ellos y para la música. 


Tata Dindin - voice/ kora Hans Lüdemann - piano/ clavichord

 1. Nanifa (6:49) 2. Ella est la (4:51) 3. Duga (5:54) 4. For Tata (7:13) 5. Heimkehr (4:29) 6. Ado (6:20) 7. Salam (5:44) 8. Kano (6:34)
 
Fuente: http://www.rism.de/kora.en.html 

sábado, 1 de octubre de 2022

octubre 01, 2022

Anoushka Shankar - Anoushka - 1998

 


Anoushka Shankar toca ese laúd indio cuyo nombre proviene del persa que muchos consideran el más complicado de todos los instrumentos. "¡El sitar requiere tanta disciplina!", dice riendo. "Al principio es difícil de sostener y los dedos se cortan con las cuerdas hasta que se te hacen callos. Y no suenas bien, mientras que con un piano enseguida puedes sentir que estás tocando algo hermoso".

Se siente tan cómoda con un sari como con una camiseta y unos tejanos rotos. Nació el 9 de junio de 1981 en Londres cada año pasaba varios meses en Delhi y más tarde creció en California. Ser hija de Ravi Shankar le concede algunas ventajas, pero hay quien cree que ha ganado premios y tocado en el Royal Albert Hall por ser la hija de. "Lo que hago es ignorarlo porque ya de niña me di cuenta de que si elegía ese instrumento, todo el mundo iba a comparar. Mucha gente me quiere, pero otros critican que se me preste tanta atención y que tenga tantas oportunidades. Podría ser la intérprete más asombrosa, que no lo admitirían. Nunca seré lo bastante buena para ellos".

Ravi Shankar tenía 61 años cuando ella vino al mundo. Desde los nueve estudió con él. Primero con un sitar bebé construido especialmente. La música clásica india la enseña directamente el maestro a su discípulo. "Mi padre era más escéptico, pero mi madre me animó a seguir adelante y me dijo que podía dejarlo si ya no me gustaba. No soy de esas personas que sólo viven para la música. Me hace feliz la vida tener tiempo para estar con mi familia, mi pareja o mis amigos".

Con trece años debutó en concierto. Tocó con su padre el Concerto numéro 1 para sitar y orquesta, con Zubin Mehta al frente de la London Symphony Orchestra, y se unió a Rostropóvich para estrenar una obra para violonchelo y sitar: dirigió a 43 músicos en memoria de George Harrison casi un segundo padre para ella y participó en los Proms para el 85 cumpleaños de Ravi Shankar. Sitar Trek, un documental de la BBC, siguió sus pasos durante el verano de 2002. "Estoy esperando el día que me llamen 'el padre de Anoushka'", ha confesado Ravi Shankar.

Nunca sabe cuándo él le va a dar paso en una raga. "Puede cambiar de planes de repente en función de su estado de ánimo. A veces está en medio de una idea o una frase y me mira para que yo la termine. Tengo que estar alerta". Asegura no sentir pánico en esos momentos: "Estoy acostumbrada y es algo natural porque en la música tradicional de la India hay una gran parte de improvisación. Además me apasiona estar en un escenario".





domingo, 24 de julio de 2022

julio 24, 2022

Dmitriy Malikov - Panacea - 2012

Panacea es un álbum de música de piano lanzado por Dmitry Malikov como parte de su creativo proyecto "Pianomanir". Cada pieza musical en el álbum ayuda al oyente a liberar el estrés emocional, relajarse, y lograr la armonía interior.

El título del álbum y el concepto de su diseño pueden ser percibidos como más provocativo. Después de todo, Panacea es la diosa griega del remedio universal. En la antigua Grecia, se creía que la música puede crear un cierto estado de ánimo y armonizar el cuerpo y la mente. De hecho, Pitágoras de Samos recomienda la música como una panacea para el cuerpo y el alma enferma. Las Composiciones individuales que componen el álbum han recibido nombres inusuales. Juntas forman un pequeño poema que te predispone en un estado de ánimo especial para su escucha.

Tracklist:
01. Deeply in thoughts
02. About the rush
03. About the past
04. About the impossible
05. With a breath of music
06. To the happy ones
07. I become
08. The shadow leaves
09. The soul is filled
10. Fresh
11. I am alive
12. I am happy
13. I feel good 
 


miércoles, 29 de junio de 2022

junio 29, 2022

Loreena McKennitt - A MIDWINTER NIGHTS DREAM - Canadá

Loreena McKennitt grabó el nuevo material para A Midwinter Night's Dream en el estudio de grabación Real World de Peter Gabriel, cerca de Bath, Inglaterra después de una exitosa gira europea. Con McKennitt en la voz, así como el piano, el acordeón y el acompañamiento de arpa; cuenta, además, con el apoyo de Brian Hughes al laúd y la guitarra, Hugh Marsh en el violín, Caroline Lavelle al cello, Donald Quan en la viola y percusión, Ben Grossman con la zanfona y percusiones, Simon Edwards en el bajo, Rick Lazar en la percusión y Stratis Psaradellis en lira griega y laúd griego.

El disco dispone de una amplia gama de influencias musicales en la artista, desde la celta a la clásica de Oriente Medio. Su eclecticismo brilla en el misticismo de "The Holly and the Ivy", los arreglos exóticos orientales de "God Rest Ye Merry, Gentlemen", el canto en latín en "Emmanuel" y la influencia del África francesa del norte en la interpretación de "Noël Nouvelet! ", cantada en francés antiguo.

"Tenía muchas ganas de recuperar algo del incienso y mirra en esta música", explica McKennitt, "y el proceso fue un recordatorio fresco de la diversidad de las tradiciones cuando se trata de la música de la época de invierno. Las canciones son ricas con abundantes referencias al mundo natural y las conexiones a nuestro aspecto espiritual y religioso. Es claro que las personas siempre han usado el invierno como un tiempo de reflexión”.

Pistas:

01. The holly & the ivy
02. Un flambeau, Jeannette, Isabelle
03. The seven rejoices of Mary
04. Noël Nouvelet!
05. Good King Wenceslas
06. Coventry carol
07. God rest ye merry, gentlemen (Abdelli version)
08. Snow
09. Breton carol
10. Seeds of love
11. Gloucestershire wassail
12. Emmanuel
13. In the bleak midwinter

 


miércoles, 8 de diciembre de 2021

diciembre 08, 2021

Oregon - Distant Hills - 1973



Oregon es una banda estadounidense de jazz contemporáneo y world fusión, creada en 1971 por Ralph Towner (guitarra, piano, sintetizador, trompeta), Paul McCandless (saxo soprano, oboe, corno inglés), Glen Moore (contrabajo, violín, piano), y Collin Walcott (percusión, sitar, tabla). Todos ellos provenían de The Paul Winter Consort, el grupo de jazz étnico y world music del saxofonista Paul Winter.

Previamente habían realizado una grabación, en 1970 para el sello Increase Records, aunque la desaparición de éste justo cuando iba a publicarse hizo que el disco no apareciera hasta 1980, editado por Vanguard, bajo el título de Our First Record. Por lo tanto, su primer disco "oficial" fue Music of Another Present Era (Vanguard, 1972), al que siguieron Distant Hills y Winter Light, también en Vanguard. Paralelamente, bajo el nombre de "Ralph Towner with Glen Moore", se publicó un disco en ECM, 8Trios Solos, 1973). En estos discos, Oregon se proyectó como un grupo que, partiendo de la música del Consort de Paul Winter, mezclaba influencias de la música de cámara europea con músicas tradicionales de distintas partes del mundo, especialmente orientales, además de elementos propios de la música ambiental y del jazz de vanguardia. Después de varios discos más con Vanguard, durante los años 1970, grabaron tres álbumes para Elektra/Asylum (1978-1980).

 Tras permanecer algunos años fuera de escena, el grupo vuelve a reencontrarse y graba para ECM, publicándose el homónimo Oregon, en 1983, y Crossings, en 1984. durante la gira de 1984, Walcott muere en un accidente de tráfico en la antigua Alemania del Este. La banda se disuelve a raíz de ello, pero en mayo de 1985, en un concierto en su memoria con el percusionista Trilok Gurtu, en Nueva York, vuelven a reunirse. Gurtu se incorpora como miembro, permaneciendo en el grupo durante cinco años.

Tras su partida, el grupo continúa como trío, publicando dos discos en este periodo. El álbum Northwest Passage, supone la vuelta a formato con percusión, con la inclusión del batería Mark Walker y de Arto Tuncboyaciyan; En 1999 el grupo viaja a Moscú, para grabar con la Tchaikovsky Symphony Orchestra de Moscú, grabación que se publica en 2000, siendo nominada a los Premios Grammy.

Genero: Jazz
Styles: Post-Bop, Folk-Jazz, World Fusion
Discografia: http://www.scaruffi.com/avant/oregon.html



Fuente: Wikipedia

sábado, 4 de septiembre de 2021

septiembre 04, 2021

George Winston - Winter Into Spring - 1982

Winter Into Spring es el tercer disco en solitario del pianista George Winston, lanzado en 1982. Fue inspirado por la transición de las estaciones del año y la continuacion de su álbum de 1980 Autumn

Más como poemas para piano de canciones tradicionales, estructuradas, la música de George Winston juega como una banda sonora lírica a los ritmos del mundo natural, y en ninguna parte es esto más brillante que en su tercer álbum, Invierno en primavera. Hay maravillosas, hermosas melodías aquí, pero lo que es asombroso es la intensa inspiración de Winston que se derrama de su espíritu y fluye directamente a las teclas. Utiliza técnicas sencillas que apenas impresionarían el más intelectual de los críticos de música, pero que llegan al corazon de  cualquier oyente.


1. January Stars
2. February Seas
3. Ocean Waves (O Mar)
4. Reflection
5. Rain
6. Blossom/Meadow
7. The Venice Dreamer: Part One - Introduction
8. The Venice Dreamer: Part Two

martes, 3 de agosto de 2021

agosto 03, 2021

M. Ostermeier - Tiny Birds

You would be hard pressed to find an ambient composer/musician out there with a more clearly defined minimalist aesthetic than Baltimore-based M. Ostermeier.  He describes his compositions as often featuring “skeletal piano melodies that are augmented with electronics, acoustic recordings, and occasionally guitar”. True to that aesthetic, his most recent work draws inspiration from simple and elegant structures found in both the seen and unseen world, a propensity which perhaps has its origins in his background as a professor of chemical and biomolecular engineering.

In the case of Still, released on his own Tench label last year, the inspiration was architecture, a musical echo of the clean and spacious designs of the likes of Frank Lloyd Wright or Frank Gehry.  On his latest, about to be released by Home Normal, it is the marvelously lightweight and compact natural engineering of the humble bird.

    …amongst the gorgeous little melodies at play here, there is a careful depth of sound design from a variety of found sounds and field recordings…It is just the kind of album we love around these parts: namely, a work that takes its time to develop as it sees fit, without any need to rush to its restrained conclusion. – Ian Hawgood

Marc Ostermeier ProfileIndeed this collection of 13 songs and sketches has a real integrity of style and purpose throughout effectively creating a miniaturized world for the listener to inhabit, a sonic menagerie of rustling creatures that flit and skitter about. It comes across as a sort of musical origami and is equally enchanting. The piano lines themselves are exquisite, straddling modern classical and jazz motifs in a way that should appeal to fans of either genre while also pleasing the ambient music crowd who will appreciate the sound design, stillness and abstraction that permeates the entire captivating journey.

An added bonus is the appearance of Christoph Berg (aka Field Rotation) on the opening pair of tracks. He adds a pleasantly surprising element of additional beauty in just the right measure for this particular album, but it makes for a tantalizing prospect should the artists consider expanding this partnership in the future.

1. Glide 02:07
2. Of A Feather 02:08
3. Rafters 02:30
4. Watcher 01:51
5. Duo 03:25
6. Flutter 01:46
7. Flying South 04:07
8. Head Cut Off 01:12
9. Nesting 04:04
10. Caged 01:55
11. Skitter 03:04
12. Twin Crested Peaks 02:19
13. Albatross 03:51

martes, 22 de junio de 2021

junio 22, 2021

Naoki Kenji - Downtown Tokyo - 2001

Mitad japonés, mitad alemán, Naoki Kenji pasó su infancia entre Tokio y Osaka. Desde la edad de 5 años, comenzó a tomar clases de piano y crea sus propias composiciones. Unos años más tarde, sus padres lo envían a Alemania para continuar sus estudios. Alli descubre la guitarra eléctrica e incluso se convierte en un miembro de la orquesta de su universidad para hacer algunos conciertos. Fue entonces con 18 años de edad, Naoki abandona el sistema escolar para dedicarse a su sueño. Su interés por la música electrónica comenzó a crecer bajo la influencia de la música japonesa, se sintió inspirado tanto por Helden Szene, Yellow Magic Orchestra y Ryuichi Sakamoto.
Después de varias experiencias musicales, lanzó su primer álbum titulado "Tozai" en 1999, consiguió varios premios y galardones. Algunas canciones de este álbum se distribuyeron en discos recopilatorios de Japón, Europa y los Estados Unidos. En 2000 lanzó su segundo álbum, "Shogun es Neuton" bajo el seudónimo de JP Juice, seguido en 2001 por el álbum Eléctric Bolero en colaboración con Christoph Spendel y Hakim Ludin.

Genero: Downtempo, Ambient, Electro, Jazz, Lounge


01. Sakura (4:21)
02. Mashine Talk (5:39)
03. Tokyo Blue (4:04)
04. Onori (5:39)
05. Namba Walk (4:53)
06. Keitai Denwa (Moshi) (4:40)
07. Kurakuen (5:21)
08. Game Center (5:35)
09. Across Japan (6:13)
10. Kix Departure (4:08

 

sábado, 12 de diciembre de 2020

diciembre 12, 2020

Nils Frahm - Wintermusik - 2009

Compositor alemán y multi-instrumentista Nils Frahm grabó Wintermusik a finales de diciembre de 2009, Wintermusik es una inmersión total y maravillosa. En sólo tres canciones, Frahm crea un universo particular con un grupo restringido de instrumentos, utilizando principalmente el piano y salpicando con toques delicados de celesta y órgano de lengüeta. El tema de apertura es Ambre, una pieza que nos recuerda el flujo poético de Yann Tiersen. En poco menos de cuatro minutos, Frahm esculpe un patrón melódico que a pesar de repetirse en toda la pieza, se convierte en algo magníficamente elaborado. Nue, que concluye, es una pieza más optimista y ligera, pero su curso más largo (casi nueve minutos) permite a Frahm ampliar el tema principal y darle una resonancia diferente. Tristana es una composición mucho más compleja y refinada, donde el piano, celesta y órgano trabajan mucho más estrechamente juntos para alimentar a la narrativa impresionante de Frahm. Esta pieza con la gracia de flujos y reflujos, cada instrumento parece tomar su giro en particular, la coloración de la melodía con un tono singular, antes de desaparecer en el fondo otro instrumento toma su turno.

Este maravilloso álbum de treinta minutos del pianista Nils Frahm fue pensado originalmente como un regalo de Navidad para sus amigos y familiares.

Tracklist
1 Ambre     3.47
2 Tristana 17.25
3 Nue       8.46 


martes, 15 de septiembre de 2020

septiembre 15, 2020

David Lanz & Paul Speer - Desert Vision - 1987

Desert Vision es un paisaje sonoro de ensueño de exuberantes instrumentales que destacan el hermoso trabajo al piano de Lanz y la guitarra eléctrica de Speer. El trabajo de Speer a la guitarra (y en sus grabaciones en general) parece combinar una sensibilidad pop concisa y melódica con una sensibilidad melancolica que complementa a la perfección el espíritu de este album en su totalidad. Como gran parte de la música New Age, Desert Vision logra maravillosamente evocar el mundo natural de los paisajes azotados por el viento y las puestas de sol del desierto. Pero tiene una dimensión añadida oscuramente enigmática que lo eleva por encima de la tarifa estándar y lo convierte en una muy agradable escucha no simplemente como música de fondo relajante, sino también con canciones atractivas y accesibles.

Paul Speer (guitar, synthesizer)
David Lanz (piano, synthesizer)
Deuter (flute, Tibetan bells)
Richard Warner (flute, saxophone)
John Serrie (synthesizer)
Steve Allen (bass)
Neal Speer (drums)

1 Eagle's Path Lanz 7:16
2 Seguaro Lanz 5:13
3 Desert Rain Lanz 3:24
4 Sculptures Speer 6:52
5 Canyon Lands Lanz 5:04
6 Carlsbad Lanz 5:28
7 White Sands Lanz 4:15
8 Stormlight Speer 5:00
9 Tawtoma 5:00