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sábado, 14 de febrero de 2026

febrero 14, 2026

Pancho Quinto - Rumba sin Fronteras - 2003

 


El percusionista de origen cubano Pancho Quinto, mas conocido en los Estados Unidos como el baterista de la mano poderosa, es un artista dedicado a la tradición y la innovación. Él es maestro de los ritmos de la rumba afrocubana, por su estilo guarapachangeo único, que combina el cajón en forma de caja y los tambores batá, En este CD, que se llama Rumba sin fronteras, Quinto está acompañado por una impresionante lista de músicos cubanos y norteamericanos, con el pianista Omar Sosa, el percusionista del área de la Bahía, John Santos, el cantante Octavio Rodríguez, el saxofonista Enrique Hernández, y los vocalistas Lázaro Rizo y Guillermo "El Negro" Triana. Crean una grabación espléndida y sincopada como antiguos himnos ancestrales de la Madre África y la América moderna como el hip-hop del siglo 21. los mejores temas como "La Gorra" y la kalimba "Sosa En El País De Las Maravillas" que representan la electro-fusión folclórica, mientras que el "Bolero En Medio Del Carnaval", "A Esos señores", y "Aspirina" el mejor ritmo síncopado secular y sagrado de Cuba. Con entusiasmo y visión, Pancho Quinto demuestra que la extensión de África en las Américas ofrece una fuente inagotable de inspiración y de invención.

La música de Pancho Quinto es un crisol único de elementos rítmicos y armónicos rara vez se escuchan en la música contemporánea las innovaciones en las características de la percusión de la rumba cubana. Rumba Sin Fronteras pone de relieve el espíritu de la improvisación que hace Pancho como una fuerza importante en el desarrollo de la música cubana es uno de los grandes innovadores del mundo de la percusión. En esta grabación, varias generaciones de músicos colaboran en una asombrosa mezcla de las tradiciones afro-cubanas y afro-americanas, con la creación de una "rumba sin fronteras".


Personal:

Pancho Quinto (quinto, bata, percussion);

Guillermo "El Negro" Triana, Lazaro Rizo (vocals);

Gregorio Landau (guitar);

Octavio Rodriguez (quinto, bata, percussion);

Enrique Fernandez (soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone);

Omar Sosa (piano, keyboards, marimba);

Jesús Diaz (drums, timbales);

Miguelito Miranda (bata, claves);

John Santos (bata, percussion);

Alexander Nápoles (claves, timbales).


1 La Gorra

2 Bolero en Medio del Carnaval

3 A Esos Señores

4 Sosa en el Pais de las Maravillas

5 Aspirina

6 Solo Mi Arte

7 Caridad

8 Water Please

9 Mi Derrota

10 Cuando Baila Cachita




jueves, 4 de diciembre de 2025

diciembre 04, 2025

Wu Na - Empty Flowers And Brahmacariya - 2014

Wu Na logra combinar la tradición de su China natal y la experimentación que el mundo occidental tiene para ofrecer ...Piezas que presentan un fuerte instrumento y composiciones que transmiten energía. La musica de Wu Na esta inmersa en la tradición, pero al mismo tiempo, también experimenta con composiciones más contemporaneas.

"Empty Flowers And Brahmacariya" es una gran manera de entrar en un mundo desconocido, los instrumentos y la música tradicional china con un artista que combina lo mejor de dos mundos, tradición y clasicismo con la experimentación, creando composiciones muy fuertes, composiciones en las que se sienten las cuerdas y nos muestran todo su poder, donde cada nota puede ser una sorpresa, donde dos mundos se desdibujan, y que la música es un lenguaje universal que no conoce fronteras o ideologías.

01. 东山白云意
02. 心莲
03. 竹语间
04. 智者乐水
05. 陌上花开
06. 茶花乐谷
07. 空山幽禅
08. 淡香拂云
09. 清香幽泉
10. 忆金兰
 


martes, 26 de agosto de 2025

agosto 26, 2025

Amparo Sánchez - Espíritu del Sol - 2014

Espíritu del Sol (2014) es el tercer álbum de la cantante y compositora Amparo Sánchez. Tras la publicación de Alma de Cantaora (2012) y su primer trabajo en solitario Tucson-Habana (2009), ahora, de la mano del sello discográfico World Village, la artista andaluza presenta 12 temas llenos de color y positivismo grabados en Tucson, México, Córdoba (Argentina), Barcelona y Andoain.
 
Espíritu del Sol es un álbum positivo, femenino, y con una visión esperanzadora del mundo y del papel de la mujer en esa nueva humanidad. "El eje principal del disco podría decir que trata sobre el empoderamiento de la mujer, la toma de decisiones, el conectar con el espíritu interior, el lanzarles un mensaje a las mujeres —mi público mayoritario— de que «somos hermanas», que estamos juntas". Musicalmente, va de la rumba al latino, pasando por la cadencia del desierto y los distintos sones del Caribe. Un trabajo nómada y viajero que se deja impregnar por las raíces de algunos de los lugares predilectos de la artista, en el que además ha querido incluir dos soberbias versiones en forma de homenaje: una de Manu Chao y Mano Negra interpretada junto a Joey Burns ("Long long nite"), y otra de la gran Chavela Vargas ("El último trago") con arreglos de Johny Contreras en la que Amparo Sánchez está acompañada por los Mariachis de Tucson. Un álbum de agallas, con mucha alma y lleno de luz.

 01. Plegaria
02. Mi gitana
03. Luces en el mar
04. De este amor
05. Hermosa
06. El último trago
07. De lluvia y barro
08. Rio turbio
09. Cuarteto en Paris
10. No pudo ser
11. Sin nombre
12. Long long nite

sábado, 12 de julio de 2025

julio 12, 2025

Hevia - Obsession

En Septiembre de 2.007 Hevia editó su último disco “Obsessión”. Un trabajo en el que además de los sonidos de la gaita acústica y la flauta, ganan protagonismo sonidos novedosos creados por el propio artista y expresados a través de su gaita midi. Aunque a lo largo de su trayectoria, Hevia se ha inspirado en sonidos tradicionales que combinaba con modernidad, en este álbum las melodías de composición propia cobran más relevancia.
En sus discos siempre ha habido colaboradores coherentes con su discurso. En Obsessión, el Coro Minero de Turón aporta una increíble y emocionante fuerza en Albandi. El gran músico Ramón Prada orquestó a la Orquesta Sinfónica de Ciudad Real que interpretó magistralmente la cuerda del disco. En Keltronic está presente el particular sonido de la excepcional Judith, una violinista celta de Cuenca. En The Morning Star, Carlos Aragón, uno de los luthiers de Hevia, Parrado y Aragón, aporta la magia de la uillean pipe. Faltriqueira suma intensidad con sus bellas voces en Carrandi. Joaquín Torres interpreta excelentemente la guitarra en Taranus.

El último tema “Lluz de Domingu”, es el tema central de la pelicula de José Luis Garci “Luz de Domingo”. En esta película, además, Hevia hace un cameo. Aparece tocando la gaita en una procesión al comienzo del largometraje.

01. Albo
02. Albandi
03. Obsessión
04. Los mártires de Rales
05. Vueltes
06. Carrandi
07. Soy pastor
08. Keltronic
09. Morning star
10. Keltic brass
11. Taranus
12. Lluz de domingu

Fuente: http://blog.hevia.es/?p=18

viernes, 11 de abril de 2025

abril 11, 2025

Nitin Sawhney - Last Days of Meaning - Gran Bretaña - 2011

 


Era perfectamente lógico que Nitin Sawhney, un artista que por entonces había compuesto casi una treintena de bandas sonoras, y que aparecería recurrentemente en tertulias políticas en la televisión británica, decidiese aunar ambas facetas en un mismo álbum. Last Days of Meaning no es una banda sonora, no existe ninguna pieza audiovisual en la que suenen estas piezas, pero sí fue concebida como tal, siguiendo una lógica narrativa. En ese sentido, forma parte de la categoría de las falsas bandas sonoras, aquellas que imitan de manera más o menos rigurosa las peculiaridades de tan codificadas creaciones musicales. También es una obra socialmente comprometida, de las que reciben la discutible etiqueta de ‘políticas’: ¿acaso la música que nos vende un despreocupado mundo consumista no es política también? London Undersound ya ofreció una emotiva y lúcida mirada a los atentados terroristas que sufrió Londres el 7 de julio del 2005, y ésta es una interesante continuación, musical y temática.


Last Days of Meaning, poético título, nos presenta a Donald Meaning, un huraño anciano que se encierra en una habitación con la única compañía de una grabadora enviada por su ex-mujer.  En el ocaso de su vida, tiene miedo de lo desconocido, del terrorismo, de los inmigrantes, del mundo exterior en general.  Pensad en el personaje interpretado por Clint Eastwood en Gran Torino, sólo que sin la fenomenal evolución. Aquí es el actor John Hurt el que le presta su maravillosa voz a Donald Meaning, cuyas delirantes o demenciales reflexiones escuchamos en hasta ocho interludios. Entre tanto, suena la música de Nitin Sawhney, piezas que se erigen como atractivas respuestas a los dogmatismos y prejuicios del anciano. A sus miedos opone la reflexión, la esperanza, la constatación de que, a pesar de todo, este es un bello universo ante el que merece la pena permanecer ilusionado.


Las letras juegan un papel esencial en ese mensaje, claro está, pero es la música la que más eficazmente apoya su tesis. ¿Qué mejor que las bellas composiciones de Sawhney para creer justamente en ese concepto, en la belleza? Piezas que adquieran mayor fuerza todavía precisamente por el contraste con las palabras de Donald Meaning, a las que John Hurt imprime un extraordinario dramatismo no exento de humanidad. Musicalmente, Last Days Of Meaning es tan ambiciosa como de costumbre, y como suele ocurrir en la discografía de Nitin Sawhney, la variedad está asegurada. Ahora bien, al tratarse de un álbum concepto, loable atrevimiento en una época de consumo de singles, la cohesión es uno de sus alicientes. Sus creaciones oscilan entre el más creativo pop, la reinterpretación modernizada de la música tradicional hindú y composiciones de índole orquestal claramente deudoras de sus compromisos fílmicos. Todo esto en una asombrosa sucesión de vocalistas que colorean estas inspiradas melodías, y sin que la alternancia de fragmentos hablados y piezas musicales arruine la fluidez del conjunto. Espléndido álbum.


Tras escuchar toda esta música en la grabadora que le ha enviado su ex-mujer, alguien llama a la puerta de Donald Meaning. Tras preguntar quien es, se levanta y la abre. Se escucha el viento del exterior y una voz de mujer: “¿cómo estás?”.  


Pistas:


01 - The devil and midnight (feat. Yolanda Quartey)

02 - Reflection 1 (feat. John Hurt)

03 - Confessions from the womb (feat. Tina Grace & Jon Bilbrough)

04 - Reflection 2 (feat. John Hurt)

05 - Say you will (feat. Nicki Wells & Jon Bilbrough)

06 - Reflection 3 (feat. John Hurt)

07 - I'm done (feat. Hannah Peel)

08 - Kite (feat. Soumik Datta & Nicki Wells)

09 - Reflection 4 (feat. John Hurt)

10 - Projector (feat. Tina Grace & Jon Bilbrough)

11 - Reflection 5 (feat. John Hurt)

12 - Daydream (feat. Ashwin Srinivasan)

13 - Tender world (feat. Nicki Wells)

14 - So long (feat. Yolanda Quartey & Rajrang)

15 - Reflection 6 (feat. John Hurt)

16 - Laugh (feat. ESKA)

17 - Reflection 7 (feat. John Hurt)

18 - Taste the air (feat. NATTY)

19 - Reflection 8 (feat. John Hurt)





martes, 28 de enero de 2025

enero 28, 2025

Wim Mertens - Maximizing The Audience - Grabaciones Accidentales - 1988

Es posible que Wim Mertens constituya por sí sólo, más allá de denominaciones, un pequeño fenómeno. Tras muchos años de carrera, discos de variada temática y conciertos con diversidad de acompañamientos, consigue sobreponerse a cualquier crisis de la industria gracias a un talento desbordante, y continúa arrastrando en sus conciertos a un público fiel, que parece aumentar día tras día. Quizás gran parte de ellos desconozcan que una de sus obras más emblemáticas, "Maximizing the audience", proviene de un encargo para componer la música de una obra de teatro escrita por el artista, dramaturgo y coreógrafo belga Jan Fabre titulada "The power of theatrical madness", obra polémica de vanguardia europea que, a pesar de su negativa recepción popular, fue considerada como atrevida, inquietante y desgarradora por parte de la crítica; seguro que la música de Mertens, para bien o para mal, no pasó desapercibida. 
Bass Clarinet, Clarinet [Eb], Soprano Saxophone – Dirk Descheemaeker
    Cello – Monique Laperre
    Composed By, Arranged By, Producer – Wim Mertens
    French Horn – André Van Driessche
    Percussion – Marc Bonne
    Piano – Hans François
    Piano, Voice – Wim Mertens
    Viola – Kris Van Severen
    Violin – Geoffrey Maingart
    Voice – Ine Van Den Bergh, Minne Pauwels, Valerie Koolemans-Beijnen

1     Circles     18:28
2     Lir     18:18
3     Maximizing The Audience     11:43
4     The Fosse     4:34
5     Whisper Me     19:02

viernes, 2 de febrero de 2024

febrero 02, 2024

William Ellwood - Vista - 1989



William Ellwood artista nacido en Canadá  desarrolló un interés por la música renacentista y barroca, aprendió a tocar el laúd, y, finalmente, diseñó una guitarra de 7 cuerdas para poder transcribir piezas para laúd sin sacrificar ningún acorde. Las tendencias de la música clásica de Ellwood son evidentes en sus grabaciones con Narada, aunque su música tiene una sensación suave y contemporánea.

William Ellwood es otro  gran maestro de la guitarra de la New Age. pero no es un aventurero como Bensusan, él es un musico que demuestra su habilidad finamente controlada del estilo fingerstyle dentro de los límites de lo tradicional.

Grabado en el Nightnoise estudio de Billy Oskay, cuenta con un elenco de musicos de lujo, que le dan profundidad y elegancia a este genial disco.

William Ellwood: Steel String, Nylon string an Midi guitars keyboards
Billy Oskay: Violin, Keyboards
Robert O'Hearn: Keyboards
Caton Lyles: Hand percussion-bugaraboo, Sabero, Kutrindingo,Kutriba, Bongos
Gregg Williams: Midi Percussion
Randy Tico: Fretless Bass
Tim Gilson: Acoustic Bass
Dan Pettis: Piano on "Sky Games"
George Mitchell: Harpsichord on "Scarborough Fair/Cantlice
Arranged and Produced by Billy Oskay
Recorded mixed and engineered by Billy Oskay at his Nightnoise
Studio, Portland Oregon Feb-May 1989.

    1. The Logic Of Love 3:40
    2. Scarborough Fair/Canticle 3:46
    3. In The Middle Distance 4:31
    4. A Path With Heart 3:45
    5. Lonestar 3:40
    6. Beside The Night 3:59
    7. Riding The Moon 3:35
    8. Ivory Wind 3:46
    9. Holly’s Song 3:45
    10. Sky Games 4:02 


martes, 3 de enero de 2023

enero 03, 2023

Souad Massi - Raoui - 2001

Souad Massi es la artista que guía a la nueva generación de músicos/as de Argelia. Con su dulce voz canta en árabe una música que está próxima al folk-rock, un delicado folk-rock argelino rico en suaves armonías, que refuerza con unas letras humanas y sensibles. Nacida en Alger en 1972 en el seno de una familia de artistas, a los 17 años Souad ya corría por los escenarios de su país, guitarra al hombro, actuando en solitario. En su formación ha bebido de muchas fuentes musicales: folk, country, música clásica, arábigo-andaluza, chaâbi argelino, raï… En su música influyen las tres culturas que conviven en su Argelia natal: la cultura amazigh de la Kabylia (bereber), la árabe y la francesa.

Publica su primer trabajo en 1997 y bate récords de ventas. Comienza a tener dificultades en su país (por lo que representaba el expresarse libremente una mujer) y es entonces cuando le llega una invitación para participar en el festival "Mujeres de Argelia". París descubre a Souad Massi y se queda impresionada por su presencia, superando las barreras del lenguaje. Tras el concierto, firma con el sello Island-Mercury la publicación de Raoui en 2001, con una acogida que desbordó todas sus previsiones. Tuvo también el apoyo de algunos de sus paisanos como Idir, la Orchestre National de Barbès y otros músicos con los que compartió escenarios; posteriormente grabó algunos dúos con artistas reconocidos, de los que destacó "Noir et blanc", grabado con Ismael Lô, un tema que surge como reacción a la ola xenófoba que recorre el mundo tras los sucesos del 11 de septiembre neoyorkino y que está incluido como bonus track en una edición posterior del disco.

Tracks list:
01. Raoui
02. Bladi
03. Amessa
04. Tant pis pour moi
05. Noir et blanc (duo con Ismael Lô)
06. Hayati
07. Nekreh el Kelb
08. Denya
09. Khsara Aalik
10. Rani Rayha
11. J'ai pas de temps
12. Awham
13. Lamen
14. Enta Dari
15. Matebkiche
16. Paris (duo con Marc Lavoine)
17. Tant pis pour moi (versión single)
Sitio web oficial: Souad Massi

sábado, 3 de septiembre de 2022

septiembre 03, 2022

Hanine y Son Cubano - 10908 km - 2002

Hanine y Son Cubano es una banda que fusiona la música cubana y la árabe, formada en 1999 por el artista y visionario productor de vanguardia greco-libanés Michel Eléftériades (productor, también, de otros interesantes proyectos como el de The Chehadé Brothers).

Sentado en un Café de la Habana Vieja, Elefteriades se sorprendió tarareando una canción que él reconoció como tema de la cantante libanesa Asmahane titulado "Ya habibi ta'ala", que en español se titulaba "El Huerfanito", tratando la letra la misma temática que la versión en árabe. Maravillado de que aquella composición hubiese cruzado mares y fronteras, se le ocurrió fusionar géneros musicales cubanos y árabes. Michel tardó un par de años en hacer realidad el proyecto. Seleccionó siete de los mejores músicos cubanos (Cuban All Stars Orchestra, con el legendario Marcelino Linares) y a la cantante árabe Hanine Abou Chakra, que unirían su talento para llevar a cabo este experimento musical único: una selección de temas clásicos árabes con arreglos cubanos. Siguió un año entre ensayos, grabación, mezclas y la organización del tour de conciertos. El éxito fue impresionante. El álbum entró como agua fresca en el mercado libanés y permaneció en el nº 1 de las listas de ventas durante un año.

Tracks list:
01. Baladi (salsa salsita)
02. Zourouni (visitame)
03. Lama aa tarik el ein (la fuente)
04. Chaghalouni (ojos del alma)
05. Zeh´ani (soledad)
06. Bhebak w menak khaifi (no llores)
07. Imlali (llename la copa)
08. Arabo-cuban improvisation


jueves, 4 de agosto de 2022

agosto 04, 2022

Michael Gettel - San Juan Suite I - II

A veces la insistencia de un artista por dar a conocer su música da sus frutos con el tiempo y a pesar de las dificultades y limitaciones propias de este tipo de música tan minoritaria. El éxito de Michael Gettel se basa en esa insistencia, pero no la suya sino la de su cuñado, entusiasmado tras escuchar una cinta de sus composiciones. Así fue como este profesor de piano residente en Seattle vio publicado su primer trabajo, "San Juan suite" (1986, Miramar Recordings), inspirado por la belleza exótica de las islas San Juan, en el Pacífico.

Que Gettel sea un pianista New Age no significa que su música esté cercana a la de otros pianistas englobados en esta misma etiqueta como George Winston o David Lanz (aunque en realidad posee puntos en común con este último). El piano de Gettel es más delicado, relajante, y gusta de incluir sonidos naturales, como los cantos de las ballenas en la obra que nos ocupa, uno de esos discos que venden miles de copias de modo sorpresivo gracias al boca a boca y a radiodifusión en pequeñas emisoras independientes. "Sucia", "Orcas" o "Summer rain" son preciosas composiciones de piano solo de un Michael Gettel que posteriormente añadiría otros elementos en su música, pero que en esta primera etapa se nos muestra en la total intimidad de su piano.

En ocasiones calificar un disco como 'bonito' podría equivaler a cursi, a música de documental sobre la naturaleza. "San Juan suite" es un disco bonito, fácil de escuchar, pero su interpretación y las sensaciones que transmite dicen mucho sobre él y sobre su autor.

   1. Sucia/Shallow Bay
   2. Orcas
   3. Summer Rain
   4. The Straits
   5. Whale Song
   6. Rosario
   7. The Kelpie
   8. Watercolors
   9. Drifting



Han transcurrido nueve años desde el lanzamiento de mi primer álbum, SAN JUAN SUITE. Ese álbum se mantiene cerca de mi corazón, no sólo porque fue el primero, sino debido a los innumerables recuerdos de este lugar mágico tiene para mí. Y lo que parece, después de seis discos de otros lugares que visité, reavivó los recuerdos y una gran diversidad de influencias musicales, he vuelto a las islas eternas y un formato acústico para la inspiración. Aquí se encuentra una colección musical que no hace ningún intento de copiar la obra original, sino que para completar el circulo de una manera que es a la vez familiar sino que, además de su propio "ser". Esta vez tengo una visita conmigo en mis viajes, alguien que conoce a mi lado musical mejor que nadie. La adición de Sandin en el bajo sin trastes, tomó la música en una dirección completamente nueva. Las sesiones de estas canciones son muy espontáneas y, para mí, fueron algunos de los momentos más mágicos que he compartido en el estudio. La suma de los sonidos ambientales y las voces cameo de Randy sólo parecía mejorar las prestaciones. Para los oyentes que han sido tocados con SAN JUAN SUITE, espero que esta colección pone nuevas canciones a recuerdos antiguos y para coleccionar. Y para aquellos que son nuevos en este paisaje sonoro, puede descubrir cómo realmente notable estas islas son y la hacen suya.



viernes, 31 de diciembre de 2021

diciembre 31, 2021

Chen Min - I Wish - China

Chen Min Nació en Suzhou en la provincia de Jiangsu, aprendió a tocar el erhu con su padre a la edad de seis años, y se mudó a Japón en 1991 para estudiar la cultura japonesa.

Después de su graduación ella comienza oficialmente su carrera como artista intérprete del Erhu. Su primer album "I Wish", comenzó con la tendencia de la música china y el boom del erhu.

En el año 2003, recibió el premio especial de los "17th Annual Japan Gold Disk Awards".

Chen Min toca el Erhu un instrumento chino de dos cuerdas similar a un violín. La música es una mezcla maravillosa de este fabuloso instrumento de cuerda y los instrumentos occidentales como el piano, la guitarra, el violín, el violonchelo, el contrabajo, la percusión, etc. La música de Chen Min une la elegancia oriental y la occidental.

Chen Min toca el Erhu con habilidad y pasión. Se siente como si el artista y el instrumento sean uno.  Escuchando el álbum se podría pensar que ella ha llegado a los límites de su instrumento. Pero con una habilidad pasmosa, te sorprenderá porque te llevará a un nivel completamente nuevo. Creo que hace con el Erhu lo que Yo Yo Ma hace con el violonchelo. Su música es increíble y maravillosa.

1     Tsubame Ni Naritai 4:26    
2     KizunaChen 4:43    
3     Nisen Eigetsu 6:05    
4     Konan No Kaze 5:42    
5     Namino Kanatani 4:29    
6     The Eternal Vow 3:13    
7     Asian Waltz 3:33    
8     Hatenaki Omoi 4:31    
9     Tsubame Ni Naritai 5:08


miércoles, 20 de octubre de 2021

octubre 20, 2021

Julie Fowlis - Uam - 2009

Julie Fowlis goza de un carisma, frescura y naturalidad asombrosas; su voz emana una dulzura y una pureza que hace convocar energía positiva a su alrededor como prácticamente ningún otro artista de su generación es capaz de transmitir.
Su último álbum de estudio, UAM (Para mí) nacía con la seguridad que el rigor y el trabajo bien hecho proporcionan y con la responsabilidad que confiere el tener a una legión de seguidores pendientes de lo que uno hace. Trece temas conforman el tercer álbum en solitario de la intérprete escocesa de música tradicional más importante del panorama contemporáneo que el diario The Sun puntuó con 5***** y The Guardian con 4****. Un trabajo que continúa ahondando en la misma línea estética emprendida en sus anteriores trabajos y que servía de homenaje a todo lo aprendido, a las experiencias vividas en estos últimos años  y más globalmente, a la importancia que la transmisión oral de la música tiene en su Escocia natal. Como apunta la propia Julie acerca de la idea conceptual del disco: “Cuando aprendo una nueva canción tradicional es como si recibiese un regalo porque, realmente, las canciones siempre son más importantes que los intérpretes que las hacen suyas solamente por un tiempo”.

Colaboraciones varias se suman a la participación capital de los excelentes músicos que forman el proyecto en directo, a estos se les suma Phil Cunningham, Mary Smith, Eddie Reader, Allan MacDonald, Jerry Douglas, Sharon Shannon y Ewan Vernal además de otras participaciones muy especiales, las de los familiares Tom Doorley y Michelle Fowlis.

UAM ha vuelto a capturar la atención de medios especializados y de un público que ha caído rendido ante la voz subyugante y la honestidad de esta intérprete que se rodea de un grupo de músicos excepcionales. Como muestra, la revista MOJO coloca a UAM como el décimo mejor disco Folk del año.

 


Fuente: http://www.elcohete.com/juliefowlis.htm

domingo, 17 de octubre de 2021

octubre 17, 2021

Hindi Zahra - Homeland - 2015



Hindi Zahra, cantante, compositora y multi-instrumentista de origen bereber, es una artista imbuida de Marruecos y su diversidad cultural más allá de sus fronteras. Homeland es su segundo álbum (2015), grabado entre Marrakech, Essaouria, Córdoba y Paris, y en el que participan las impresionantes guitarras de la estrella tuareg Bombino y el gitano Juan Fernández "Panki".
Homeland es un trabajo impresionante, donde muestra su fino control vocal en las frescas y luminosas baladas compuestas en inglés y francés indistintamente, con influencias flamencas o del blues del desierto respirando en cada canción. El disco es jazz, soul, chanson, folk, pop, es todo a la vez, canciones que van más allá de las fronteras, difícil de clasificar (como muestra, el precioso "Cabo Verde" cantado en bereber). Lo que prima sobre todos estos estilos musicales es la dulzura de su voz, los excelentes arreglos musicales y la frescura de una propuesta musical que entrelaza magistralmente la tradición y la vanguardia.

01. To The Forces
02. Silence
03. Any Story
04. Un Jour
05. Can We Dance
06. La luna
07. The Blues
08. Broken Ones
09. Dream
10. Cabo Verde
11. The Moon Is Full



jueves, 8 de julio de 2021

julio 08, 2021

Zenet - Todas las calles - 2010

Todas las calles es el segundo trabajo de Toni Zenet en solitario, tras el éxito de Los Mares de China con el que fue premiado como Artista Revelación en la "XVI Edición Premios de la Música" en España. Como el mismo artista indica, con Todas las calles deja en puerto el barco que le llevó a recorrer Los Mares de China, para patear las calles de todas las ciudades del mundo. Su paseo recorre las calles de Nueva York, Lisboa, Salvador de Bahía, La Habana, Cádiz... a veces, incluso, varias de estas ciudades en una misma canción.

El disco ha sido grabado con el mismo equipo que el anterior, músicos de primerísima fila que han acompañado a Zenet en la extensa gira que ha realizado en estos dos años últimos años, y que han sido el complemento perfecto a la voz, el carisma y la pasión de Zenet sobre el escenario. Cuenta, también, con la misma exquisita producción, llena de matices y de delicadeza en momentos, y con la fuerza de un ciclón en otros.

Las letras, otro de los puntos fuertes de este artista, siguen a cargo del gran poeta Javier Laguna, que ya escribiera las del disco anterior, y la música corre a cargo del propio Zenet, José Taboada y Juan Ibáñez. Tango, bossa-nova, swing y jazz a cargo de este "crooner andaluz" que suena a música de siempre.

Tracks list:
01. Ella era mala
02. No lo dudes
03. Amaneció sin querer
04. Todo lo que nos quisimos
05. Tu amor es tanto
06. Fue por casualidad
07. ¿Por qué no me dejas?
08. Piedras al sol
09. 30 de febrero
10. La última bala
 


domingo, 20 de septiembre de 2020

septiembre 20, 2020

William Ellwood - Renaissance - 1987

William Ellwood, nos ofrece un conjunto de obras sutiles que elegantemente expresan su amor por la música renacentista y barroca en un contexto actualizado. Teclados, percusión, flauta, fagot se utilizan con moderación y de manera efectiva por varios artistas invitados (incluyendo también el canadiense Bill Douglas).
Es un álbum maravilloso con matices melancólicos, Música muy simple que toca el alma con imágenes de tiempos pasados y de la tranquilidad de un jardín de otoño.

William Ellwood (guitars)
Warren Wiegratz (flutes, keyboards)
Bill Douglas (bassoons)
Carl Horton, David Vartanian (keyboards)
Charles Desjardin, John Seydewitz (percussion)

1. Renaissance
2. Feminine Patterns
3. Magic Road
4. Inidicaitons of Light
5. Signals
6. La Trouvére
7. Frost and Fire
8. Gabriella 
 

domingo, 16 de agosto de 2020

agosto 16, 2020

Kailash Kher & Kailasa - Yatra - Nomadic Souls - 2009

En un país con más de mil millones de personas, innumerables idiomas y multitud de influencias musicales, se necesita un talento especial para sobresalir entre la multitud como un artista. Por suerte, el talento es lo que Kailash Kher tiene a sacos llenos.

Uno de los cantantes/compositores más populares en la India en este momento, Kailash Kher, llamó la atención en 2002 con su éxito, "Alá Ke Bande". Desde entonces se ha convertido en un nombre familiar que participa en más de 150 bandas sonoras de películas Hindi, graba más de 400 sintonías de radio y televisión y se presenta en Indian Idol y en otros programas de televisión.

Además de esto, Kher ha encontrado tiempo para colaborar con los hermanos músicos Naresh y Paresh Kamath para formar la banda Kailasa, que se ha convertido en uno de los grupos más populares en el subcontinente.

Yatra (Nomad Souls) es su lanzamiento internacional (2009), a cargo del sello Cumbancha, es una excelente introducción a la música de la India contemporánea, y una colección de nuevas canciones junto a grabaciones de estudio y acusticas de algunos de sus éxitos más admirados.

La incorporación de elementos espirituales de cantos sufíes, Rajasthani ritmos gitanos, la danza Punjabi y otros estilos regionales, fusionados con guitarra eléctrica, ritmos modernos y una gran variedad de instrumentos tradicionales, hacen que Yatra se eleve por encima de la música de este género. A menudo se ha comparado a Kher con el difunto maestro qawwali Ustad Nusrat Fateh Ali Khan, y con razón. Su destreza vocal y letras que evocan el misticismo sufí dá, como resultado, hipnotizantes canciones como "Dilruba", "Kaise Main Kahoon" y "Jhoomo Re".

Tracks list:
01. Kaise Main Kahoon (International Version)
02. Dilruba (International Version)
03. Guru Ghantal
04. Turiya Turiya
05. Chandaan Mein
06. Kar Kar Main Haara
07. Tauba Tauba (International Version)
08. Bheeg Gaya Mera Maan (Cherrapunjee)
09. Piya Ghar Aavenge 03:57
10. Na Batati Tu (Na Dhin Dhin Dhin Na)
11. Rang Rang Ma
12. Jhoomo Re (International Version)
13. Teri Deewani (Unplugged)
14. Joban Chaalke (Unplugged)


miércoles, 8 de julio de 2020

julio 08, 2020

Rodrigo Leão & Vox Ensemble - Theatrum

Su primer trabajo en solitario, Ave mundi luminar, le mostró como un artista muy original, metido de lleno en la new age, aunque él mismo ha dicho que con más presupuesto hubiera sido concebido para ser grabado por una gran orquesta. Su ópera prima tuvo como continuidad Mysterium. Antes de llegar a Theatrum, Rodrigo Leáo ha tenido varias experiencias como compositor de bandas sonoras.
Para hacer Theatrum, Leao se refugió dos años en Ericeira, un pequeño pueblito marinero muy cerca de Lisboa. Llegó a escribir más de 30 temas experimentando sonidos y propuestas poco obvias, un minimalismo que se basa en la atención a los detalles y pormenores de la obra. En esa experimentación, Leao utiliza el latín clásico en todos los textos, a excepción de un fragmento en ruso.

Tracks
01 - In Memoriam
02 - Odium
03 - Nulla Vita
04 - Dies Irae
05 - O Corredor
06 - Solitarium
07 - Locus Secretus
08 - Contra Mundum
09 - Ruinas
10 - Solve me Lucto
11 - O Novo Mundo

viernes, 26 de junio de 2020

junio 26, 2020

Paul Winter - Wintersong - 1986

Wintersong es un álbum lanzado en 1986 por Paul Winter, con el Paul Winter Consort,  Wintersong  se ha convertido en uno de los discos favoritos de los seguidores del artista  de Living Music. Este magnifico ramillete de canciones es un homenaje a la temporada de invierno, el disco mezcla tratamientos clásicos y de jazz de melodías folclóricas norteamericanas y europeas tradicionales poco conocidas con ritmos brasileños.

Paul Winter - soprano sax
Rhonda Larson - flute
Paul Halley - piano, organ, harpsichord
Eugene Friesen - cello
Nancy Rumbel - oboe, English horn
Dan Carillo - steel-string guitar
Ted Moore - orchestra bells, surdo, percussion
Neil Clark- donno, bells, percussion
Oscar Castro-Neves - classical guitar
Russ Landau - bass
Guilherme Franco - snare drum
Marcio Supal - cuica, whistle

01 - Tomorrow Is My Dancing Day" (Trad. English)
02 - Swedish Song" (Gustaf Nordqvist)
03 - The Cherry Tree" (Trad. Appalachian)
04 - Little One" (Trad. Appalachian)
05 - Peasant Revels" (Trad. German and English)
06 - Dance Of The Golden Bough" (Trad. Italian)
07 - Beautiful Star" (Odetta)
08 - Wintersong" (Trad. French)
09 - Joy" (JSBach)

domingo, 7 de junio de 2020

junio 07, 2020

Tor Dietrichson - Global Village - 1987

Tor Dietrichson es un percusionista, cantante, compositor, educador musical y artista reconocido a nivel nacional con más de 35 años de experiencia. Su amplio conocimiento tanto de la tabla india oriental y la conga Afro cubana le da una perspectiva única. Ha sido beneficiario de una subvención de la Comisión Estatal de las Artes para enseñar tambores y tabla india y ha recibido el prestigioso Premio Min-On Art de Daisaku Ikeda, quien es el líder de la Soka Gakkai Internacional, una organización budista laica.
A los 16 años, se mudó de Seattle a la zona de la bahía a los 18 estudia tabla con Zakir Hussain, convirtiéndose en el miembro más joven de la legendaria Diga Rhythm Band con Zakir Hussain y Mickey Hart baterista de Grateful Dead. Ellos ensayan sin cesar a diario, tocaron en algunos grandes conciertos y lanzaron el álbum, Diga, en 1976. También grabó y tocó con The Grateful Dead, ha tocado en numerosos conjuntos Latinos, incluyendo uno con Karl Perazzo y Rebeca Mauleón, y dirigió su propio grupo de Latin-Jazz-Salsa ThunderGod and the Underdogs, que contó con el legendario pianista Carlos Federico, el saxofonista Martín Fierro y el guitarrista Steve Kimock.

Volviendo a Seattle en 1982 a los 26 años, comenzó su próximo proyecto. Tambo con esta nueva banda mostró su talento como compositor y firmo un contrato de grabación con Global Pacífic. En 1987 lanzó con Global Pacífic Global Village el álbum se distribuye en todo el mundo. El álbum alcanzó el puesto #2 en las listas de la New Age y el #7 en las listas de la Nueva musica contemporánea. El álbum contó con Zakir Hussain, el flautista Paul Horn, el guitarrista Joaquín Liévano y fue producido por el aclamado violinista Steven Kindler, quien también tocaba el violín y teclados en el álbum.
From Ancient and primitive rhythms to exciting and contemporary compositions, this musical travelogue explores the sounds of Africa, India, Latin America, Persia and the Far East.

Personal:
Dallas Smith, Paul Horn, Zakir Hussain, Steve Kindler, David Friesen, Joaquin Lievano, Scott Cossu

1. Global Village
2. Rupak
3. Shadow Puppets
4. The Conjurer
5. Tambo
6. Carnival Rhumba
7. Minarets
8. Tabla Tala
9. Khartoum
10. Homeward Journey
Web Oficial
http://www.tordietrichson.com/

sábado, 30 de mayo de 2020

mayo 30, 2020

Hasna el Becharia - Djazair Johara - 2001

Hasna el Becharia es una mujer comprometida, de espíritu libre e inconformista. Una artista nacida en el sur de Argelia que, desde muy joven, sintió la necesidad de ir contracorriente y defender, con su música y su actitud valiente, los derechos de las mujeres de Argelia y del Sahara. Heredera de un linaje de músicos gnawas, su primer paso de rebeldía fue el de aprender, escondida, a tocar el guembri, un instrumento de cuerda de origen gnawa reservado solo a los hombres. El siguiente, dar vida a una música de ritmos extraordinarios acompañándose de la guitarra acústica y eléctrica, invitando, con los sonidos tradicionales de gnawa, a entrar en tránsito, interpretando temas populares y composiciones personales.

Después de treinta años de carrera, el primer álbum de Hasna, Djazair Johara (2001), lleno de trepidantes ritmos tan propios del Magreb y el Sahara, tiene una fuerza cercana a lo que podría ser el rock. La instrumentación es sencilla pero vibrante y los coros impresionantes; el contenido, todo un canto reivindicativo.

Tracks list:
1. Bouri Bouri Manandabo
2. Djazaïr Johara/Ah Oueja
3. Koul Chi Al Oualidine
4. Jinger Mama
5. El Lil Lil, El Lilibiya
6. Hakmet Lakdar
7. Lala Y Lala/Ya Loubena
8. Brani Britou
9. Radi Braïde