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lunes, 6 de julio de 2026

julio 06, 2026

Azam Ali - From Night To the Edge of Day - 2011

Tercer disco en solitario de Azam Ali, su disco más personal e íntimo en el que recopila una serie de nanas y canciones de cuna de Oriente Medio (algunas escritas por ella misma y su hijo) en un álbum delicado y cálido, melancólico y sereno, centrado principalmente en la armoniosa voz de Ali, y en el que colaboran sus compañeros de Niyaz, Loga Ramin Torkian y Carmen Rizzo.

El nacimiento de su primer hijo es lo que ha inspirado a la canadiense de origen iraní Azam Ali a grabar un álbum de nanas y canciones de cuna, From Night To the Edge of Day (2011). Un álbum que recoge su memoria sentimental, canciones de ensueño, de sonidos ricos y exhuberantes, suaves y de texturas melancólicas, contemplativas, en los que se sustenta la voz evocadora de Ali arropada por las sonoridades del tradicional oud y de las cuerdas.

Aunque el disco tuvo su origen en las nanas que cantaba Ali a su hijo, el proyecto creció rápidamente, revisando canciones de cuna de todo Oriente Medio, muchas de ellas pertenecientes a comunidades minoritarias como la kurda iraquí y la azerbaiyana iraní. Otras proceden de Turquía y Palestina. Temas que remodela y que se convierten en algo más que simples nanas: un mensaje personal para todas aquellas generaciones futuras para poner fin a las luchas y conflictos inter-étnicos que arruinan la región. Y aunque el trasfondo es la opresión, la guerra y el exilio, la voz de Ali conlleva en sí el cálido sonido de la esperanza de que una generación futura tenga una visión más iluminada que les permita vivir en una coexistencia pacífica.

Hermosos temas que incluyen canciones del folklore turco, como "Dandini" y "Neni Desem"; "Lai Lai", una bella melodía kurda en dialecto soranî; la nana tradicional de Azerbaiyán "Shirin"; "Tenderness" (composición propia de Ali), temas que musicaliza ("Nami Nami" y "Mehman", de Irán), y una preciosa canción compuesta, especialmente para Azam y su hijo, por el cantante e intérprete de oud palestino Naser Musa, "Faith".

Disco dedicado a su hijo Imán, "Estas canciones, que canté para ti durante los primeros años de tu vida, son mi pequeño regalo para ti, para que siempre recuerdes estas melodías y lo que representan para tu madre. Somos gente de Oriente, y aunque nuestros caminos nos han llevado lejos de la tierra a la que pertenecemos, nuestro legado es profundo como el más antiguo de los árboles, y nuestras canciones cuentan historias que nunca deben ser olvidadas. Mi gran esperanza es que siempre permanezcas conectado a estas raíces y que encuentres tu propio camino donde ellas perduren".

01. Noor (The Light In My Eyes)
02. Dandini
03. Nami Nami
04. Neni Desem
05. Shrin
06. Mehman (The Guest)
07. Faith
08. Tenderness
09. Lai Lai
10. Faith (Reprise)



martes, 2 de diciembre de 2025

diciembre 02, 2025

Rachid Taha - Made in Medina - 2000

Rachid Taha, el hombre que construyó esa pequeña choza en la carretera donde el rock'n'roll conoció la música del norte de África y se enamoró, falleció el pasado 12 de septiembre. Era un lugar salvaje y solitario, lleno de controversia y transgresión cultural, no apto para débiles de corazón o espíritu. Solo un músico de su coraje intelectual y originalidad sin concesiones pudo haberlo habitado durante tanto tiempo.

Taha, icono cultural dentro y fuera de Francia, fue uno de los principales responsables de la popularización, fuera de África, de la música chaâbi argelina, mezclándola con el räi, rock, punk, techno y otros estilos, un eclecticismo cultivado sin ningún tipo de complejo.

Denunció a lo largo de su carrera las políticas de migración francesas, el rechazo al pueblo árabe, el racismo, la xenofobia, el ascenso del fascismo -tanto en los 80 como hoy en día- o la homofobia. "Ya Rayah", en su magnífico Diwân (1998), es una versión de Dahmane El-Harrachi que se convertiría en himno para las y los migrantes de Argelia.

En Made in Medina, grabado en 2000 en Londres, New Orleans y París, Taha lleva la combinación entre rock y los sonidos norteafricanos a su punto más alto. Producido también por Steve Hillage (al igual que hiciera con Diwân y Diwân 2), el plantel de artistas que hicieron su aporte al álbum es tan cosmopolita como los tres destinos elegidos para realizar la grabación, lo que deja su impronta a lo largo del disco.

Guitarras distorsionadas que parecen provenir de las alturas de los kasbah (barrios fortificados en las alturas de las colinas) de su Orán natal; cuerdas y percusión orientales, cadencias hipnóticas en letras y ritmos; un bilingüismo típico de lxs magrebíes migradxs a Francia, y ningún tipo de prejuicios en cuanto a estilos o nacionalidades, hacen de Made in Medina un disco obligatorio para todas aquellas personas buscadoras de nuevas expresiones en la música mundial.

Con variedad estilística y lingüística, excelentes composiciones y mejor aún ejecución instrumental (la tríada guitarra eléctrica+cuerdas+percusión es sublime), Made in Medina es otro de sus ejemplos de que desde Argelia se podía hacer rock sin perder las raíces.

Taha descansa en paz bajo su natal Argelia, pero su alma se amotina entre las nubes. Innovador incomparable, un valiente transgresor de las normas culturales y el pensamiento perezoso, un tipo de persona a la que, probablemente, no volveremos a ver durante mucho, mucho tiempo.

Tracks list:
01. Barra Barra
02. Foqt
03. Medina
04. Ala Jalkoum
05. Aïe Aïe Aïe
06. Hey Anta
07. Qalantiqa
08. En Retard
09. Verité
10. Ho Cherie Cherie
11. Garab





Fuente: facebook: Rachid Taha officiel

martes, 26 de agosto de 2025

agosto 26, 2025

Amparo Sánchez - Espíritu del Sol - 2014

Espíritu del Sol (2014) es el tercer álbum de la cantante y compositora Amparo Sánchez. Tras la publicación de Alma de Cantaora (2012) y su primer trabajo en solitario Tucson-Habana (2009), ahora, de la mano del sello discográfico World Village, la artista andaluza presenta 12 temas llenos de color y positivismo grabados en Tucson, México, Córdoba (Argentina), Barcelona y Andoain.
 
Espíritu del Sol es un álbum positivo, femenino, y con una visión esperanzadora del mundo y del papel de la mujer en esa nueva humanidad. "El eje principal del disco podría decir que trata sobre el empoderamiento de la mujer, la toma de decisiones, el conectar con el espíritu interior, el lanzarles un mensaje a las mujeres —mi público mayoritario— de que «somos hermanas», que estamos juntas". Musicalmente, va de la rumba al latino, pasando por la cadencia del desierto y los distintos sones del Caribe. Un trabajo nómada y viajero que se deja impregnar por las raíces de algunos de los lugares predilectos de la artista, en el que además ha querido incluir dos soberbias versiones en forma de homenaje: una de Manu Chao y Mano Negra interpretada junto a Joey Burns ("Long long nite"), y otra de la gran Chavela Vargas ("El último trago") con arreglos de Johny Contreras en la que Amparo Sánchez está acompañada por los Mariachis de Tucson. Un álbum de agallas, con mucha alma y lleno de luz.

 01. Plegaria
02. Mi gitana
03. Luces en el mar
04. De este amor
05. Hermosa
06. El último trago
07. De lluvia y barro
08. Rio turbio
09. Cuarteto en Paris
10. No pudo ser
11. Sin nombre
12. Long long nite

sábado, 12 de abril de 2025

abril 12, 2025

Sílvia Pérez Cruz - 11 de novembre - 2012

El primer disco en solitario de Sílvia Pérez Cruz, 11 de novembre, no es un disco de flamenco, ni de folk ni de jazz, aunque se alimenta de estas y otras músicas para construir algo único, repleto de emoción y cariño por cada una de sus canciones. Bellísimo.
 Tras destacar al frente del grupo femenino Las Migas, con las que trabajó durante más de seis años y publicó el aclamado debut Reinas del matute (2010), abandonó el grupo hace tres años para dedicarse a la composición, producción y grabación de este primer disco en solitario. Por entonces ya se había aventurado en un amplio número de proyectos musicales, desarrollando de manera paralela trabajos diversos y sorprendentes, proyectos siempre con buena receptividad del público y aclamada por la crítica especializada de manera unánime. Tal vez el proyecto musical más poderoso lo ha firmado junto a Javier Colina Trío, En la imaginación (2011), donde hacían una revisión de clásicos de la música cubana arropada por Marc Miralta a la batería y Albert Sanz al piano.

Pese a que Pérez Cruz llevaba tiempo escribiendo sus propias canciones, tuvo que llegar un hecho dramático a su vida para hacerle ver que tenía que emprender su camino de inmediato. Su padre Càstor Pérez, un conocido recuperador de la habanera, falleció con tan solo 54 años por un infarto de corazón, un día antes del 11 de noviembre de 2010, día de su cumpleaños. A él, que la introdujo desde pequeña en la música, descubrió su portentosa voz y la animó a labrarse una carrera, dedica Sílvia este álbum, señalando su fecha de nacimiento como el momento en que decidió que no debía esperar ni un segundo para culminar este proyecto.


Compuesto y arreglado enteramente por la misma Sílvia –incluidos los arreglos de viento y cuerda y los vocales– y coproducido por ella junto con Raül Fernandez Refree, en él toca la guitarra, el piano, el clarinete y el saxo. En este álbum no solo deslumbra más que nunca con su voz sino que se muestra como una imaginativa compositora y arreglista, capaz de difuminar los límites que tradicionalmente enmarcan géneros tan dispares como el jazz, la cançó catalana, el flamenco, el fado o la música brasileña, mezclando incluso las diferentes lenguas que los caracterizan (català, castellano, galego y portugués).

En catalán adapta poemas de Feliu Formosa, Maria Cabrera y Maria-Mercè Marçal. En castellano borda "Iglesias" –con cita al "Moon River" de Henry Mancini–, "Días de paso" y "Memoria de pez". En portugués canta "Não sei" y "O meu amor é Glòria", samba dedicada a su abuela, su madre y su hermana –las tres se llaman Glòria, y las dos últimas cantan en "Folegandros"–. En gallego entona junto a sus tíos "Meu meniño", que se reparte el ecuador del disco con otra nana, "Nonnon", ésta instrumental.
Un disco hermoso, fascinante y necesario.


Tracks list:
01. Lietzenburgerstrasse 1976
02. Pare Meu
03. Iglesias
04. Não Sei
05. Días De Paso
06. Covava L'ou de la Mort Blanca
07. Meu Meniño
08. Nonnon
09. Memoria De Pez
10. Dilúvio Universal
11. O Meu Amor é Glòria
12. Folegandros
13. 11 de Novembre


 

 


Página web oficial: Sílvia Pérez Cruz

martes, 27 de agosto de 2024

agosto 27, 2024

Paul McCandless - Heresay

Paul McCandless es mas conocido por su labor como miembro fundador de Oregon, un pionero en el género que llegó a ser llamado "New Age". De hecho, la música de Oregon ha sido siempre mucho más que esa etiqueta tan a menudo mal interpretada, para los que combinan jazz, música clásica y las músicas del mundo en una mezcla que es a la vez única y atractiva. McCandless ha trabajado en el mismo terreno, con sus trabajos en solitario, y Heresay es uno de sus mejores. Hay belleza aquí, no es de propulsión polirrítmica, no es improvisación de primera clase. La sensación general es de optimismo y jovialidad, templado con una profundidad de composición de la emoción que evoca todo tipo de visiones en la mente del oyente. McCandless a sí mismo es un maestro de muchos instrumentos, muchos de los cuales rara vez se escuchan en un jazz o jazz-inflexión: Oboe, Corno Inglés, saxo flautín, saxo soprano, clarinete, clarinete bajo, teclado y sintetizadores. Está acompañado por una sección rítmica escepcional, Art Lande en el piano, Steve Rodby en el bajo acústico y Trilok Gurtu en la batería y percusión, con condimentos adicionales de otros grandes músicos.

Bass - Steve Rodby
Drums, Percussion, Tabla - Trilok Gurtu
Flute, Piccolo, Clarinet, Clarinet [Bass] - Wally Kane
French Horn - Keith Green
Oboe, English Horn, Saxophone [Soprano, Piccolo], Clarinet, Clarinet [Bass], Whistle [Penny], Other [Wind Controller], Synthesizer, Composed By - Paul McCandless
Percussion [Samples] - Robert Firpo
Piano - Art Lande
Programmed By [Synthesizer] - J.A. Deane , Randy Sellgren
Synthesizer - Cookie Marenco

En Heresay, Paul McCandless ofrece un maravilloso viaje de música instrumental que no conoce fronteras.

1. Sojourner
2. Beside a Brook
3. Marvelous Harlequin Duck
4. Cloudy This Morning
5. Kinesphere
6. Tail Wind
7. Hologram
8. Eyebright 

Fuente: Jim Newsom, All Music Guide

jueves, 12 de mayo de 2022

mayo 12, 2022

Osamu Kitajima - Behind The Light - 1991

Después de una exitosa carrera en los años 60 en el rock and roll Japones, como miembro de la banda de su primo Yūzō Kayama The Launchers, Osamu Kitajima decidió ir en solitario y explorar los instrumentos antiguos de Japón, tales como el koto y shakuhachi. En 1974, se trasladó a Los Ángeles, donde firmó un contrato con Island Records, lanza su album debut Benzaiten, En 1991 Kitajima lanzó su aclamado álbum "Behind The Light" en los EE.UU. en el sello (Higher Octave Music), de nuevo bajo su propio nombre. En este álbum mezcla elementos de la New Age y la música tradicional japonesa, combinando ingeniosamente los sonidos del koto y el shakuhachi de las antiguas tradiciones musicales de Japón con los instrumentos contemporáneos.
 Behind The Light es un excelente álbum del muy subestimado músico japones Osamu Kitajima. Junto con su album Mandala grabado también en (1991), este disco puede ser considerado como una obra maestra, lanzado durante un punto en la carrera del compositor cuando estaba más en sintonía con el budismo Zen y la filosofía oriental, un camino que comenzó con el álbum The Source en 1984.

1. Behind The Light
2. Yesterday's Child
3. Mystic Whisk
4. The Three orders
5. Wings of Knowledge
6. Small Wonder
7. Forbidden Green

 

jueves, 10 de marzo de 2022

marzo 10, 2022

Lisa Lynne - Daughters Of The Celtic Moon

Lisa Lynne lanzó sus primeros álbumes en solitario, a partir de 1992, como Lisa Franco en el sello alemán Innovative Communication. También a principios de los 90, se convirtió en parte del duo Celestial Winds, con David Young.

En 1997 Lisa Lynne firma con el sello Windham Hill y sale a la luz Daughters Of The Celtic Moon producido por David Arkenstone,  el resultado es justo lo que se podría pensar, bastante sabor celtico y muchos más teclados que en cualquier otro album de Lissa, Pennywhistles, dulcimer, flautas de bambú, laúdes y citaras son sólo algunos de los instrumentos que se mezclan con el arpa para emitir instrumentales agradables y memorables en esta compilación de melodías con sabor celta.

Lisa Lynne (arpa, mandolina, violonchelo)
David Arkenstone (teclados, guitarra, cítara, mandolina, percusión)
George Tortorelli (bouzouki, flauta de madera, pennywhistle, percusión)
Michael Eagan (laúd, archilaúd)
Sid Page (violín)
Mark Chatfield (viola da gamba, violonchelo)
Daniel Chase (batería)
Steve Reid (percusión)

1. Sister Moon 5:05
2. Maiden Dance 3:51
3. Fields Of Gold 4:35
4. Nightingale 4:35
5. Branwin's Secret 4:30
6. The Shine Of A Shane 3:53
7. Knight Ride 4:09
8. Crimson Morn 4:40
9. A Gentle Place 5:00
10. Way Of The World 5:01
11. Gossamer Heart 4:16
12. Lake Of Dreams 4:58 




sábado, 4 de septiembre de 2021

septiembre 04, 2021

George Winston - Winter Into Spring - 1982

Winter Into Spring es el tercer disco en solitario del pianista George Winston, lanzado en 1982. Fue inspirado por la transición de las estaciones del año y la continuacion de su álbum de 1980 Autumn

Más como poemas para piano de canciones tradicionales, estructuradas, la música de George Winston juega como una banda sonora lírica a los ritmos del mundo natural, y en ninguna parte es esto más brillante que en su tercer álbum, Invierno en primavera. Hay maravillosas, hermosas melodías aquí, pero lo que es asombroso es la intensa inspiración de Winston que se derrama de su espíritu y fluye directamente a las teclas. Utiliza técnicas sencillas que apenas impresionarían el más intelectual de los críticos de música, pero que llegan al corazon de  cualquier oyente.


1. January Stars
2. February Seas
3. Ocean Waves (O Mar)
4. Reflection
5. Rain
6. Blossom/Meadow
7. The Venice Dreamer: Part One - Introduction
8. The Venice Dreamer: Part Two

jueves, 8 de julio de 2021

julio 08, 2021

Zenet - Todas las calles - 2010

Todas las calles es el segundo trabajo de Toni Zenet en solitario, tras el éxito de Los Mares de China con el que fue premiado como Artista Revelación en la "XVI Edición Premios de la Música" en España. Como el mismo artista indica, con Todas las calles deja en puerto el barco que le llevó a recorrer Los Mares de China, para patear las calles de todas las ciudades del mundo. Su paseo recorre las calles de Nueva York, Lisboa, Salvador de Bahía, La Habana, Cádiz... a veces, incluso, varias de estas ciudades en una misma canción.

El disco ha sido grabado con el mismo equipo que el anterior, músicos de primerísima fila que han acompañado a Zenet en la extensa gira que ha realizado en estos dos años últimos años, y que han sido el complemento perfecto a la voz, el carisma y la pasión de Zenet sobre el escenario. Cuenta, también, con la misma exquisita producción, llena de matices y de delicadeza en momentos, y con la fuerza de un ciclón en otros.

Las letras, otro de los puntos fuertes de este artista, siguen a cargo del gran poeta Javier Laguna, que ya escribiera las del disco anterior, y la música corre a cargo del propio Zenet, José Taboada y Juan Ibáñez. Tango, bossa-nova, swing y jazz a cargo de este "crooner andaluz" que suena a música de siempre.

Tracks list:
01. Ella era mala
02. No lo dudes
03. Amaneció sin querer
04. Todo lo que nos quisimos
05. Tu amor es tanto
06. Fue por casualidad
07. ¿Por qué no me dejas?
08. Piedras al sol
09. 30 de febrero
10. La última bala
 


domingo, 6 de septiembre de 2020

septiembre 06, 2020

Robert Miles & Trilok Gurtu - Miles Gurtu - 2004

Miles Gurtu es el cuarto álbum de estudio de Robert Miles, el segundo que grabó y produjo de forma independiente. El álbum fue lanzado el 10 de febrero de 2004. Robert Miles y el percusionista de jazz Trilok Gurtu se conocierón durante la grabación del último álbum en solitario de Miles, Organik, donde Gurtu tocaba la percusión en tres de las pistas. El resultado de la colaboración actual es una mezcla de estilos muy dispares de ambos músicos. Miles Gurtu expandió "un nuevo estilo" que Robert Miles comenzó con Organik en (2001), esta vez de una manera mucho más jazzy.

Los mundos relacionados del jazz futurista, la electrónica y el world beat se han comprometido en una danza de cortejo sorprendentemente elaborada por Miles y Gurtu, Con la ayuda de varios artistas como Nitin Sawhney a la guitarra y Adrian Bradbury al Cello.

Robert Miles – keyboards
Trilok Gurtu – drums, percussions, tabla, vocals
Nitin Sawhney – electric guitar, nylon strings guitar
Paul Falloon – bass
Jon Thorne – double bass
Mike Patto – Rhodes piano, Minimoog
Adrian Bradbury – cello
Toshinori Kondo – trumpet
The Urban Soul Orchestra – strings

 


jueves, 13 de agosto de 2020

agosto 13, 2020

Didier Malherbe - Fluvius - Francia

En 1994 Didier lanza su cuarto disco en solitario Fluvius, con cada álbum en solitario, Didier sorprende al oyente con instrumentos recién descubiertos y dominando los sonidos, por lo que cada grabacion es única por sí misma, llena de un entusiasmo fresco y espíritu de aventura.

Este album completa la serie de los cuatro elementos: Bloom-tierra, Fetish-fuego, Zeff-aire, Fluvius-agua.

Didier Malherbe : Flute alto, piccolo, bamboo, saxophone sopranino, soprano, alto, tenor, clarinette alto, tenor
Henri Agnel : Oud, sarod, flamenco guitar, rebec, treated piano, rings, t'bel
Loy Ehrlich : Hajouj, bolong, kora, pianos, V.F.X., ASR10, percussions
Shyamal Maïtra : Tablas, darbouka, ghatam, various percussions

1    La Source           
2    Petit Torent Deviendras Grand           
3    Pyxie Java           
4    La Bougeotte           
5    Broken Waves II           
6    Trashville           
7    Serpent D'Etoiles           
8    Au Moulin D'Ande           
9    Guadalquivir           
10    La mouette           
11    Blues de L'Horizon           
12    Retour aux Sources 

miércoles, 8 de julio de 2020

julio 08, 2020

Rodrigo Leão & Vox Ensemble - Theatrum

Su primer trabajo en solitario, Ave mundi luminar, le mostró como un artista muy original, metido de lleno en la new age, aunque él mismo ha dicho que con más presupuesto hubiera sido concebido para ser grabado por una gran orquesta. Su ópera prima tuvo como continuidad Mysterium. Antes de llegar a Theatrum, Rodrigo Leáo ha tenido varias experiencias como compositor de bandas sonoras.
Para hacer Theatrum, Leao se refugió dos años en Ericeira, un pequeño pueblito marinero muy cerca de Lisboa. Llegó a escribir más de 30 temas experimentando sonidos y propuestas poco obvias, un minimalismo que se basa en la atención a los detalles y pormenores de la obra. En esa experimentación, Leao utiliza el latín clásico en todos los textos, a excepción de un fragmento en ruso.

Tracks
01 - In Memoriam
02 - Odium
03 - Nulla Vita
04 - Dies Irae
05 - O Corredor
06 - Solitarium
07 - Locus Secretus
08 - Contra Mundum
09 - Ruinas
10 - Solve me Lucto
11 - O Novo Mundo

lunes, 15 de octubre de 2018

octubre 15, 2018

Brian Finnegan - The Ravishing Genius Of Bones - Irlanda

Brian Finnegan, el que fuera miembro fundador del ya desaparecido grupo Flook, acaba de sacar un disco en solitario, al que ha titulado The Ravishin Genius of Bones. En este disco colaboran también sus compañeros de Flook Ed Boyz y John Joe Kelly, el incansable Mike McGoldrick, el grupo Crooked Still o los componentes de su nueva banda KAN.

Por esperado, podíamos hablar sin equivocarnos, de uno de los trabajos del año, y es que muchos de los seguidores de la extinta Flook! estaban deseando saber por donde irían los derroteros de los miembros de la banda, y parece ser que uno de los más activos es Finnegan, con su proyecto Kan junto a Aidan O’Rourke y este The ravishing genius of bones, su entrega en solitario.

Para todos aquellos seguidores de los anteriores proyectos del de Armagh decirles que pueden estar tranquilos, el espíritu Flook! sigue vigente en todos y cada uno de los 9 temas que componen el disco, en el que vuelve a dar una lección única del dominio de toda clase de flautas. Especialmente interesante son temas como Belfast, compuesto por tres temas de Barry Kerr, Liz Carrol y Adam Sutherland, o la belleza de Marga’s, que incluye la melodía dedicada a la acordeonísta asturiana Marga Lorences.

La nómina de invitados que acompañan a Brian Finnegan es espectacular, encabazada por sus ex-compañeros de Flook! Ed Boyd y John Joe Kelly, la banda Crocked Still, Damien O’Kane o Aidan O’Rourke.

The ravishing genius of bones es un disco realizado con mucho mimo, y desde luego que por momentos (Starrs) parece realizado a capricho.


 Tracklist:
1. Steps
2. Fly
3. Marga's
4. Belfast
5. Starrs
6. Joy
7. Frida
8. Only
9. Nightride

 


Fuente: 
  http://jarramplas.blogspot.com/2010/05/brian-finnegan-ravishing-genius-of.html

http://cachafeiro.wordpress.com/2010/06/25/brian-finnegan-the-ravishing-genius-of-bones/

viernes, 15 de junio de 2018

junio 15, 2018

Kanda Bongo Man - King Of Kwassa Kwassa - 2011

El "Kwassa Kwassa" es un variante del soukous (un tipo de rumba africana bastante peculiar) caracterizada por la rapidez de sus ritmos, en los que se combinan instrumentos tradicionales africanos con otros de origen europeo. Y es el Kwassa Kwassa el que sitúa a Kanda Bongo Man como uno de los gigantes de la música africana.

Su carrera en solitario comenzó a despegar después de trasladarse a París en 1979, donde su música comenzó a incorporar elementos de la entonces vibrante música zouk (originaria de las Antillas francesas). Sus primeros discos en solitario, Iyole en 1981 y Djessy en 1982, se convirtieron en seguida en grandes éxitos gracias a los cambios estructurales que implementó a la música soukous mediante el fomento de solos de guitarra después de cada verso y al principio de cada canción. Esta forma de abordar el soukous dió origen al Kwassa Kwassa como ritmo de baile, donde las caderas se mueven hacia delante y hacia atrás mientras las manos se mueven siguiendo a las caderas.

Detrás de la voz y la carismática presencia escénica de Kanga Bongo Man están las guitarras de Diblo Dibala y Rigo Star (que también enriquecieron, en su momento, los álbumes de Paul Simon y Papa Wemba), y las de Nene Tchakou y Dally Kimoko, considerados de los mejores guitarristas soukous del mundo, dando lugar a un hermanamiento que dio a su música una calidad maravillosamente alegre y resonante.

La presente recopilación, King Of Kwassa Kwassa (2011), recoge sus principales temas grabados entre 1984 y 1991, canciones que marcaron toda una era de soukous parisinos y que nos muestran una banda en el apogeo de su plenitud.


CD1
01. Malinga
02. Zing Zong
03. Belle Amie
04. Isambe
05. J.T.
06. Sai
07. Aime
08. Amour Fou
09. Bayembi
10. Monie

CD2
01. Naloti
02. Cantique
03. Iyole
04. Ebeneza
05. Djessy
06. Mosali
07. Mazina
08. Ekipe
09. Yonde Love Me
10. Emame


jueves, 28 de diciembre de 2017

diciembre 28, 2017

Michael Hedges - Aerial Boundaries - 1984, 2015, SACD

Este es el mejor álbum de Michael Hedges, el hombre que es responsable de la mayor revolución en la interpretación de la guitarra acústica en solitario desde Leo Kottke. Hay momentos en Aerial Boundaries donde parece literalmente imposible que tanta música provenga de un hombre y su guitarra. Atacando su instrumento, rompiendo cuerdas, golpeando el diapasón con su mano derecha, Hedges toca música supremamente hermosa con la técnica de un lunático trastornado.
Las canciones en Aerial Boundaries son hermosas e inquietantes por derecho propio; y es este énfasis en la composición sobre la técnica lo que hace de esta una grabación tan importante. Hedges da a conocer la amplitud de su interés musical mediante la inclusión de la pieza electrónica extremadamente interesante, "Spare Change". Aunque las notas del liner aseguran al oyente que la guitarra es el origen de cada sonido escuchado, Hedges ha manipulado electrónicamente algunos de ellos a un punto casi irreconocible, sin embargo, él todavía ha logrado crear música de belleza intacta. Hay algo de la música del minimalista Steve Reich (agradecido en las notas) en esta canción, ya que las pistas de guitarra superpuestas y ciclables son casi trances en su repetitividad, pero absolutamente musicales en sus constantes revelaciones. Aerial Boundaries es simplemente uno de los mejores álbumes de guitarra acústica que se haya hecho, y merece un lugar en la biblioteca de todos los fanáticos de la música.

01. Aerial Boundaries – 04:43
02. Bensusan – 02:31
03. Rickover’s Dream – 04:49
04. Ragamuffin – 03:14
05. After The Gold Rush – 04:12
06. Hot Type – 01:33
07. Spare Change – 05:47
08. Ménage À Trois – 07:08
09. The Magic Farmer – 04:01

 



Fuente: Allmusic